Sobre la Scala Regia

La Scala Regia fue un encargo de Alejandro VII realizado entre 1663 y 1666 y tenía como fin comunicar el atrio de San Pedro con los palacios Vaticanos: Fue una de las últimas intervenciones de Bernini en su gran empresa vaticana. Es una escalera que se comunica con los recintos de la basílica del Vaticano. Es una obra tanto funcional como ceremonial. Por otra parte, podemos decir que lleva un caracter fuertemente teatral. El espacio que tenía Bernini para realizar dicha escalera estaba condicionado por 2 muros que no podía destruir. Además había que tener en cuenta la pendiente que presenta el espacio. Para corregir esas proporciones, Bernini introduce unas columnas cuyo ritmo varia (el diámetro de las columnas va disminuyendo desde la parte alta a la parte baja). A todo esto se le añade una bóveda acasetonada que también va reduciendo sus dimensiones. Juega con la perspectiva y la luz: Esta obra debe relacionarse con una obra anterior proyectada por Borromini, y que se encuentra en el Palacio Spada (en Roma): De alguna manera esta obra refleja la competencia que había entre ambos (Bernini y Borromini). El problema espacial es resuelto de una manera similar a la utilizada por Borromini, pero los detalles clásicos diferencian a Bernini mucho de este autor.

Movimiento Dada

Dada (1916-1923) es un nombre sin significado. Surge en 1916 en el café Voltaire (en Zurich) con ese nombre, ya que los artistas que integraban el movimiento no creían en nada, ni siquiera en el arte. Su impulsor fue Tristan Tzara. Buscaban todo aquello que no se encontraba en la sociedad adicional. Rompieron con la estética de TODO. Algunos de los artistas de este movimiento: Tristan Tzara; Man Ray; Max Ernst; Marcel Duchamp. Cada artista Dada "va a su rollo", por tanto surjen ideas muy distintas. ............................................................................................................................... Algunas de sus características: -Dada niega todo lo racional, así como el uso lógico del lenguaje rompiendo la sintaxis convencional a través del juego de palabras o del azar. -También intervienen y alteran las imágenes o elementos de reconocimiento social o cultural manipulados. -Elevan a categoría artística objetos de uso cotidiano. -Los nuevos objetos (Ready Made) suponen el desplazamiento y la desestabilización entre el lenguaje y la visión, entre la palabra y el objeto. A este nuevo objeto se le da un título que desestabiliza su significado y utilidad primitiva-original. -Buscan la provocación a través del erotismo, lo "politicamente incorrecto", con el fin de desorientar al espectador. Algunas de las técnicas que llevaron a cabo los dadaístas: Collage; Ensamblaje (muchas veces surje por medio del azar); Azar; Frotagge; Grattage; Ready Made (la auténtica revolución del Ready Made es la actitud artística de primar la idea sobre la representación). Dentro de los Ready Made pueden darse 3 casos: 1-Objetos que el artista no manipula, y que simplemente les añade un título: ..................................................................BOTELLERO...................................................... 2-Ready Made para mirar. Alteración de imágenes: ..................................................................L.H.O.O.Q...................................................... 3-Objetos ensamblados (es decir, los que se tienen que manipular): ....................................RUEDA DE BICICLETA....................................

