Sobre la Scala Regia

La Scala Regia fue un encargo de Alejandro VII realizado entre 1663 y 1666 y tenía como fin comunicar el atrio de San Pedro con los palacios Vaticanos: Fue una de las últimas intervenciones de Bernini en su gran empresa vaticana. Es una escalera que se comunica con los recintos de la basílica del Vaticano. Es una obra tanto funcional como ceremonial. Por otra parte, podemos decir que lleva un caracter fuertemente teatral. El espacio que tenía Bernini para realizar dicha escalera estaba condicionado por 2 muros que no podía destruir. Además había que tener en cuenta la pendiente que presenta el espacio. Para corregir esas proporciones, Bernini introduce unas columnas cuyo ritmo varia (el diámetro de las columnas va disminuyendo desde la parte alta a la parte baja). A todo esto se le añade una bóveda acasetonada que también va reduciendo sus dimensiones. Juega con la perspectiva y la luz: Esta obra debe relacionarse con una obra anterior proyectada por Borromini, y que se encuentra en el Palacio Spada (en Roma): De alguna manera esta obra refleja la competencia que había entre ambos (Bernini y Borromini). El problema espacial es resuelto de una manera similar a la utilizada por Borromini, pero los detalles clásicos diferencian a Bernini mucho de este autor.

Movimiento Dada

Dada (1916-1923) es un nombre sin significado. Surge en 1916 en el café Voltaire (en Zurich) con ese nombre, ya que los artistas que integraban el movimiento no creían en nada, ni siquiera en el arte. Su impulsor fue Tristan Tzara. Buscaban todo aquello que no se encontraba en la sociedad adicional. Rompieron con la estética de TODO. Algunos de los artistas de este movimiento: Tristan Tzara; Man Ray; Max Ernst; Marcel Duchamp. Cada artista Dada "va a su rollo", por tanto surjen ideas muy distintas. ............................................................................................................................... Algunas de sus características: -Dada niega todo lo racional, así como el uso lógico del lenguaje rompiendo la sintaxis convencional a través del juego de palabras o del azar. -También intervienen y alteran las imágenes o elementos de reconocimiento social o cultural manipulados. -Elevan a categoría artística objetos de uso cotidiano. -Los nuevos objetos (Ready Made) suponen el desplazamiento y la desestabilización entre el lenguaje y la visión, entre la palabra y el objeto. A este nuevo objeto se le da un título que desestabiliza su significado y utilidad primitiva-original. -Buscan la provocación a través del erotismo, lo "politicamente incorrecto", con el fin de desorientar al espectador. Algunas de las técnicas que llevaron a cabo los dadaístas: Collage; Ensamblaje (muchas veces surje por medio del azar); Azar; Frotagge; Grattage; Ready Made (la auténtica revolución del Ready Made es la actitud artística de primar la idea sobre la representación). Dentro de los Ready Made pueden darse 3 casos: 1-Objetos que el artista no manipula, y que simplemente les añade un título: ..................................................................BOTELLERO...................................................... 2-Ready Made para mirar. Alteración de imágenes: ..................................................................L.H.O.O.Q...................................................... 3-Objetos ensamblados (es decir, los que se tienen que manipular): ....................................RUEDA DE BICICLETA....................................

Constructivismo Ruso

En octubre de 1917 se produce la caída de los zares por parte de la sociedad proletaria (revolución rusa). El arte se intregra en la construcción de una nueva orden social. Tenemos nuevas formas con el espíritu revolucionario. La orientación del arte al pueblo y para el pueblo. Nos vamos a encontrar con artistas que realicen carteles propagandísticos o publicitarios (surje un nuevo concepto de diseño gráfico). Sin duda serán el nuevo icono para la sociedad. El constructivismo ruso será la base de investigación en el arte europeo. Tenemos una unión con el arte y el proceso de producción. Pues en estos momentos el arte debía llevar consigo un caracter utilitario. Destaca la idea del artista como un técnico. El término de constructivismo ruso lo acuñó Naum Gabo. Los principales artistas fueron: Vladimir Tatlin // El Lissitzki // Rodchenko // Anton Pevsner. Ahora veamos algunos ejemplos, para entender mejor este movimiento artístico.............................................................................................. -CONTRARRELIEVE- VLADIMIR TATLIN Esta es una escultura realizada por Vladimir Tatlin. Nos encontramos con un ensamblaje (donde tenemos una serie de elementos unidos entre si). Como se observa en la fotografía, esta escultura depende de la pared, ya que es su soporte. Si en este caso no tuviéramos la arquitectura, no se podría concebir la escultura. Vemos que se trata de una escultura tensionada por una serie de cuerdas que también forman parte de la escultura. Otro dato importante es la utilización de nuevos materiales: el hierro, el metal. Estos materiales de metal que se encuentran en el centro de la composición subrayan las cuerdas. También cabe destacar que existe un proceso de investigación industrial en las obras del momento. Pues tenemos un serie de ensamblajes realizados con materiales industriales. /// En resúmen: los artistas buscaron producir cosas útiles, en las áreas de diseño industrial, comunicación visual y artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista. Y aunque el movimiento durase muy poco tiempo, produjo un gran impacto. Algunas de las características del movimiento:

