Selección de Vídeos

Teneis que perdonar todo el tiempo que llevo sin actualizar el blog, pero además de irse la inspiración tampoco tengo mucho tiempo. Hoy os traigo un serie de vídeos sobre diversos pintores, espero que os gusten................................................................................................... -SOBRE VLADIMIR KUSH- -SOBRE JOAQUIN SOROLLA- -SOBRE VICTOR VASARELY- -SOBRE PAUL CÉZANNE-

El palacio de Luxemburgo

Hoy quiero comentar este palacio, para facilitar la práctica de arte moderna a mis compañer@s de clase. ...................................................................................................................................................... Para empezar, hay que comentar que actualmente este palacio alberga el senado francés. Es un edificio que fue construído para María de Médicis, entre los años 1615-1624 por el arquitecto Salomón de Brosse. Al parecer María se queda viúda un dia después de ser coronada regenta. Para alejarse de las intrigas de la corte que residía por entonces donde encontramos actualmente el Museo del Louvre, decide buscarse otro alojamiento, más digno para su cargo de regente, y que además le recordase al palacio florentino de su niñez. La reina logró comprar en 1612 la residencia de un duque de la zona, llamado François de Luxembourg. A pesar de sus intentos por llamarlo "Palacio de Médicis", el palacio siempre fue conocido por el nombre de su antiguo dueño. Las obras empiezan en abril de 1615 y en 1624 con el arquitecto Salomon de Brosse, que tenía que tomar como referencia el Palacio Pitti, en Florencia (la tierra natal de María de Médicis). El palacio Pitti era la antigua residencia principal de la dinastía de los Médici (ver siguiente foto). La entrada se sitúa al norte y la fachada principal está orientada al sur y da sobre el Jardín del Luxemburgo. Para la realización de los jardines también tuvo que comprar y demoler otras residencias, y sólo después de la muerte de María de Médicis, hacia fines del siglo XVIII, los jardines alcanzaron un tamaño considerable. El Jardín del Luxemburgo es el más céntrico y popular parque de París. Es de estilo neoclásico , con calles dispuestas simétricamente alrededor del estanque octogonal central. Sabemos que el palacio fue ampliado varias veces, pero sin modificar mucho su aspecto exterior. Sin embargo, para dar cabida al Senado en 1969 se necesitó construir oficinas individuales para cada senador y varias salas de reunión y locales administrativos además de adaptar al gusto del siglo XX a las comodidades básicas. Por otra parte, tanto el palacio como los jardines sufrieron las vicisitudes de sus propietarios, y quedaron casi abandonados en varias ocasiones. El palacio fue transformado en prisión cuando estalló la Revolución Francesa. Durante la Segunda Guerra Mundial, los alemanes lo utilizaron como cuartel y construyeron un búnker en el jardín. Del jardín inicial sólo queda un monumento: la fuente de María Médicis (ver siguiente foto).

Sobre el Fauvismo

El movimiento conocido como FAUVISMO (1904-1907) se formó mediante un grupo de artistas formados en su mayoría por Gustave Moreau. Estos artistas continuan la senda marcada por los postimpresionistas (las principales características provienen del neoimpresionismo y de Paul Gauguin). A estos artistas les atraían los colores fuertes, llamativos (ya que el fauvismo es COLOR). Se dieron a conocer en el Salón de Otoño de Paris en el 1905 con el nombre de fauvistas. Algunas características de este movimiento son: *El color se libera del dibujo (ya que el dibujo queda como aspecto secundario) *Investigan en la teoría del color (colores primarios, secundarios y complementarios). *Prescinden de la gradación tonal y el claroscuro. *Síntesis de las formas. Nos encontramos con una pintura gestual, espontánea. *Tenemos una distorsión de la realidad. *Interés por el decorativismo (es un movimiento esteticista). *NO rompen con la armonía y el orden. En definitiva, este movimiento es como un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Los principales protagonistas fueron: Andre Derain, Henry Matisse, Albert Marquet y Henry Manguin. A continuación vamos a ver y comentar algunos ejemplos de obras fauvistas: -LUJO, CALMA Y VOLUPTUOSIDAD- HENRY MATISSE Esta obra es un buen ejemplo para observar todavía la presencia de la técnica puntillista, característica del movimiento neoimpresionista. Ya que esta obra pertenece a los primeros momentos de este nuevo movimiento. Pero sin duda lo que más nos llama la atención es la presencia del color. Nos encontramos con una composición donde presominan las líneas horizontales y verticales (en algunos casos se cruzan). Es una obra que está perfectamente estructurada (en este sentido siguen siendo todavía muy clásicos). Por otra parte no nos podemos olvidar que se trata de una obra bastante decorativa (recordar las características comentadas anteriormente). -LA RAYA VERDE- HENRY MATISSE En esta ocasión nos encontramos con un retrato (en especial el retrato de su esposa). A primera vista, nos llama la atención la utilización de una pincelada pastosa, al contrario que la obra que comentábamos antes (observamos una evolución en cuanto a la pintura). No importan los detalles anatómicos de la persona representada, sino representar a esa persona mediante el COLOR. Otro de los grandes factores importantes es la LUZ. En esta obra nos encontramos una separación entre la parte que está iluminada y la que está en sombra, y esto aparece marcado por la raya verde que tenemos en el rostro de la mujer. Por tanto vemos una clara diferenciación de luces.