Constructivismo Ruso

En octubre de 1917 se produce la caída de los zares por parte de la sociedad proletaria (revolución rusa). El arte se intregra en la construcción de una nueva orden social. Tenemos nuevas formas con el espíritu revolucionario. La orientación del arte al pueblo y para el pueblo. Nos vamos a encontrar con artistas que realicen carteles propagandísticos o publicitarios (surje un nuevo concepto de diseño gráfico). Sin duda serán el nuevo icono para la sociedad. El constructivismo ruso será la base de investigación en el arte europeo. Tenemos una unión con el arte y el proceso de producción. Pues en estos momentos el arte debía llevar consigo un caracter utilitario. Destaca la idea del artista como un técnico. El término de constructivismo ruso lo acuñó Naum Gabo. Los principales artistas fueron: Vladimir Tatlin // El Lissitzki // Rodchenko // Anton Pevsner. Ahora veamos algunos ejemplos, para entender mejor este movimiento artístico.............................................................................................. -CONTRARRELIEVE- VLADIMIR TATLIN Esta es una escultura realizada por Vladimir Tatlin. Nos encontramos con un ensamblaje (donde tenemos una serie de elementos unidos entre si). Como se observa en la fotografía, esta escultura depende de la pared, ya que es su soporte. Si en este caso no tuviéramos la arquitectura, no se podría concebir la escultura. Vemos que se trata de una escultura tensionada por una serie de cuerdas que también forman parte de la escultura. Otro dato importante es la utilización de nuevos materiales: el hierro, el metal. Estos materiales de metal que se encuentran en el centro de la composición subrayan las cuerdas. También cabe destacar que existe un proceso de investigación industrial en las obras del momento. Pues tenemos un serie de ensamblajes realizados con materiales industriales. /// En resúmen: los artistas buscaron producir cosas útiles, en las áreas de diseño industrial, comunicación visual y artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista. Y aunque el movimiento durase muy poco tiempo, produjo un gran impacto. Algunas de las características del movimiento:

- Los representantes no ven sus obras como arte. La técnica y el proceso para elaborar el producto son de gran importancia.

- Predomina lo tridimensional, la escultura, la arquitectura y el diseño industrial.

- Se asocia a la producción industrial y sus composiciones son construidas matemáticamente.

- Se dedicaron al diseño de carteles, tipografías, fotografía, arquitectura interior, propaganda, ilustraciones.......................................................................................................... P.D: información complementada a través de: pinchar AQUI

Selección de Vídeos

Teneis que perdonar todo el tiempo que llevo sin actualizar el blog, pero además de irse la inspiración tampoco tengo mucho tiempo. Hoy os traigo un serie de vídeos sobre diversos pintores, espero que os gusten................................................................................................... -SOBRE VLADIMIR KUSH- -SOBRE JOAQUIN SOROLLA- -SOBRE VICTOR VASARELY- -SOBRE PAUL CÉZANNE-

El palacio de Luxemburgo

Hoy quiero comentar este palacio, para facilitar la práctica de arte moderna a mis compañer@s de clase. ...................................................................................................................................................... Para empezar, hay que comentar que actualmente este palacio alberga el senado francés. Es un edificio que fue construído para María de Médicis, entre los años 1615-1624 por el arquitecto Salomón de Brosse. Al parecer María se queda viúda un dia después de ser coronada regenta. Para alejarse de las intrigas de la corte que residía por entonces donde encontramos actualmente el Museo del Louvre, decide buscarse otro alojamiento, más digno para su cargo de regente, y que además le recordase al palacio florentino de su niñez. La reina logró comprar en 1612 la residencia de un duque de la zona, llamado François de Luxembourg. A pesar de sus intentos por llamarlo "Palacio de Médicis", el palacio siempre fue conocido por el nombre de su antiguo dueño. Las obras empiezan en abril de 1615 y en 1624 con el arquitecto Salomon de Brosse, que tenía que tomar como referencia el Palacio Pitti, en Florencia (la tierra natal de María de Médicis). El palacio Pitti era la antigua residencia principal de la dinastía de los Médici (ver siguiente foto). La entrada se sitúa al norte y la fachada principal está orientada al sur y da sobre el Jardín del Luxemburgo. Para la realización de los jardines también tuvo que comprar y demoler otras residencias, y sólo después de la muerte de María de Médicis, hacia fines del siglo XVIII, los jardines alcanzaron un tamaño considerable. El Jardín del Luxemburgo es el más céntrico y popular parque de París. Es de estilo neoclásico , con calles dispuestas simétricamente alrededor del estanque octogonal central. Sabemos que el palacio fue ampliado varias veces, pero sin modificar mucho su aspecto exterior. Sin embargo, para dar cabida al Senado en 1969 se necesitó construir oficinas individuales para cada senador y varias salas de reunión y locales administrativos además de adaptar al gusto del siglo XX a las comodidades básicas. Por otra parte, tanto el palacio como los jardines sufrieron las vicisitudes de sus propietarios, y quedaron casi abandonados en varias ocasiones. El palacio fue transformado en prisión cuando estalló la Revolución Francesa. Durante la Segunda Guerra Mundial, los alemanes lo utilizaron como cuartel y construyeron un búnker en el jardín. Del jardín inicial sólo queda un monumento: la fuente de María Médicis (ver siguiente foto).

