La arquitectura de Loos

Adolf Loos (1870-1933) fue un arquitecto austríaco. Fue considerado uno de los precursores del racionalismo arquitectónico. Fue el pionero del movimiento moderno que suponía desornamentación y ruptura con el historicismo. Sin duda se trata del hombre que cambió la arquitectura moderna occidental (sin él no podemos ver a Le Corbusier y compañía). Afirmaba que las tipologías arquitectónicas debían ser funcionales (él eliminó el ornamento en sus construcciones, pues apostaba por un estilo más sobrio y fino).

Por otra parte, lanzaba críticas hacia el modernismo, se presentía una revolución arquitectónica:

.................................................................................................................... -AMERICAN BAR- 1908 El exterior presenta pilares forrados de mármol. También aparece un cartel con una bandera americana formada por una serie de azulejos. Pero su interior cambia totalmente, pues tenemos un espacio pequeño pero donde se aprovecha cada milímetro. Tenemos una pared de cristal y también utiliza la madera de ébano. Destacar el techo, pues presenta artesonado de madera. -SASTRERÍA GOLDMAN & SALATSCH- 1912 Edificio que se encuentra dividido en 2 alturas. La primera presenta mármol verde; y la segunda (que sería la parte alta) se convierte en una superficie lisa, sin ornamentación (sólo ventanas). Este edificio se encuentra en el centro de Viena, justo en frente del palacio imperial de Viena. -CASA STEINER- 1910 A principios del siglo XX se dedicó a hacer una serie de casas y villas familiares. Destaca la idea de funcionalismo. Esta casa estaba destinada para que viviera en ella una familia. Destacan sus volúmenes lisos, sencillos, que ponen de manifiesto la nueva arquitectura. Loos diseña el interior teniendo en cuenta la importancia del espacio. Pero no hay simetría. Otro aspecto a destacar son las ventanas, que sólo las coloca donde son necesarias, aunque no haya simetría entre ellas. Otros ejemplos de casas realizadas por el arquitecto Loos serían las siguientes (casa Tzara, casa Moller y casa Müller, están colocadas en ese orden):

¿Sabías que...?

Hubo un rey llamado Abgar que mandó al pintor Ananias que le llevase un retrato de Cristo (la fotografía de arriba). El rey estaba enfermo, y al conocer la leyenda sobre Cristo (que era capaz de curar a los enfermos), ordenó a dicho pintor que le entregase un retrato de él. El pintor intentó pintarlo, pero le era imposible porque brillaba mucho. Fue entonces cuando el propio Cristo le dijo al pintor que le acercase un paño/toalla, para que de esa forma le pudiera retratar (Cristo quería ser retratado). Este paño/toalla se le conoce como mandilium (Cristo sólo podía ser retratado con el paño, porque sino brillaba mucho y no se le podía ver). De ahi que Cristo aparezca sobre esta especie de paño/toalla en las representaciones. El mandilium es la verdadera imagen de Cristo, por eso el resto de las imágenes debían parecerse a la imagen de Cristo que aparecía en el mandilium. Por esta razón, la mayoría de las veces a Cristo se le representa de la misma manera (con pocas variaciones) a lo largo de la historia. P.D: esto es sólo una leyenda, pero muy interesante. Esta leyenda permite responder a la siguiente pregunta: ¿porque a Cristo se le representa siempre igual a lo largo de la historia? ....................................................................................................................

Santuario de la fortuna primigenia

Antes de empezar a hablar sobre este santuario, debemos hacer un breve contexto histórico.

