Sobre la fontana di Trevi

La fuente de mayores dimensiones y más fama de toda la ciudad de Roma es la Fontana di Trevi. Esta fuente es barroca, construída entre 1732 y 1762 por Nicola Salvi. Tiene 20 metros de anchura y 26 de altura, en forma de un arco del triunfo con 3 aberturas y un impresionante ático. Dicha fuente se encuentra delante del Palazzo Poli. En el nicho central de la fuente, tras las rocas artificiales, nos encontramos con la poderosa figura del rey del mar -neptuno- obra de Pietri Bracci. Ésta figura se encuentra sobre un carro en forma de concha tirado por caballos marinos y rodeado por conchas y tritones. En las hornacinas laterales tenemos las estatuas de la Abundancia (izquierda) y de la Salud (derecha) realizadas por Filippo Valle. Los relieves superiores representan a Agripa aprobando la construcción del Aqua Virgo y la leyenda de su origen. -LEYENDA: según cuenta la leyenda, si se quiere volver a Roma, hay que lanzar una moneda en ella. P.D: un saluto a tutti gli italiani dalla Spagna!!

Escultura funeraria española del s.XV

Hoy me gustaría hablar sobre un tema que cada día me interesa más: la escultura funeraria. Pero en esta ocasión sólo vamos a comentar la que se desarrolló en españa durante el s.XV ......................................................................................................................... Empecemos con una breve introducción sobre la escultura funeraria del s. XV: -Formas habituales: bajo arcosolio o exentos. -El difunto aparece orando arrodillado o yacente (sobre el sepulcro). -Se recargan de escultura figurativa y a veces vegetal. -Los personajes esculpidos pueden conformar un cortejo fúnebre, vidas o imágenes de santos, personajes y escenas bíblicas. -La decoración puede resultar recargada. Se usa también tracería ciega de formas geométricas, pináculos o arcos conopiales sobre los arcosolios. -Pueden aparecer policromadas. -Los autores suelen ser extranjeros. Influencias: Borgoña, Italiana, Nórdica y Flamenca. -Minuciosas en detalles, destacan en lujo, se distinguen las distintas calidades. -Existe la voluntad de retrato y se intenta mostrar el sentimiento de los representados. Después de esta introducción, vamos a comentar una serie de sepulcros para verificar los datos anteriores: -SEPULCRO DE JUAN II E ISABEL DE PORTUGAL-BURGOS Este sepulcro se encuentra en la cartuja de Miraflores, en Burgos. Éste sepulcro es exento, pues no se encuentra adosado a una pared. Los yacentes se encuentran sobre una plataforma con forma de estrella. Sobre la cama están los dos yacentes del rey y reina. El material constructivo es el alabastro. La exquisita habilidad de Gil de Silóe en el tratamiento del alabastro le permitió obtener calidades muy diferenciadas en telas, carnaciones, vegetales... Por otra parte encontramos una rica iconografía (tenemos a las virtudes, a los 4 evangelistas...) y una compleja organización arquitectónica (véase la siguiente fotografía). -DONCEL DE SIGÜENZA-GUADALAJARA En este caso, nos encontramos con un arcosolio, ya que el sepulcro se encuentra adosado a un muro o pared. Este es un sepulcro distinto, pues el difunto se representa vivo (se encuentra leyendo). Por otra parte va a destacar el individualismo. Lleva consigo un carácter de soldado, y ésto se acentúa por su armadura. La escena se vuelve más dramática si observamos al personaje que aparece a sus pies, y que se encuentra sosteniendo un yelmo. Por otra parte, el doncel se apoya sobre unas hojas de laurel, símbolo de la victoria. La autoria de este sepulcro es desconocida. Estos son algunos de los ejemplos que nos podemos encontrar sobre la escultura funeraria española durante el s.XV P.D: un tema fascinante, ¿a que si?