- Los representantes no ven sus obras como arte. La técnica y el proceso para elaborar el producto son de gran importancia.

- Predomina lo tridimensional, la escultura, la arquitectura y el diseño industrial.

- Se asocia a la producción industrial y sus composiciones son construidas matemáticamente.

- Se dedicaron al diseño de carteles, tipografías, fotografía, arquitectura interior, propaganda, ilustraciones.......................................................................................................... P.D: información complementada a través de: pinchar AQUI

Selección de Vídeos

Teneis que perdonar todo el tiempo que llevo sin actualizar el blog, pero además de irse la inspiración tampoco tengo mucho tiempo. Hoy os traigo un serie de vídeos sobre diversos pintores, espero que os gusten................................................................................................... -SOBRE VLADIMIR KUSH- -SOBRE JOAQUIN SOROLLA- -SOBRE VICTOR VASARELY- -SOBRE PAUL CÉZANNE-

El palacio de Luxemburgo

Hoy quiero comentar este palacio, para facilitar la práctica de arte moderna a mis compañer@s de clase. ...................................................................................................................................................... Para empezar, hay que comentar que actualmente este palacio alberga el senado francés. Es un edificio que fue construído para María de Médicis, entre los años 1615-1624 por el arquitecto Salomón de Brosse. Al parecer María se queda viúda un dia después de ser coronada regenta. Para alejarse de las intrigas de la corte que residía por entonces donde encontramos actualmente el Museo del Louvre, decide buscarse otro alojamiento, más digno para su cargo de regente, y que además le recordase al palacio florentino de su niñez. La reina logró comprar en 1612 la residencia de un duque de la zona, llamado François de Luxembourg. A pesar de sus intentos por llamarlo "Palacio de Médicis", el palacio siempre fue conocido por el nombre de su antiguo dueño. Las obras empiezan en abril de 1615 y en 1624 con el arquitecto Salomon de Brosse, que tenía que tomar como referencia el Palacio Pitti, en Florencia (la tierra natal de María de Médicis). El palacio Pitti era la antigua residencia principal de la dinastía de los Médici (ver siguiente foto). La entrada se sitúa al norte y la fachada principal está orientada al sur y da sobre el Jardín del Luxemburgo. Para la realización de los jardines también tuvo que comprar y demoler otras residencias, y sólo después de la muerte de María de Médicis, hacia fines del siglo XVIII, los jardines alcanzaron un tamaño considerable. El Jardín del Luxemburgo es el más céntrico y popular parque de París. Es de estilo neoclásico , con calles dispuestas simétricamente alrededor del estanque octogonal central. Sabemos que el palacio fue ampliado varias veces, pero sin modificar mucho su aspecto exterior. Sin embargo, para dar cabida al Senado en 1969 se necesitó construir oficinas individuales para cada senador y varias salas de reunión y locales administrativos además de adaptar al gusto del siglo XX a las comodidades básicas. Por otra parte, tanto el palacio como los jardines sufrieron las vicisitudes de sus propietarios, y quedaron casi abandonados en varias ocasiones. El palacio fue transformado en prisión cuando estalló la Revolución Francesa. Durante la Segunda Guerra Mundial, los alemanes lo utilizaron como cuartel y construyeron un búnker en el jardín. Del jardín inicial sólo queda un monumento: la fuente de María Médicis (ver siguiente foto).