Nos encontramos entre los siglos II-I a.C. En este período se produce la conquista de grecia por los romanos. Los romanos van a utilizar las formas griegas para sus construcciones, pero utilizando elementos nuevos. En esta nueva sociedad romana surge una nueva arquitectura que utiliza nuevas técnicas: arcos y bóvedas. Asi como nuevos materiales: hormigón y ladrillo. Es importante comentar que aparecen nuevas tipologías vinculadas con las comodidades de la nueva sociedad, como pueden ser los puentes, acueductos, termas... Por otra parte nos vamos a encontrar con una serie de santuarios, realizados en las afueras de Roma. ................................................................................................................... -SANTUARIO DE LA FORTUNA PRIMIGENIA- Este santuario está colocado en un lugar sagrado. Tiene un cierto caracter propagandístico. Destacar el pequeño templete situado en la parte superior, que estaba dedicado a la Diosa fortuna. En estos momentos la arquitectura romana todavía se estaba ensayando. Tenemos las inflluencias de la sociedad griega. Este santuario se construye mediante una serie de terrazas. Cada terraza es una estructura en si misma. Esto se vincula con la idea de la ascensión, tanto física como metaforicamente. En relación con esto último, podemos comentar también que en dicho santuario observamos un eje direccional, donde también predomina la simetría. Por otra parte tenemos una serie de bóvedas de cañón en paralelo colocadas en la gran terraza (antes de llegar a esa especie de teatro). Vemos también columnatas donde predominan los órdenes griegos, pero que cumplen una función simplemente decorativa. Los romanos para el exterior de los edificios utilizaban ese "barniz" que llevaba la tradición, aunque el interior de los edificios fuese totalmente innovador (con bóvedas). Los pórticos llevan consigo bóvedas de cañón corridas, en vez de usar vigas de madera como utilizaban los griegos. Los griegos ya conocían las bóvedas pero no sabían explotarlas. En este santuario se juega también con elementos teatrales (las formas de la propia arquitectura, esa idea de la ascensión...) Se accedía a través de unas rampas colocadas en los extremos del conjunto. Luego había unas escalinatas también en los extremos. En el siguiente nivel se pasaba por otra rampa cubierta con bóveda de cañón (esta rampa era oscura y estrecha, donde sólo se veía una pequeña luz al final del recorrido. Era como una forma divina de conectar con el mundo de los Dioses). Al salir de esta rampa cubierta había que volver a subir por una escalinata hasta llegar a una gran terraza descubierta, que conectaba con ese teatro y el pequeño templete dedicado a la Diosa fortuna.

Sobre los Petroglifos

Cabe mencionar que el área de máxima concentración de rocas con grabados se da en la región occidental de Galicia. Es un área geográfica que además se corresponde con la mayor variedad de tipos y las expresiones estéticas más logradas.

La erosión del granito ha alterado decisivamente las huellas dejadas en el proceso de elaboración de los petroglifos, pero gracias al estudio de la forma de sus surcos, se puede considerar que posiblemente el sistema más generalizado para hacerlos fue la percusión con un instrumento lítico apuntado. En cuanto al repertorio temático, decir que no es muy variado, y usualmente no tiene nada que ver con lo figurativo. Se distinguen 2 grupos de temas: los motivos meramente geométricos y los naturalistas, entendiendo como esto último una representación de figuras en las que al menos pueden identificarse como cuadrúpedos o figuras humanas. Veamos algunas variedades temáticas: -CAZOLETAS: son hoyos hemisféricos excavados en la roca. Su diámetro no suele pasar de los 5 centímetros. Pueden aparecer aislados, en grupo o asociadas a otros temas. -CÍRCULOS: combinaciones circulares que tienen numerosas variantes. -ZOOMORFOS: el 3º de los grandes tipos representados en las rocas al aire libre. A veces es dificil establecer una clasificación por la esquematización que presentan. Tenemos un predominio de los ciervos, seguidos de los caballos y de las serpientes. Pueden aparecer aislados, asociados a otros temas formando complejas composiciones. -ANTROPOMORFOS: la representación humana es escasa y suele aparecer asociada a otras figuras formando escenas de caza o pastoreo. -IDOLIFORMES: en un número muy reducido aparecen figuras de ídolos-cilindro. -ARMAS: salvo un par de casos, las rocas donde aparecen varios tipos de puñales, con clavos en la base y posiblemente escudos, están concentradas en la provincia de Pontevedra (Galicia, España). Pero no sabemos hasta que punto tenemos la existencia de diversas "escuelas" locales que tienen preferencia a la hora de elegir los temas. Simplemente puede tratarse de diferentes momentos dentro de una tradición. Algunos investigadores relacionados con la arqueología del paisaje han planteado que los petroglifos pueden identificarse como "señales". Otras teorias apuntan que estos petroglifos podrían delimitar un territorio, es decir, podían funcionar como delimitadores territoriales. El conjunto gallego se presenta como uno de los más peculiares y ricos de su época dentro del contexto tanto europeo como mundial. Es un arte poco narrativo, donde destaca el carácter simbólico, que refleja aspectos seculares y religiosos de la mentalidad de la época. Se tienden a fechar sus inicios a finales del Calcolítico, mientras que su desarrollo pleno se asienta durante la Edad del Bronce (1800-700 a.C) y tenemos perduraciones tardías hasta la Edad del Hierro. -PETROGLIFOS A PEDRA DA FERRADURA- (CIERVOS, ÍDOLOS-CILINDRO, ESVÁSTICAS) -DETALLE PETROGLIFO (CÍRCULOS, LABERINTOS)