Fachada norte de la Catedral de Santiago

La fachada norte también conocida como azabacherías era de estilo románico, pero en 1757 se decidió sustituirla por otra que llenase los gustos de la época, debido a un incendio. Algunas de las figuras que se encontraban en esta fachada y que fueron rescatadas, se encuentran hoy en Platerías. El incendio que se originó en el siglo XVII provocó la sustitución de la fachada románica por otra que se adaptase a los gustos neoclásicos de la época (aunque hoy en dia tenemos una mezcla de estilos en esta propia fachada): -1º cuerpo de altura: es de estilo barroco. Tenemos unos podiums donde se apoyan las columnas, y en estos podiums cabe mencionar las placas. -2º cuerpo de altura: en este cuerpo la decoración queda reducida a una temática propia del mundo neoclásico: los medallones. Es cierto que volvemos a tener unos podiums donde se apoyan las columnas, pero esta vez son lisos. -3º cuerpo de altura: lo verdaderamente neoclásico es este cuerpo de altura, es decir, el "ático". Nos encontramos acróteras que terminan este cuerpo final. La fachada de azabacherías constituye uno de los primeros ejemplos de arte clásico de Galicia (aunque elementos neoclásicos y barrocos conviven bajo la misma fachada). *Sobre los principios teóricos del neoclasicismo: -Es un arte basado en reglas -Arte con una función edificante y moral (estoicismo, sacrificio y patriotismo). -Tiene que tener una finalidad didáctica (no tiene ninguna finalidad religiosa, sino ética). *En cuanto al lenguaje plástico: -Defesensa de la línea recta frente a la curva (la curva predominaba en el mundo del barroco). -La proporción y simetría son los principios que dominan el mundo del neoclasicismo. P.D: seguro que muchos de los que han leído este post, no sabían que esta fachada era neoclásica... P.D2: FELIZ AÑO A TODO EL MUNDO!!!

Vidrieras de la Catedral de León

El pasado viernes 18 de diciembre, tuve la oportunidad de realizar una mini-excursión con la gente de mi clase para visitar mi humilde tierra Leonesa (no era la primera vez que iba). De todas formas, cuanta más experiencia y conocimientos tengas sobre el tema, más disfrutas de la estancia. Y esto fue lo que me pasó al entrar por 2º vez en la catedral, pues me quedé atontada con tanta belleza. No paraba de mirar los 3 cuerpos de altura: arcada, triforio y claristorio. ......................................................................................................... Ahora hablemos de las vidrieras de dicha catedral: -El desarrollo técnico de las vidrieras, proceso que conlleva un nuevo concepto simbólico de la luz y una nueva valoración e interpretación de los programas iconográficos, corre paralelo a la evolución de la arquitectura gótica. -El origen de las vidrieras de la catedral de León, al igual que ocurría con la arquitectura y la escultura, debe rastrearse en la vidriera francesa, pues nos remite a los modelos de las catedrales de Reims o Amiens. -Las treinta y una ventanas que componen el claristorio crean la mayor superficie traslúcida de la catedral, cerrada con vidrieras de los siglos XIII y XV de variada temática. Aunque es cierto que algunas de estas vidrieras fueron restauradas en el s. XIX -Nos encontramos con distintos temas: bíblicos, heráldicos, vegetales. A continuación unas imágenes para ilustraros: -DETALLE DE LOS 3 CUERPOS DE ALTURA: ARCADA, TRIFORIO Y CLARISTORIO -DETALLE DE UNO DE LOS ROSETONES + VIDRIERAS (formadas por 2 lancetas y un mini rosetón) -DETALLE DE VIDRIERAS DE UNA CAPILLA DE LA CABECERA -DETALLE DE UNA VIDRIERA -SUPER DETALLE DE UNA VIDRIERA P.D: preciosa catedral, preciosísima!!

Caspar David Friedrich

Caspar David Friedrich (1774-1840) fue el principal representante de la pintura romántica alemana. Fue educado según la confesión protestante de su familia. Varios fallecimientos ocurridos en su familia a lo largo de su infancia-juventud le indujeron a que se ocupase intensamente en el tema de la muerte. En cuanto a su temática, hay que destacar que "la pintura es un instrumento para hablar con Dios": -gusto por el paisaje, donde tenemos la nimiedad del hombre frente a la naturaleza. -la iluminación es iridiscente, crepuscular. -presencia de pocas figuras, y situadas de espaldas. .................................................................................................................................. Ahora hablemos de algunas de sus obras: -MONJE A LA ORILLA DEL MAR- (1808-1810) Se rompen las líneas de la composición. Destaca lo infinito, lo sublime. Nos ofrece la "nada", el vacío (que sin embargo todo lo llena). Tenemos un cielo que abarca toda la obra, asi como el mar negro. Tenemos la insignificancia del hombre frente a la naturaleza (tema que repetirá constantemente). Esta obra está inspirada en la obra Vista de Delf de Vermeer (barroco holandés). Volviendo a la obra de Friedrich, decir que en un primer plano tenemos una figura que por sus vestiduras deducimos que se trata de un monje. Se dice que pertenece a la orden de los capuchinos. Aparece como pensativo. -ABADÍA EN EL ROBLEDAL- (1808-1810) Aqui se nos representa la fugacidad de la vida y la presencia de la muerte (encontramos el paso a otra vida, por eso no nos muestra esta obra de manera aterradora, pues la muerte sólo es un paso y no el fin). Es una composición donde TODO está perfectamente ordenado. La formación académica es el principio de dicha obra. Por otra parte tenemos la presencia de una luz crepuscular, que habla de la esperanza. -OCÉANO GLACIAR- (1823) Debe considerarse una obra programática. Es la cumbre de todas las preocupaciones del pintor. Es una pintura un tanto compleja, sobre todo por su composición. En esta obra vemos la belleza de un océano glaciar. Destaca un gran dramatismo en la obra, que entra en contacto directo con el espectador. El centro del cuadro está presidido por grandes bloques de hielo que sepultan parte del barco. Tenemos la celebración del eterno poderío de la naturaleza (dentro del estilo sublime). Por otra parte, hay que mencionar la importancia de los colores, que tienen un cierto carácter divino (sobre todo los blancos). P.D: espero que os haya gustado este post, la verdad es que Friedrich fue un gran artista!! Adoro su pintura (es cierto que no he comentado algunas de sus obras más conocidas, pero de esta manera también conoceis otras).