Sobre el Fauvismo

El movimiento conocido como FAUVISMO (1904-1907) se formó mediante un grupo de artistas formados en su mayoría por Gustave Moreau. Estos artistas continuan la senda marcada por los postimpresionistas (las principales características provienen del neoimpresionismo y de Paul Gauguin). A estos artistas les atraían los colores fuertes, llamativos (ya que el fauvismo es COLOR). Se dieron a conocer en el Salón de Otoño de Paris en el 1905 con el nombre de fauvistas. Algunas características de este movimiento son: *El color se libera del dibujo (ya que el dibujo queda como aspecto secundario) *Investigan en la teoría del color (colores primarios, secundarios y complementarios). *Prescinden de la gradación tonal y el claroscuro. *Síntesis de las formas. Nos encontramos con una pintura gestual, espontánea. *Tenemos una distorsión de la realidad. *Interés por el decorativismo (es un movimiento esteticista). *NO rompen con la armonía y el orden. En definitiva, este movimiento es como un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Los principales protagonistas fueron: Andre Derain, Henry Matisse, Albert Marquet y Henry Manguin. A continuación vamos a ver y comentar algunos ejemplos de obras fauvistas: -LUJO, CALMA Y VOLUPTUOSIDAD- HENRY MATISSE Esta obra es un buen ejemplo para observar todavía la presencia de la técnica puntillista, característica del movimiento neoimpresionista. Ya que esta obra pertenece a los primeros momentos de este nuevo movimiento. Pero sin duda lo que más nos llama la atención es la presencia del color. Nos encontramos con una composición donde presominan las líneas horizontales y verticales (en algunos casos se cruzan). Es una obra que está perfectamente estructurada (en este sentido siguen siendo todavía muy clásicos). Por otra parte no nos podemos olvidar que se trata de una obra bastante decorativa (recordar las características comentadas anteriormente). -LA RAYA VERDE- HENRY MATISSE En esta ocasión nos encontramos con un retrato (en especial el retrato de su esposa). A primera vista, nos llama la atención la utilización de una pincelada pastosa, al contrario que la obra que comentábamos antes (observamos una evolución en cuanto a la pintura). No importan los detalles anatómicos de la persona representada, sino representar a esa persona mediante el COLOR. Otro de los grandes factores importantes es la LUZ. En esta obra nos encontramos una separación entre la parte que está iluminada y la que está en sombra, y esto aparece marcado por la raya verde que tenemos en el rostro de la mujer. Por tanto vemos una clara diferenciación de luces.

Mausoleo de Mª Cristina de Sajonia

Este mausoleo fue realizado por el gran escultor neoclásico, Antonio Canova alrrededor de 1798-1805. Para empezar debemos comentar que el arte neoclásico buscaba la representación de las formas de la antigüedad clásica. Donde la proporción y simetría son las grandes características del momento. Tanto en los sepulcros como mausoleos el drama de la muerte ya no aparece reflejada (como si pasaba en el mundo del barroco). Se busca la tranquilidad y armonía del conjunto. Suelen ser obras tremendamente severas, sobre todo las de Antonio Canova (que se caracteriza por la inexpresividad de sus figuras). ............................................................................................................................... El mausoleo de Mª Cristina de Sajonia se encuentra en Viena, y llama la atención la forma que adopta, pues es piramidal (recordando esa evocación a una arquitectura dedicada a la muerte). Vemos en las figuras de la izquierda a un anciano que se apoya en una jóven que simboliza la virtud. En el lado derecho nos encontramos con el genio alado, aunque también se le considera el ángel de la muerte. Es importante decir que en este mausoleo tenemos la representación de las 3 edades, donde la muerte no hace distinciones. Tenemos unas figuras que van en paso procesional. Por otro lado, y en la parte superior del mausoleo nos encontramos con un medallón que hace referencia a la difunta Mª Cristina de Sajonia (aparece representada de perfíl, posición típica de las medallas o monedas de la antigüedad clásica). Este medallón lo sujeta una figura que simboliza una virtud relacionada con la felicidad. Es cierto que la parte superior del conjunto se contrapone con el mensaje que nos encontramos en la parte inferior. Tenemos ante todo una búsqueda del equilibrio.