Sobre el Fauvismo

El movimiento conocido como FAUVISMO (1904-1907) se formó mediante un grupo de artistas formados en su mayoría por Gustave Moreau. Estos artistas continuan la senda marcada por los postimpresionistas (las principales características provienen del neoimpresionismo y de Paul Gauguin). A estos artistas les atraían los colores fuertes, llamativos (ya que el fauvismo es COLOR). Se dieron a conocer en el Salón de Otoño de Paris en el 1905 con el nombre de fauvistas. Algunas características de este movimiento son: *El color se libera del dibujo (ya que el dibujo queda como aspecto secundario) *Investigan en la teoría del color (colores primarios, secundarios y complementarios). *Prescinden de la gradación tonal y el claroscuro. *Síntesis de las formas. Nos encontramos con una pintura gestual, espontánea. *Tenemos una distorsión de la realidad. *Interés por el decorativismo (es un movimiento esteticista). *NO rompen con la armonía y el orden. En definitiva, este movimiento es como un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Los principales protagonistas fueron: Andre Derain, Henry Matisse, Albert Marquet y Henry Manguin. A continuación vamos a ver y comentar algunos ejemplos de obras fauvistas: -LUJO, CALMA Y VOLUPTUOSIDAD- HENRY MATISSE Esta obra es un buen ejemplo para observar todavía la presencia de la técnica puntillista, característica del movimiento neoimpresionista. Ya que esta obra pertenece a los primeros momentos de este nuevo movimiento. Pero sin duda lo que más nos llama la atención es la presencia del color. Nos encontramos con una composición donde presominan las líneas horizontales y verticales (en algunos casos se cruzan). Es una obra que está perfectamente estructurada (en este sentido siguen siendo todavía muy clásicos). Por otra parte no nos podemos olvidar que se trata de una obra bastante decorativa (recordar las características comentadas anteriormente). -LA RAYA VERDE- HENRY MATISSE En esta ocasión nos encontramos con un retrato (en especial el retrato de su esposa). A primera vista, nos llama la atención la utilización de una pincelada pastosa, al contrario que la obra que comentábamos antes (observamos una evolución en cuanto a la pintura). No importan los detalles anatómicos de la persona representada, sino representar a esa persona mediante el COLOR. Otro de los grandes factores importantes es la LUZ. En esta obra nos encontramos una separación entre la parte que está iluminada y la que está en sombra, y esto aparece marcado por la raya verde que tenemos en el rostro de la mujer. Por tanto vemos una clara diferenciación de luces.

Mausoleo de Mª Cristina de Sajonia

Este mausoleo fue realizado por el gran escultor neoclásico, Antonio Canova alrrededor de 1798-1805. Para empezar debemos comentar que el arte neoclásico buscaba la representación de las formas de la antigüedad clásica. Donde la proporción y simetría son las grandes características del momento. Tanto en los sepulcros como mausoleos el drama de la muerte ya no aparece reflejada (como si pasaba en el mundo del barroco). Se busca la tranquilidad y armonía del conjunto. Suelen ser obras tremendamente severas, sobre todo las de Antonio Canova (que se caracteriza por la inexpresividad de sus figuras). ............................................................................................................................... El mausoleo de Mª Cristina de Sajonia se encuentra en Viena, y llama la atención la forma que adopta, pues es piramidal (recordando esa evocación a una arquitectura dedicada a la muerte). Vemos en las figuras de la izquierda a un anciano que se apoya en una jóven que simboliza la virtud. En el lado derecho nos encontramos con el genio alado, aunque también se le considera el ángel de la muerte. Es importante decir que en este mausoleo tenemos la representación de las 3 edades, donde la muerte no hace distinciones. Tenemos unas figuras que van en paso procesional. Por otro lado, y en la parte superior del mausoleo nos encontramos con un medallón que hace referencia a la difunta Mª Cristina de Sajonia (aparece representada de perfíl, posición típica de las medallas o monedas de la antigüedad clásica). Este medallón lo sujeta una figura que simboliza una virtud relacionada con la felicidad. Es cierto que la parte superior del conjunto se contrapone con el mensaje que nos encontramos en la parte inferior. Tenemos ante todo una búsqueda del equilibrio.