Mausoleo de Mª Cristina de Sajonia

Este mausoleo fue realizado por el gran escultor neoclásico, Antonio Canova alrrededor de 1798-1805. Para empezar debemos comentar que el arte neoclásico buscaba la representación de las formas de la antigüedad clásica. Donde la proporción y simetría son las grandes características del momento. Tanto en los sepulcros como mausoleos el drama de la muerte ya no aparece reflejada (como si pasaba en el mundo del barroco). Se busca la tranquilidad y armonía del conjunto. Suelen ser obras tremendamente severas, sobre todo las de Antonio Canova (que se caracteriza por la inexpresividad de sus figuras). ............................................................................................................................... El mausoleo de Mª Cristina de Sajonia se encuentra en Viena, y llama la atención la forma que adopta, pues es piramidal (recordando esa evocación a una arquitectura dedicada a la muerte). Vemos en las figuras de la izquierda a un anciano que se apoya en una jóven que simboliza la virtud. En el lado derecho nos encontramos con el genio alado, aunque también se le considera el ángel de la muerte. Es importante decir que en este mausoleo tenemos la representación de las 3 edades, donde la muerte no hace distinciones. Tenemos unas figuras que van en paso procesional. Por otro lado, y en la parte superior del mausoleo nos encontramos con un medallón que hace referencia a la difunta Mª Cristina de Sajonia (aparece representada de perfíl, posición típica de las medallas o monedas de la antigüedad clásica). Este medallón lo sujeta una figura que simboliza una virtud relacionada con la felicidad. Es cierto que la parte superior del conjunto se contrapone con el mensaje que nos encontramos en la parte inferior. Tenemos ante todo una búsqueda del equilibrio.

Monumentos funerarios en el renacimiento

Los monumentos funerarios en época renacentista se caracterizan por la idea de triunfo y la exaltación de la virtud del individuo, que confluyen con la idea de la inmortalidad. Esta exaltación de las virtudes y cualidades del fallecido alcanzó sus máximas consecuencias en las tumbas papales.

Con el paso del tiempo, vemos como en estos sepulcros se van disminuyendo las figuras de caracter religioso, aunque seguimos viendo algunos símbolos. Tenemos la autosuficiencia del individuo para salvarse, y esto será lo más representativo.

Podemos comentar algunos de los sepulcros, como pueden ser:

-SEPULCRO DEL CARDENAL DE PORTUGAL- ANTONIO ROSELLINO

Este sepulcro se encuentra en el interior de la iglesia de San Miniato al Monte (florencia). Podemos situar a este sepulcro acerca del año 1461.

Observamos que el sepulcro se encuentra como en una arquitectura independiente, formada por casetones y falsos cortinajes (estos falsos cortinajes constituyen el precedente de lo que será el telón en período barroco).

Se buscaba una permanencia histórica a través de esta escultura funeraria. Es importante decir que NUNCA se pierde el sentido cristiano en el mundo renacentista, pero se incentiva la figura del ser humano.

En este sepulcro todavía tenemos la presencia de una serie de figuras religiosas, como la Virgen con el niño encontrados en un medallón encima del sepulcro. Unos ángeles parecen sujetar este medallón.

Pero en ejemplos posteriores vemos como estas figuras de caracter religioso disminuyen.

-SEPULCRO DE PIERO Y GIOVANNI DE MÉDICI- ANDREA DEL VERROCHIO

Este sepulcro fue realizado por Andrea del Verrochio, que buscó sugerir la acción más que representar la acción en si.

Este sepulcro se encuentra en la iglesia de San Lorenzo. Vemos como se han eliminado las figuras religiosas, pero el contenido religioso pasa a la decoración. Tenemos una serie de hojas de vid que son unos elementos que aluden a la resurrección después de la muerte (se encuentran en el marco que rodea al sepulcro).

Por otra parte, el enrejado que aparece detrás del sepulcro hace alusión a las cadenas del cuerpo, es decir, del sometimiento del hombre a su propio pecado. Para lograr la inmortalidad se tenía que romper dicha reja.

P.D: teneis que perdonar mi ausencia en estos dias, pero ya se sabe que en período de exámenes...!!

