Mausoleo de Mª Cristina de Sajonia

Este mausoleo fue realizado por el gran escultor neoclásico, Antonio Canova alrrededor de 1798-1805. Para empezar debemos comentar que el arte neoclásico buscaba la representación de las formas de la antigüedad clásica. Donde la proporción y simetría son las grandes características del momento. Tanto en los sepulcros como mausoleos el drama de la muerte ya no aparece reflejada (como si pasaba en el mundo del barroco). Se busca la tranquilidad y armonía del conjunto. Suelen ser obras tremendamente severas, sobre todo las de Antonio Canova (que se caracteriza por la inexpresividad de sus figuras). ............................................................................................................................... El mausoleo de Mª Cristina de Sajonia se encuentra en Viena, y llama la atención la forma que adopta, pues es piramidal (recordando esa evocación a una arquitectura dedicada a la muerte). Vemos en las figuras de la izquierda a un anciano que se apoya en una jóven que simboliza la virtud. En el lado derecho nos encontramos con el genio alado, aunque también se le considera el ángel de la muerte. Es importante decir que en este mausoleo tenemos la representación de las 3 edades, donde la muerte no hace distinciones. Tenemos unas figuras que van en paso procesional. Por otro lado, y en la parte superior del mausoleo nos encontramos con un medallón que hace referencia a la difunta Mª Cristina de Sajonia (aparece representada de perfíl, posición típica de las medallas o monedas de la antigüedad clásica). Este medallón lo sujeta una figura que simboliza una virtud relacionada con la felicidad. Es cierto que la parte superior del conjunto se contrapone con el mensaje que nos encontramos en la parte inferior. Tenemos ante todo una búsqueda del equilibrio.

Monumentos funerarios en el renacimiento

Los monumentos funerarios en época renacentista se caracterizan por la idea de triunfo y la exaltación de la virtud del individuo, que confluyen con la idea de la inmortalidad. Esta exaltación de las virtudes y cualidades del fallecido alcanzó sus máximas consecuencias en las tumbas papales.

Con el paso del tiempo, vemos como en estos sepulcros se van disminuyendo las figuras de caracter religioso, aunque seguimos viendo algunos símbolos. Tenemos la autosuficiencia del individuo para salvarse, y esto será lo más representativo.

Podemos comentar algunos de los sepulcros, como pueden ser:

-SEPULCRO DEL CARDENAL DE PORTUGAL- ANTONIO ROSELLINO

Este sepulcro se encuentra en el interior de la iglesia de San Miniato al Monte (florencia). Podemos situar a este sepulcro acerca del año 1461.

Observamos que el sepulcro se encuentra como en una arquitectura independiente, formada por casetones y falsos cortinajes (estos falsos cortinajes constituyen el precedente de lo que será el telón en período barroco).

Se buscaba una permanencia histórica a través de esta escultura funeraria. Es importante decir que NUNCA se pierde el sentido cristiano en el mundo renacentista, pero se incentiva la figura del ser humano.

En este sepulcro todavía tenemos la presencia de una serie de figuras religiosas, como la Virgen con el niño encontrados en un medallón encima del sepulcro. Unos ángeles parecen sujetar este medallón.

Pero en ejemplos posteriores vemos como estas figuras de caracter religioso disminuyen.

-SEPULCRO DE PIERO Y GIOVANNI DE MÉDICI- ANDREA DEL VERROCHIO

Este sepulcro fue realizado por Andrea del Verrochio, que buscó sugerir la acción más que representar la acción en si.

Este sepulcro se encuentra en la iglesia de San Lorenzo. Vemos como se han eliminado las figuras religiosas, pero el contenido religioso pasa a la decoración. Tenemos una serie de hojas de vid que son unos elementos que aluden a la resurrección después de la muerte (se encuentran en el marco que rodea al sepulcro).

Por otra parte, el enrejado que aparece detrás del sepulcro hace alusión a las cadenas del cuerpo, es decir, del sometimiento del hombre a su propio pecado. Para lograr la inmortalidad se tenía que romper dicha reja.

P.D: teneis que perdonar mi ausencia en estos dias, pero ya se sabe que en período de exámenes...!!