Monumentos funerarios en el renacimiento

Los monumentos funerarios en época renacentista se caracterizan por la idea de triunfo y la exaltación de la virtud del individuo, que confluyen con la idea de la inmortalidad. Esta exaltación de las virtudes y cualidades del fallecido alcanzó sus máximas consecuencias en las tumbas papales.

Con el paso del tiempo, vemos como en estos sepulcros se van disminuyendo las figuras de caracter religioso, aunque seguimos viendo algunos símbolos. Tenemos la autosuficiencia del individuo para salvarse, y esto será lo más representativo.

Podemos comentar algunos de los sepulcros, como pueden ser:

-SEPULCRO DEL CARDENAL DE PORTUGAL- ANTONIO ROSELLINO

Este sepulcro se encuentra en el interior de la iglesia de San Miniato al Monte (florencia). Podemos situar a este sepulcro acerca del año 1461.

Observamos que el sepulcro se encuentra como en una arquitectura independiente, formada por casetones y falsos cortinajes (estos falsos cortinajes constituyen el precedente de lo que será el telón en período barroco).

Se buscaba una permanencia histórica a través de esta escultura funeraria. Es importante decir que NUNCA se pierde el sentido cristiano en el mundo renacentista, pero se incentiva la figura del ser humano.

En este sepulcro todavía tenemos la presencia de una serie de figuras religiosas, como la Virgen con el niño encontrados en un medallón encima del sepulcro. Unos ángeles parecen sujetar este medallón.

Pero en ejemplos posteriores vemos como estas figuras de caracter religioso disminuyen.

-SEPULCRO DE PIERO Y GIOVANNI DE MÉDICI- ANDREA DEL VERROCHIO

Este sepulcro fue realizado por Andrea del Verrochio, que buscó sugerir la acción más que representar la acción en si.

Este sepulcro se encuentra en la iglesia de San Lorenzo. Vemos como se han eliminado las figuras religiosas, pero el contenido religioso pasa a la decoración. Tenemos una serie de hojas de vid que son unos elementos que aluden a la resurrección después de la muerte (se encuentran en el marco que rodea al sepulcro).

Por otra parte, el enrejado que aparece detrás del sepulcro hace alusión a las cadenas del cuerpo, es decir, del sometimiento del hombre a su propio pecado. Para lograr la inmortalidad se tenía que romper dicha reja.

P.D: teneis que perdonar mi ausencia en estos dias, pero ya se sabe que en período de exámenes...!!

Palacio de Carlos V en Granada

Retomamos la materia de la asignatura de arte español II, para hablar del conocído palacio de Carlos V en Granada. ................................................................................................................................................ Para empezar, hay que decir que es a partir del 1520 cuando nos encontramos con arquitectura renacentista propiamente dicha (ya que antes se mezclaba en los edificios el estilo gótico con las nuevas formas italianas, y a esta mezcla se le conoce como plateresco). Es a partir del 1526 cuando Carlos V se empezó a interesar por la arquitectura clásica. Se casó con una portuguesa de nombre Isabel. Ambos se fueron de luna de miel a Granada, que no la conocían. Al rey le gustó tanto que decidió convertir la ciudad en el ombligo de su imperio. Dedice construir un palacio en la zona para él, su esposa y la corte. El arquitecto de este palacio fue Pedro Machuca, quien había estudiado en italia, por tanto conocía muy bien estas formas arquitectónicas (como observamos en el palacio). Es un palacio italiano pero construído en España. A parte de satisfacer las necesidades de su esposa y corte, el palacio se construyó con la idea de mejorar al anterior. El proyecto definitivo de este palacio data del 1542 aproximadamente. Sabemos que este palacio está conectado con el antiguo palacio, además de estar vinculado con las estancias privadas del emperador. Por otra parte, se construyó una iglesia al lado del conjunto (Santa María de la Alhambra). Es importante mencionar que en estos momentos, el resto de españa estaba construyendo sus edificios al estilo plateresco (mezcla del estilo gótico con las nuevas formas renacentistas). Ahora vamos a comentar el palacio: Decir que tiene 2 fachadas principales, ambas con almohadillado (Bramante ya había inventado ésto para los palacios romanos). Las fachadas norte y setentrional no nos interesan porque son simples puertas de servicio. -FACHADA OCCIDENTAL- Esta es la fachada principal. Destacar el paramento almohadillado de su fachada. Vemos que está dividida en 2 pisos: -Piso inferior: formado por columnas dóricas. -Piso superior: formado por columnas jónicas. Vemos 3 ventanas, que cuentan historias de Hércules (Carlos V se consideraba descendiente de Hércules...) Victorias terrestres son algunas escenas que se exaltan en la arquitectura (en los frontones de la portada). Existe una gran monumentalidad. Todo esto realiado con mármol. -FACHADA MERIDIONAL- Esta es la otra fachada que vamos a comentar, la meridional. Es más pequeña que la comentada anteriormente, y también está realizada de mármol. Observamos de nuevo el paramento almohadillado de la fachada. Así como la división en 2 pisos: -Piso inferior: formado por columnas jónicas. -Piso superior: formado por columnas corintias. En este piso nos encontramos con un modelo diferente de ventana, denominada serliana. En esta fachada tenemos historias de la fama y la victoria, así como alegorías. -PATIO INTERIOR- Este es el patio del palacio. Realizado con piedra conglomerada, como se puede apreciar en las columnas. Al mirar esta arquitectura sabemos que quien la construyó (Pedro Machuca) tenía conocimientos sobre las formas de la arquitectura romana. Tenemos un dominio del lenguaje clásico por parte del autor. Por último, comentar que NO hay copias de este palacio, NO hay herencia.