Palacio de Carlos V en Granada

Retomamos la materia de la asignatura de arte español II, para hablar del conocído palacio de Carlos V en Granada. ................................................................................................................................................ Para empezar, hay que decir que es a partir del 1520 cuando nos encontramos con arquitectura renacentista propiamente dicha (ya que antes se mezclaba en los edificios el estilo gótico con las nuevas formas italianas, y a esta mezcla se le conoce como plateresco). Es a partir del 1526 cuando Carlos V se empezó a interesar por la arquitectura clásica. Se casó con una portuguesa de nombre Isabel. Ambos se fueron de luna de miel a Granada, que no la conocían. Al rey le gustó tanto que decidió convertir la ciudad en el ombligo de su imperio. Dedice construir un palacio en la zona para él, su esposa y la corte. El arquitecto de este palacio fue Pedro Machuca, quien había estudiado en italia, por tanto conocía muy bien estas formas arquitectónicas (como observamos en el palacio). Es un palacio italiano pero construído en España. A parte de satisfacer las necesidades de su esposa y corte, el palacio se construyó con la idea de mejorar al anterior. El proyecto definitivo de este palacio data del 1542 aproximadamente. Sabemos que este palacio está conectado con el antiguo palacio, además de estar vinculado con las estancias privadas del emperador. Por otra parte, se construyó una iglesia al lado del conjunto (Santa María de la Alhambra). Es importante mencionar que en estos momentos, el resto de españa estaba construyendo sus edificios al estilo plateresco (mezcla del estilo gótico con las nuevas formas renacentistas). Ahora vamos a comentar el palacio: Decir que tiene 2 fachadas principales, ambas con almohadillado (Bramante ya había inventado ésto para los palacios romanos). Las fachadas norte y setentrional no nos interesan porque son simples puertas de servicio. -FACHADA OCCIDENTAL- Esta es la fachada principal. Destacar el paramento almohadillado de su fachada. Vemos que está dividida en 2 pisos: -Piso inferior: formado por columnas dóricas. -Piso superior: formado por columnas jónicas. Vemos 3 ventanas, que cuentan historias de Hércules (Carlos V se consideraba descendiente de Hércules...) Victorias terrestres son algunas escenas que se exaltan en la arquitectura (en los frontones de la portada). Existe una gran monumentalidad. Todo esto realiado con mármol. -FACHADA MERIDIONAL- Esta es la otra fachada que vamos a comentar, la meridional. Es más pequeña que la comentada anteriormente, y también está realizada de mármol. Observamos de nuevo el paramento almohadillado de la fachada. Así como la división en 2 pisos: -Piso inferior: formado por columnas jónicas. -Piso superior: formado por columnas corintias. En este piso nos encontramos con un modelo diferente de ventana, denominada serliana. En esta fachada tenemos historias de la fama y la victoria, así como alegorías. -PATIO INTERIOR- Este es el patio del palacio. Realizado con piedra conglomerada, como se puede apreciar en las columnas. Al mirar esta arquitectura sabemos que quien la construyó (Pedro Machuca) tenía conocimientos sobre las formas de la arquitectura romana. Tenemos un dominio del lenguaje clásico por parte del autor. Por último, comentar que NO hay copias de este palacio, NO hay herencia.

CRITICA hacia Damien Hirst

Hagamos un inciso para "poner verde" a este cretino que se piensa que lo que hace puede llamarse arte... ................................................................................................................................. Damien Hirst regresa a Nueva York con animales en formol: Damien Hirst vuelve a exhibir animales muertos sumergidos en formol tras el fracaso cosechado en Londres con su última exposición a base de pinturas al óleo. La crítica británica calificó sus cuadros de “endebles”, “monocordes” y “espantosos”, así que el artista ha decidido reforzar el interés de su nueva exposición en Nueva York con más cadáveres embalsamados. La Galería Gagosian de Manhattan ha titulado el acontecimiento como ‘El fin de una era’, aunque obviamente no se refiere a un cambio sustancial en la trayectoria de Hirst, sino al título de una de las piezas que se exhiben. Se trata de la cabeza de un toro cuyos cuernos recubiertos de oro sostienen el disco solar, elaborado igualmente con oro macizo, el metal con que se construyó también la vitrina que contiene el cadáver. ¿DE VERDAD CREEIS QUE ESTO PUEDE LLAMARSE ARTE? -Oveja dividida a la mitad- -El fin de una era- Podré tolerar que a alguien le parezca lo más original y maravilloso del mundo, pero NUNCA podré compartir este gusto por los animales diseccionados y expuestos en vitrinas con formol. Va en contra de mis principios. Y YO COMO PROYECTO DE HISTORIADORA DEL ARTE, TE DIGO DAMIEN HIRST, QUE LO QUE HACES NO PUEDE LLAMARSE ARTE (aunque hoy en dia valga todo...) (¬_¬)