Palacio de Carlos V en Granada

Retomamos la materia de la asignatura de arte español II, para hablar del conocído palacio de Carlos V en Granada. ................................................................................................................................................ Para empezar, hay que decir que es a partir del 1520 cuando nos encontramos con arquitectura renacentista propiamente dicha (ya que antes se mezclaba en los edificios el estilo gótico con las nuevas formas italianas, y a esta mezcla se le conoce como plateresco). Es a partir del 1526 cuando Carlos V se empezó a interesar por la arquitectura clásica. Se casó con una portuguesa de nombre Isabel. Ambos se fueron de luna de miel a Granada, que no la conocían. Al rey le gustó tanto que decidió convertir la ciudad en el ombligo de su imperio. Dedice construir un palacio en la zona para él, su esposa y la corte. El arquitecto de este palacio fue Pedro Machuca, quien había estudiado en italia, por tanto conocía muy bien estas formas arquitectónicas (como observamos en el palacio). Es un palacio italiano pero construído en España. A parte de satisfacer las necesidades de su esposa y corte, el palacio se construyó con la idea de mejorar al anterior. El proyecto definitivo de este palacio data del 1542 aproximadamente. Sabemos que este palacio está conectado con el antiguo palacio, además de estar vinculado con las estancias privadas del emperador. Por otra parte, se construyó una iglesia al lado del conjunto (Santa María de la Alhambra). Es importante mencionar que en estos momentos, el resto de españa estaba construyendo sus edificios al estilo plateresco (mezcla del estilo gótico con las nuevas formas renacentistas). Ahora vamos a comentar el palacio: Decir que tiene 2 fachadas principales, ambas con almohadillado (Bramante ya había inventado ésto para los palacios romanos). Las fachadas norte y setentrional no nos interesan porque son simples puertas de servicio. -FACHADA OCCIDENTAL- Esta es la fachada principal. Destacar el paramento almohadillado de su fachada. Vemos que está dividida en 2 pisos: -Piso inferior: formado por columnas dóricas. -Piso superior: formado por columnas jónicas. Vemos 3 ventanas, que cuentan historias de Hércules (Carlos V se consideraba descendiente de Hércules...) Victorias terrestres son algunas escenas que se exaltan en la arquitectura (en los frontones de la portada). Existe una gran monumentalidad. Todo esto realiado con mármol. -FACHADA MERIDIONAL- Esta es la otra fachada que vamos a comentar, la meridional. Es más pequeña que la comentada anteriormente, y también está realizada de mármol. Observamos de nuevo el paramento almohadillado de la fachada. Así como la división en 2 pisos: -Piso inferior: formado por columnas jónicas. -Piso superior: formado por columnas corintias. En este piso nos encontramos con un modelo diferente de ventana, denominada serliana. En esta fachada tenemos historias de la fama y la victoria, así como alegorías. -PATIO INTERIOR- Este es el patio del palacio. Realizado con piedra conglomerada, como se puede apreciar en las columnas. Al mirar esta arquitectura sabemos que quien la construyó (Pedro Machuca) tenía conocimientos sobre las formas de la arquitectura romana. Tenemos un dominio del lenguaje clásico por parte del autor. Por último, comentar que NO hay copias de este palacio, NO hay herencia.

CRITICA hacia Damien Hirst

Hagamos un inciso para "poner verde" a este cretino que se piensa que lo que hace puede llamarse arte... ................................................................................................................................. Damien Hirst regresa a Nueva York con animales en formol: Damien Hirst vuelve a exhibir animales muertos sumergidos en formol tras el fracaso cosechado en Londres con su última exposición a base de pinturas al óleo. La crítica británica calificó sus cuadros de “endebles”, “monocordes” y “espantosos”, así que el artista ha decidido reforzar el interés de su nueva exposición en Nueva York con más cadáveres embalsamados. La Galería Gagosian de Manhattan ha titulado el acontecimiento como ‘El fin de una era’, aunque obviamente no se refiere a un cambio sustancial en la trayectoria de Hirst, sino al título de una de las piezas que se exhiben. Se trata de la cabeza de un toro cuyos cuernos recubiertos de oro sostienen el disco solar, elaborado igualmente con oro macizo, el metal con que se construyó también la vitrina que contiene el cadáver. ¿DE VERDAD CREEIS QUE ESTO PUEDE LLAMARSE ARTE? -Oveja dividida a la mitad- -El fin de una era- Podré tolerar que a alguien le parezca lo más original y maravilloso del mundo, pero NUNCA podré compartir este gusto por los animales diseccionados y expuestos en vitrinas con formol. Va en contra de mis principios. Y YO COMO PROYECTO DE HISTORIADORA DEL ARTE, TE DIGO DAMIEN HIRST, QUE LO QUE HACES NO PUEDE LLAMARSE ARTE (aunque hoy en dia valga todo...) (¬_¬)