Sobre la arqueología

Cuando tenía tan sólo 9 años, se despertó en mi una gran fascinación por el mundo arqueológico. Influenciada por peliculas como La Momia o la trilogía de Indiana Jones. La vida me ha llevado a estudiar una carrera maravillosa: HISTORIA DEL ARTE, pero... ¿porque nosotros no podemos especializarnos en arqueología como los de historia? Todavía es un misterio para mi, porque pienso que estamos igual de capacitados que ellos para reconocer los distintos períodos históricos, así como los diversos objetos. Y después de este párrafo, voy a hablar sobre la arqueología.

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La arqueología es una ciencia en evolución. Si se hubiera planteado hace unos siglos qué es la arqueología, la respuesta habría sido casi unánime, y la investigación arqueológica se habría relacionado con la historia del arte antiguo. El arqueólogo era considerado un personaje singular, fuera de su época, con la mente orientada al pasado. Pero hoy ya no es asi. A la pregunta inicial muchos responderían que el trabajo de los arqueólogos es útil para reconstruir la historia de un pasado lejano o incluso próximo. En la actualidad se demanda de un arqueólogo que saque a la luz no solamente obras de arte en particular, sino también documentos, materiales que permitan reconstruir sobre bases objetivas el desarrollo de una civilización. No podemos tener contacto directo con el mundo antiguo si no es a través de los hallazgos, a veces realizados casualmente, o de los testimonios literarios que nos han llegado de las distintas civilizaciones. Una pregunta que se plantea con frecuencia a los arqueólogos es la relativa a los métodos de investigación que conducen al descubrimiento de una zona arqueológica. Hay que responder que en ocasiones se hacen descubrimientos importantes por pura casualidad, durante trabajos agrícolas o cada vez con más frecuencia durante obras de construcción. Sin embargo el trabajo del arqueólogo no depende del azar y las investigaciones se llevan a cabo según métodos ya experimentados. ¿Como se llega entonces a realizar un descubrimiento? En primer lugar, es necesario consultar todo lo que ha sido escrito sobre la zona que se va a investigar, incluida una valiosa documentación de archivo, y puesto que no se han publicado todos los descubrimientos pueden servir de ayuda las notas de arqueólogos, anticuarios y eruditos del pasado. Otra fase importante es el reconocimiento de campo, donde la existencia de posibles restos de estructuras antiguas o de material en fragmentos (cerámicas, enlucidos, tejas, teselas...) podrían indicar una ocupación en la antigüedad. El objetivo de una excavación no es solamente sacar a la luz un edificio o una obra de arte, sino también hacer entender las relaciones entre el monumento y el contexto al que perteneció. La excavación se convierte así es uno de los principales instrumentos de investigación para el arqueólogo. Sin embargo, la adquisición de datos en arqueología implica inevitablemente el empleo de procedimientos destructivos. La tierra siempre ha sellado el pasado en estratos o capas denominados unidades estratigráficas (UE), y a través de ellos el arqueológo recorre hacia atrás el camino valiéndose precisamente del método estratigráfico. Los sedimentos que dieron origen a los estratos pueden ser de tipo antrópico (generados por la acción del hombre, como construcciones, derribos, incendios o acumulaciones de materiales), o del tipo natural, causados por fenómenos orogénicos (deformación de la corteza terrestre), erosivos (agua y viento) y catastróficos. La excavación estratigráfica sigue procedimientos estandarizados, por lo que se puede aplicar en todos los lugares y para todas las épocas. En los últimos años la ciencia arqueológica ha registrado grandes transformaciones, sobre todo por el uso de métodos y técnicas cada vez más evolucionados y combinados con otras disciplinas. Desde su nacimiento como ciencia independiente, la arqueología ha hecho uso de metodologías propias de otras disciplinas, como la geografía, la antropología, la sociología y la lingüística, y se ha valido también de la colaboración de biólogos, químicos, médicos y geólogos. La datación permite enmarcar históricamente un objeto o el estrato donde ha sido hallado determinando términos post quem y ante quem de un contexto. En muchos casos puede ayudar a establecer si se trata de una falsificación. El arqueólogo, que no siempre puede contar con elementos que faciliten la datación, para realizarla debe recurrir también al análisis de laboratorio. Las diferentes técnicas empleadas, según el material a datar, permiten obtener dataciones de tipo absoluto (es decir, fechas de calendario expresadas en años a partir de hoy) o dataciones relativas. Las principales técnicas para las dataciones relativas son la estratigrafía, la seriación y también análisis químicos. Entra las técnicas más utilizadas para las dataciones absolutas (también llamadas cronométricas) se encuentran la del carbono 14 (radiocarbono), la del potasio-argón y la que emplea la termoluminiscencia.