CRITICA hacia Damien Hirst

Hagamos un inciso para "poner verde" a este cretino que se piensa que lo que hace puede llamarse arte... ................................................................................................................................. Damien Hirst regresa a Nueva York con animales en formol: Damien Hirst vuelve a exhibir animales muertos sumergidos en formol tras el fracaso cosechado en Londres con su última exposición a base de pinturas al óleo. La crítica británica calificó sus cuadros de “endebles”, “monocordes” y “espantosos”, así que el artista ha decidido reforzar el interés de su nueva exposición en Nueva York con más cadáveres embalsamados. La Galería Gagosian de Manhattan ha titulado el acontecimiento como ‘El fin de una era’, aunque obviamente no se refiere a un cambio sustancial en la trayectoria de Hirst, sino al título de una de las piezas que se exhiben. Se trata de la cabeza de un toro cuyos cuernos recubiertos de oro sostienen el disco solar, elaborado igualmente con oro macizo, el metal con que se construyó también la vitrina que contiene el cadáver. ¿DE VERDAD CREEIS QUE ESTO PUEDE LLAMARSE ARTE? -Oveja dividida a la mitad- -El fin de una era- Podré tolerar que a alguien le parezca lo más original y maravilloso del mundo, pero NUNCA podré compartir este gusto por los animales diseccionados y expuestos en vitrinas con formol. Va en contra de mis principios. Y YO COMO PROYECTO DE HISTORIADORA DEL ARTE, TE DIGO DAMIEN HIRST, QUE LO QUE HACES NO PUEDE LLAMARSE ARTE (aunque hoy en dia valga todo...) (¬_¬)

Origen del renacimiento en España

Las siguientes entradas van a estar relacionadas con la asignatura de ARTE ESPAÑOL II (futuro examen el dia 12 de febrero) .................................................................................................................... Vamos a empezar por el principio, hablando del origen del renacimiento en España. Hay que decir que este origen se produce aproximadamente en el 1488. Al principio nos encontraremos con un estilo que mezcla las formas tradicionales de la arquitectura gótica con las nuevas formas renacentistas (esta mezcla de estilos se llama plateresco). Hasta el año 1520 no nos encontraremos con edificios renacentistas propiamente dichos. Por otra parte, cabe destacar la importancia de la familia Mendoza, que patrocinó ciertas formas italianas. No hubo experimentación en cuanto a formas, pues ésto ya se había llevado a cabo en Italia. Este desarrollo de formas italianas viene por varias influencias: *Llegada de artistas italianos a españa. *Hubo muchos artistas españoles que se fueron a italia para estudiar. *Importación de obras italianas a españa. Dentro de este apartado, podemos señalar una serie de edificios que patrocinaron los reyes católicos: La iglesia de San Juan de los Reyes (Toledo), así como la creación de una red de hospitales (aunque hubiera muchos, eran pequeños, y por lo tanto, eran insuficientes). La planta del hospital de los reyes católicos de Santiago de Compostela es italiana, pero el alzado del edificio es gótico. Nos llegaron los planos de una nueva planta: los del hospital de Milán por Filarete. Era un espacio cuadrangular, con pequeños patios en el interior. Este modelo de Filarete, fue el que se utilizó por ejemplo en el hospital de los reyes católicos de Santiago de Compostela: Esta imagen es una vista aérea del hospital de los reyes católicos de Santiago de Compostela. Es un edificio cuadrangular, con 4 patios interiores. Sigue el mismo modelo que el hospital de Milán. CONTINUAREMOS CON EL PALACIO DE CARLOS V (Granada)