Origen del renacimiento en España

Las siguientes entradas van a estar relacionadas con la asignatura de ARTE ESPAÑOL II (futuro examen el dia 12 de febrero) .................................................................................................................... Vamos a empezar por el principio, hablando del origen del renacimiento en España. Hay que decir que este origen se produce aproximadamente en el 1488. Al principio nos encontraremos con un estilo que mezcla las formas tradicionales de la arquitectura gótica con las nuevas formas renacentistas (esta mezcla de estilos se llama plateresco). Hasta el año 1520 no nos encontraremos con edificios renacentistas propiamente dichos. Por otra parte, cabe destacar la importancia de la familia Mendoza, que patrocinó ciertas formas italianas. No hubo experimentación en cuanto a formas, pues ésto ya se había llevado a cabo en Italia. Este desarrollo de formas italianas viene por varias influencias: *Llegada de artistas italianos a españa. *Hubo muchos artistas españoles que se fueron a italia para estudiar. *Importación de obras italianas a españa. Dentro de este apartado, podemos señalar una serie de edificios que patrocinaron los reyes católicos: La iglesia de San Juan de los Reyes (Toledo), así como la creación de una red de hospitales (aunque hubiera muchos, eran pequeños, y por lo tanto, eran insuficientes). La planta del hospital de los reyes católicos de Santiago de Compostela es italiana, pero el alzado del edificio es gótico. Nos llegaron los planos de una nueva planta: los del hospital de Milán por Filarete. Era un espacio cuadrangular, con pequeños patios en el interior. Este modelo de Filarete, fue el que se utilizó por ejemplo en el hospital de los reyes católicos de Santiago de Compostela: Esta imagen es una vista aérea del hospital de los reyes católicos de Santiago de Compostela. Es un edificio cuadrangular, con 4 patios interiores. Sigue el mismo modelo que el hospital de Milán. CONTINUAREMOS CON EL PALACIO DE CARLOS V (Granada)