Virgen de Brera

En primer lugar hay que destacar el promotor de esta obra, Federico de Montefeltro (1422-1482). Este personaje fue un condottieri del renacimiento italiano y duque de Urbino desde 1444 hasta su muerte. Es importante comentar que en esta obra aparece representado, pero enseñando su perfil izquierdo (como aparecía siempre que lo retrataban), ya que durante una de sus primeras campañas perdió el ojo derecho, quedando una gran cicatriz. Por eso enseña su "lado bueno". En cuanto al pintor, que fue Piero della Francesca, comentar que está considerado como el primero en intentar aplicar de manera sistemática la perspectiva geométrica a la pintura. ....................................................................................................................... -ANÁLISIS DE LA OBRA- El esquema de la composición es el siguiente: en el centro vemos a María con el niño dormido en una extraña posición. A cada lado de la virgen observamos a 3 santos y a 2 ángeles. La escena se desarrolla en un espacio dominado por un arquitectura de marcado carácter renacentista, especialmente la bóveda de cañón que se cierra en forma de concha de la que cuelga un huevo de avestruz. Los casetones se encuentran decorados con elementos florales y tienen un relieve considerable, creando la sensación de estar en un palacio más que en un espacio sagrado o celestial. La luz ilumina todas las figuras, reforzando el carácter escultórico y contribuyendo a la formación del espacio de la escena. También sirve para aumentar el efecto de autonomía de los personajes que aun estando muy unidos entre si, cada uno se encuentra distante de su compañero. La virgen es más grande que los demás personajes, y el mismo Federico de Montefeltro está colocado más al exterior para respetar el aura sagrado que se crea en torno a la virgen con el niño y los santos. ........................................................................................................ -INTERPRETACIONES SIMBÓLICAS- * HUEVO: al huevo que cuelga en la parte superior, y que señala al ombligo del niño, se le pueden atribuir muchos significados simbólicos. Se puede entender como símbolo de vida o nacimiento, ya que cuelga de una concha (símbolo de fecundidad). También puede simbolizar el signo de nacimiento de una virgen. Por otra parte el pintor pudo haber elegido este símbolo por la forma geométrica perfecta. *COLLAR: el niño Jesús sostiene en su mano un collar de coral rojo, que hace referencia a la sangre. Es como un símbolo de la vida y de la muerte, pero también de la función salvífica ligada a la resurrección de Jesucristo.