Gótico clásico: Bourges

Hoy quería comentar esta catedral, característica del gótico clásico. Primero hay que decir que esta fase del gótico se caracteriza por la utilización del arbotante: no sólo lleva una función técnica, ya que también es un gran elemento estético (y se darán cuenta de ello, por ejemplo en Chartres). Los arbotantes son los elementos arquitectónicos que están situados a la misma altura que el claristorio, y ayudan con el contrapeso de las bóvedas, dirigiendo el peso hacia los contrafuertes. Se dice que el uso de arbotantes ya se pudo inventar en la Notre-Dame de París (catedral característica del primer gótico, ca 1163). Y ésto lo podemos practicamente afirmar por una serie de dibujos de Viollet Le Duc sobre la misma catedral. Los arbotantes eran aquel muro botarell que se encontraba escondido en los muros, debajo del tejado. Era el encargado de soportar el peso de las bóvedas. Lo único que han hecho ahora en el gótico clásico es quitarle el tejado a ese muro botarell (esto es una gran evolución arquitectónica) y dejarlo al aire libre. ...................................................................................................................................... Hablando ya de Bourges (ca 1190-1215), hay que decir que es una catedral muy rara, pero eso no significa que no triunfase en España. Se copió sobre todo en Burgos y en Toledo. No sabemos quien pudo ser el arquitecto de la catedral de Bourges. Vemos en su planta, que ha recuperado el doble deambulatorio, así como la macro-cabecera que presenta capillas radiales. Por otra parte presenta unas cubiertas de bóvedas sixpartitas (ésto era característica del primero gótico, pero como ya mencioné antes, esta catedral era muy rara para la época). Tenemos una planta basilical con colaterales dobles. Va a parecer una planta de salón (aquellas iglesias o catedrales que tienen una sola nave), aunque no lo sea. Es cierto que viendo el exterior de esta catedral, nadie se da cuenta de la gran evolución que se nos presenta en el interior. Vemos como ahora ya no son necesarias las tribunas (gracias a los arbotantes que ayudan con los contrapesos de la bóveda en el exterior). El uso de los arbotantes también les permitía crear unas catedrales más altas y mas audaces. En el interior de Bourges no tenemos nada que nos interrumpa la visión. Por otra parte, vemos que su interior se compone de 3 cuerpos de altura: arcada, triforio y claristorio. En realidad si vemos la siguiente imágen parece que tenemos 5 cuerpos de altura, pero los primeros 3 cuerpos se corresponden con los de la nave lateral. El arquitecto quiso jugar con una ambivalencia óptica (efecto óptico): Los 3 círculos rojos subrayan los cuerpos de alzado de la nave laterial, mientras que los círculos amarillos subrayan los cuerpos de alzado de la nave central. Hay que destacar, por otra parte, el triforio (de tradición normanda). Parece algo arcaizante, pero sin embargo logra un alzado en altura completamente bello. Tenemos que decir, que NO usa fustes enjarjados (fustes a contralecho), porque lo que tenemos son unas pilastras y fustes delgadísimos. Para terminar, es importante comentar que se pudo pensar en la yuxtaposición de 2 iglesias en 1 (esta yuxtaposición es lo que caracteriza al arte gótico). Es como que una iglesia más alta se coloca encima de otra más pequeña. Parece que nos encontramos con una iglesia que parece suspendida en el aire: JERUSALEM CELESTE (lugar que no está ni en el cielo ni en la tierra). A continuación, una pequeña presentación para que podais ver las imágenes de la catedral comentada:

P.D: se acerca el primer examen de este 2º curso de Historia del Arte. Mucha suerte a tod@s mis compañer@s!!