Sobre el Romanticismo

Hoy vamos a hablar sobre el movimiento romanticista con respecto a la pintura. Pero empecemos con una breve introducción sobre el romanticismo: -Neoclasicismo y Romanticismo van a ser 2 corrientes que se desarrollen al mismo tiempo. -El Romanticismo es un movimiento artístico que surge como reacción al Neoclasicismo. A pesar de ello, va a vivir del pasado (pero no del mundo antiguo como hacían los neoclasicistas, sino del mundo MEDIEVAL). Por tanto tenemos una mirada hacia la baja Edad Media (subrayando la herencia cristiana). -Otra característica del movimiento romanticista es que no se va a desarrollar de la misma manera en todos los lugares. -Más que un movimiento pictórico, estamos hablando de un modo de vida (pues también afectó al mundo literario y al musical). Hablando de los principios de la pintura romántica, hay que mencionar: -Pincelada suelta, libre, expresiva, de tonalidades cálidas y luminosas con toques de vivacidad. Pintura extravagante, llamativa. -Predominio del COLOR sobre la LÍNEA. -Composición libre, es decir, ruptura con el orden y equilibrio. -Perspectiva enfática: aquella que busca confundir al espectador (normalmente actúa con varios puntos de vista). -Temática: pasión por los sentimientos, por el individuo y naturaleza. El PAISAJE empieza a tener valor por si mismo. Ya no será el simple fondo de la composición. -La estética del movimiento romántico tendrá como objeto artístico las experiencias del creador (ahora entendido como un sujeto activo). -NO se rige por una formulación de principios o de normas. Acude a la "introspección", a la sensibilidad del YO (no se configura como un movimiento monolítico). -Existe la búsqueda de lo onnírico, de lo espirital (FRIEDRICH en Alemania). También tenemos una búsqueda de la fantasía por parte del autor (GERICAULT en Francia), así como la búsqueda de lo literario. Por último quería comentar que según Gërard de Lairesse: "cualquier cosa que nos llame la atención, es digna de ser pintada". P.D: continuaré hablando del romanticismo con diversos pintores de esta tendencia.

"Hoja Morgan" de la biblia de Winchester

Hoy vamos a hablar sobre la miniatura inglesa. Y como ejemplo os voy a poner esta maravilla, que recibe el nombre de "Hoja Morgan" de la biblia de Winchester. Fue Enrique de Blois quien realizó esta miniatura. En 1171 muere, quedando la biblia sin terminar. Pero lo único que ha llegado hasta nuestros dias ha sido esta hoja. En esta miniatura se representa la historia del rey David. Nos encontramos con 3 registros. Cabe destacar el inferior, donde vemos el velo de timantes: el rey David se tapa con su manto rojo el rostro al recibir la noticia de que su hijo había fallecido (se habia enredado el pelo con las ramas de un árbol, y fue entonces cuando el enemigo aprovechó para clavarle una lanza...). El dolor que alcanza un padre al saber que su hijo está muerto es inexplicable, por eso se ha decidido tapar el rostro del rey David de esa manera. Por otra parte, es importante destacar en esta miniatura la importancia del color tonal: los colores se gradúan con pequeños "toques" de blanco (NO se trata de un sombreado como pasaba en épocas anteriores). Lo que importaba eran los personajes, y por esta razón el fondo y la decoración vegetal son prescindibles (a no ser que hicieran falta para narrar la hisoria, como pasa con el hijo del rey David). P.D: conclusión, ¿a quién NO le gustaría tener una hoja como ésta?