Gótico clásico: Bourges

Hoy quería comentar esta catedral, característica del gótico clásico. Primero hay que decir que esta fase del gótico se caracteriza por la utilización del arbotante: no sólo lleva una función técnica, ya que también es un gran elemento estético (y se darán cuenta de ello, por ejemplo en Chartres). Los arbotantes son los elementos arquitectónicos que están situados a la misma altura que el claristorio, y ayudan con el contrapeso de las bóvedas, dirigiendo el peso hacia los contrafuertes. Se dice que el uso de arbotantes ya se pudo inventar en la Notre-Dame de París (catedral característica del primer gótico, ca 1163). Y ésto lo podemos practicamente afirmar por una serie de dibujos de Viollet Le Duc sobre la misma catedral. Los arbotantes eran aquel muro botarell que se encontraba escondido en los muros, debajo del tejado. Era el encargado de soportar el peso de las bóvedas. Lo único que han hecho ahora en el gótico clásico es quitarle el tejado a ese muro botarell (esto es una gran evolución arquitectónica) y dejarlo al aire libre. ...................................................................................................................................... Hablando ya de Bourges (ca 1190-1215), hay que decir que es una catedral muy rara, pero eso no significa que no triunfase en España. Se copió sobre todo en Burgos y en Toledo. No sabemos quien pudo ser el arquitecto de la catedral de Bourges. Vemos en su planta, que ha recuperado el doble deambulatorio, así como la macro-cabecera que presenta capillas radiales. Por otra parte presenta unas cubiertas de bóvedas sixpartitas (ésto era característica del primero gótico, pero como ya mencioné antes, esta catedral era muy rara para la época). Tenemos una planta basilical con colaterales dobles. Va a parecer una planta de salón (aquellas iglesias o catedrales que tienen una sola nave), aunque no lo sea. Es cierto que viendo el exterior de esta catedral, nadie se da cuenta de la gran evolución que se nos presenta en el interior. Vemos como ahora ya no son necesarias las tribunas (gracias a los arbotantes que ayudan con los contrapesos de la bóveda en el exterior). El uso de los arbotantes también les permitía crear unas catedrales más altas y mas audaces. En el interior de Bourges no tenemos nada que nos interrumpa la visión. Por otra parte, vemos que su interior se compone de 3 cuerpos de altura: arcada, triforio y claristorio. En realidad si vemos la siguiente imágen parece que tenemos 5 cuerpos de altura, pero los primeros 3 cuerpos se corresponden con los de la nave lateral. El arquitecto quiso jugar con una ambivalencia óptica (efecto óptico): Los 3 círculos rojos subrayan los cuerpos de alzado de la nave laterial, mientras que los círculos amarillos subrayan los cuerpos de alzado de la nave central. Hay que destacar, por otra parte, el triforio (de tradición normanda). Parece algo arcaizante, pero sin embargo logra un alzado en altura completamente bello. Tenemos que decir, que NO usa fustes enjarjados (fustes a contralecho), porque lo que tenemos son unas pilastras y fustes delgadísimos. Para terminar, es importante comentar que se pudo pensar en la yuxtaposición de 2 iglesias en 1 (esta yuxtaposición es lo que caracteriza al arte gótico). Es como que una iglesia más alta se coloca encima de otra más pequeña. Parece que nos encontramos con una iglesia que parece suspendida en el aire: JERUSALEM CELESTE (lugar que no está ni en el cielo ni en la tierra). A continuación, una pequeña presentación para que podais ver las imágenes de la catedral comentada:

P.D: se acerca el primer examen de este 2º curso de Historia del Arte. Mucha suerte a tod@s mis compañer@s!!

Movimiento Impresionista

El impresionismo (1874-1882 aproximadamente) es un movimiento artístico que se va sucediendo en el tiempo. No hubo una escuela impresionista, ya que este movimiento se formó a través de una asociación heterogénea de artistas que compartían una serie de gustos y repulsas comunes. Se puede decir que este movimiento surgió a partir de unas reuniones celebradas en el 1867 en el café Guerbois. En estas reuniones participaron: Monet, Renoir, Sisley y Bazille. Hay algunos autores como Seurat o Signac que se inician en este movimiento impresionista, pero terminan explorando nuevos horizontes. Los inicios del impresionismo no están muy claros, puede variar si mencionamos: -1863: año en el que se crea "el salón de los rechazados" (Manet es el gran exponente) -1867: fecha de inicio de las tertulias en el café Guerbois. Pero lo que está claro es que el término "impresionismo" surge con un sentido irónico y burlesco. De echo estuvo muy infravalorado por el arte y cultura de su tiempo. Una de las grandes novedades de dicho movimiento: el pintor sale de su estudio para pintar al aire libre. Por otra parte, y entrando en las características formales del impresionismo: *Rechazo de la pintura oscura y bituminosa, para usar sólo la gama del arco iris. Ejemplo de ésto tenemos el cuadro llamado "La urraca" de Claude Monet (Ni siquiera en las sombras tenemos un color negro). *Los colores se aplican directamente sobre el lienzo (ésto acaba derivando en los impastos, que son grandes "pegotes" de pintura aplicados directamente sobre el lienzo. Tenemos a Van Gogh como gran representante de los impastos). Como ejemplo de esta característica tenemos la obra llamada "Campo de amapolas" de Claude Monet (destacar las pequeñas manchas rojas que forman las amapolas). Es un movimiento artístico que valora la importancia de la LUZ y el COLOR. Ahora los artistas se preocupan por pintar los distintos momentos del dia en sus representaciones (tratan de recoger la "impresión" del momento). A pesar del rechazo por esta pintura en la época, hay que decir que en la actualidad estas pinturas impresionistas se cuentan como las obras de arte más apreciadas y son el orgullo de toda colección pública o privada. Por último quiero que veais este vídeo (fantástico) que resume muy bien el movimiento impresionista: P.D: sin duda una pintura espectacular...