Movimiento Impresionista

El impresionismo (1874-1882 aproximadamente) es un movimiento artístico que se va sucediendo en el tiempo. No hubo una escuela impresionista, ya que este movimiento se formó a través de una asociación heterogénea de artistas que compartían una serie de gustos y repulsas comunes. Se puede decir que este movimiento surgió a partir de unas reuniones celebradas en el 1867 en el café Guerbois. En estas reuniones participaron: Monet, Renoir, Sisley y Bazille. Hay algunos autores como Seurat o Signac que se inician en este movimiento impresionista, pero terminan explorando nuevos horizontes. Los inicios del impresionismo no están muy claros, puede variar si mencionamos: -1863: año en el que se crea "el salón de los rechazados" (Manet es el gran exponente) -1867: fecha de inicio de las tertulias en el café Guerbois. Pero lo que está claro es que el término "impresionismo" surge con un sentido irónico y burlesco. De echo estuvo muy infravalorado por el arte y cultura de su tiempo. Una de las grandes novedades de dicho movimiento: el pintor sale de su estudio para pintar al aire libre. Por otra parte, y entrando en las características formales del impresionismo: *Rechazo de la pintura oscura y bituminosa, para usar sólo la gama del arco iris. Ejemplo de ésto tenemos el cuadro llamado "La urraca" de Claude Monet (Ni siquiera en las sombras tenemos un color negro). *Los colores se aplican directamente sobre el lienzo (ésto acaba derivando en los impastos, que son grandes "pegotes" de pintura aplicados directamente sobre el lienzo. Tenemos a Van Gogh como gran representante de los impastos). Como ejemplo de esta característica tenemos la obra llamada "Campo de amapolas" de Claude Monet (destacar las pequeñas manchas rojas que forman las amapolas). Es un movimiento artístico que valora la importancia de la LUZ y el COLOR. Ahora los artistas se preocupan por pintar los distintos momentos del dia en sus representaciones (tratan de recoger la "impresión" del momento). A pesar del rechazo por esta pintura en la época, hay que decir que en la actualidad estas pinturas impresionistas se cuentan como las obras de arte más apreciadas y son el orgullo de toda colección pública o privada. Por último quiero que veais este vídeo (fantástico) que resume muy bien el movimiento impresionista: P.D: sin duda una pintura espectacular...

Ambón de Klosterneuburg

Nos trasladamos aproximadamente al año 1200, para comentar esta maravillosa obra de Nicolás de Verdún. Se trata del ambón de Klosterneuburg: NO es un retablo, pues se trata de un ambón: es como una especie de púlpito donde se predicaba. Se encuentra entre el predicador y los fieles. Vemos como se encuentra dividido en 3 registros: en el superior tenemos escenas de la ante legem, es decir, antes de que Dios se pusiera en contacto directo con el hombre; en el registro central tenemos escenas de la sub gratia (en este registro es donde encontramos el único discurso narrativo); en el registro inferior aparecen escenas de la sub lege, es decir, después de que el hombre recibiera las leyes. Cabe mencionar las prefiguraciones tipológicas, pues cada pasaje evangélico del antiguo testamento hace referencia a un pasaje del nuevo testamento. En este ambón, no predomina el discurso narrativo, pues no están contanto ninguna historia (excepto el registro central, como comentaba antes). Se trata de recordar como se construye un sermón. Por otra parte, y hablando de los elementos formales, es importante mencionar que este ambón está impregnado de los modelos bizantinos: -destacar la gran expresividad que nos encontramos en la mayoria de las escenas. -búsqueda de una cierta realidad en cuanto a la anatomía de los personajes. Nicolás de Verdún, cambia la técnica del esmalte, pues deja el cobre esmaltado para las figuras y el color para el fondo (al revés de como se hacía anteriormente). Las figuras son como "recortables", pues el fondo no interesa. Tenemos una búsqueda estética por parte del artista. En relación con esto, subrayar las grandes manchas blancas que producían una sensación de profundidad. Aparece también una gran expresividad y dramatismo en las posiciones de los cuerpos. Como ejemplo de lo comentado, destacar unas escenas del ambón:-SACRIFICIO DE ISAAC- -MOISÉS SEPARANDO LAS AGUAS DEL MAR ROJO-

San Pietro in Montorio

Antes que nada, me gustaría comentar brevemente la formación del arquitecto: Donato Bramante. Fue un arquitecto del alto renacimiento: cinquecento. Tenemos poca información sobre su formación inicial, pero sabemos que se formó en Urbino (Fray Carnevale pudo ser su maestro). Pero trabajó en Florencia (en el taller de Filippo Lippi) antes de trabajar en Urbino. Allí conoció la obra de Donatello, Brunelleschi y Alberti. Tomó entre otras cosas, ese interés por la perspectiva, que también viene de la mano por la figura de Piero della Francesca. Por otra parte, Bramante también se formó como escenógrafo y pintor (ésta formación como pintor también influyó en su arquitectura). En el año 1480 se instala en Milán y entró al servicio de Ludovico el moro. Bramante entra en contacto con Leonardo da Vinci, y con las respectivas propuestas del plan central del mismo. Y finalmente destacar su estancia en Roma, ya que será recordado por estas obras. Llegó a Roma en un momento donde se produjo una gran efervescencia constructiva. Bramante se convirtió en uno de los mejores traductores de la arquitectura clásica, sobre todo en estos momentos. ............................................................................................................................. -SAN PIETRO IN MONTORIO- Este templete (encargo de los Reyes Católicos) nace con un objetivo conmemorativo. Pues es el lugar donde supuestamente San Pedro sufrió el martirio. Es un edificio que resume el ideal arquitectónico de Bramante. Se trata del 1º edificio de plan central rodeado de una columnata con arquitrabe. Nos encontramos con un rigor de las formas clásicas no sólo en planta, sino también en alzado. Bramante utiliza un orden toscano para el tempietto, además de los triglifos y metopas, decoradas con temas alusivos a la dedicación del templo: -metopas: elementos que hacen referencia a la iglesia o el pontificado (como las llaves, la naveta del incienso...) Se pretende honrar a Pedro como primer pontífice de la historia. Es como la conmemoración de un héroe. Friso decorativo como tema "parlante". Introduce un piso intermedio entre la columnata y la cúpula (aparecen nichos semicirculares y rectangulares separados por pilastras). Al templo se accede por 4 puertas. Toda la construcción quedó inaugurada en el 1502.

Un año después, Bramante es nombrado arquitecto del Vaticano y elabora los primeros planos de la nueva basílica de San Pedro. Pero la construcción avanzó, en sus primeros pasos, a ritmo lento y fueron otros autores los que, introduciendo numerosas modificaciones, culminaron la obra que el primer autor cinquecentista había diseñado.

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P.D: perdonad el "abandono" que artechachi está teniendo ultimamente, pero el período de exámenes empieza pronto!! P.D2: espero que tras la espera, el nuevo post haya merecido la pena ;)

Sobre la fontana di Trevi

La fuente de mayores dimensiones y más fama de toda la ciudad de Roma es la Fontana di Trevi. Esta fuente es barroca, construída entre 1732 y 1762 por Nicola Salvi. Tiene 20 metros de anchura y 26 de altura, en forma de un arco del triunfo con 3 aberturas y un impresionante ático. Dicha fuente se encuentra delante del Palazzo Poli. En el nicho central de la fuente, tras las rocas artificiales, nos encontramos con la poderosa figura del rey del mar -neptuno- obra de Pietri Bracci. Ésta figura se encuentra sobre un carro en forma de concha tirado por caballos marinos y rodeado por conchas y tritones. En las hornacinas laterales tenemos las estatuas de la Abundancia (izquierda) y de la Salud (derecha) realizadas por Filippo Valle. Los relieves superiores representan a Agripa aprobando la construcción del Aqua Virgo y la leyenda de su origen. -LEYENDA: según cuenta la leyenda, si se quiere volver a Roma, hay que lanzar una moneda en ella. P.D: un saluto a tutti gli italiani dalla Spagna!!