Pazo de Bóveda

Este es un pazo que se encuentra en plena Terra Chá (Lugo- Galicia). Realizado por Domingo Lois Monteagudo por un encargo del canónigo Don Juan Francisco Suárez y Oca. El arquitecto se decantó por una obra que podía constituir una propuesta innovadora en cuanto a la tipología del pazo gallego, ya que rompía definitivamente con la barroca e introducía en Galicia el influjo palladiano (que tan decisivo iba a ser en la configuración del neoclasicismo). Es importante destacar que el arquitecto siguió manteniendo las paredes de la primitiva casa como elemento nuclear de la nueva obra. No sólo se retiró a un segundo plano la vieja fachada principal, sino que obligó a elaborar un proyecto de fuerte horizontalidad que le diese al edificio un aire solemne, amplio. Aunque Domingo Lois Monteagudo mantuvo las paredes de la antigua casa como elemento nuclear de la nueva obra, debió reelaborar por completo la organización interior del edificio. No sabemos nada de la planta inferior, salvo que estaba destinada a las dependencias agropecuarias. La planta superior es un modelo de organización calculada que se estructura alrededor de un amplio vestíbulo cuadrado y central. En este pazo existe un deseo de acomodar la organización funcional del espacio interno a normas de estricta simetría. Son clásicas, en definitiva, la idea de definir con absoluta claridad el volumen del edificio, la sobriedad de su lenguaje ornamental o su enfática simetría que impera en la fachada y que busca exaltar con los mínimos elementos posibles la nobleza y el talante de su dueño.

Características del Neoclasicismo

Fue un movimiento que se produjo en Europa en el siglo XVIII como reacción al mundo anterior barroco. El siglo XVIII es una época de grandes cambios, ya que el pensamiento ilustrado pretende acabar con la exaltación barroca y con su carácter escenográfico, con la personalización del poder y sobre todo con los excesos decorativos del rococó. El neoclasicismo (1750-1800) responde a esta necesidad poniendo la arquitectura al servicio del racionalismo, el orden, la armonía y los principios humanistas. En su esencia, se trata de una vuelta a la antigüedad grecorromana. ............................................................................................................................ En cuanto al mobiliario, los diseñadores que lo inspiran vuelven a las fuentes griegas y romanas en vez de a las renacentistas, pero adaptadas con mucho gusto al siglo XVIII. Los muebles neoclásicos eran simples y geométricos con patas rectas que se iban estrechando de sección redonda o cuadrada. En los muebles neoclásicos se usaba distinta ornamentación como pueden ser los medallones, dentículos, molduras corintias, jónicas o dóricas y se usaban maderas como el ébano o la caoba.

El megalitismo: túmulos en Galicia

A lo largo y ancho de toda Galicia se encuentran dispersos miles de TÚMULOS, que a menudo son facilmente perceptibles en el paisaje. Su forma es aproximadamente la de un casquete esférico que presenta un embudo en su parte superior. Su planta es circular, en ocasiones con tendencia elíptica y sus dimensiones son variables. En un número relativamente alto de túmulos se aprecia la existencia de una cámara, compuesta por piedras de grandes dimensiones, a veces cubierta por una gran losa. Estos túmulos, conocidos con los nombres de mámoa, medoña, modia...se extienden por toda la región. Las necrópolis no sólo están al servicio de la muerte, ya que es posible que algunas hayan servido de testigo no unicamente de la comunidad de los muertos, sino también de los vivos. ..................................................................................................................... -PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS ARQUITECTÓNICAS DE LOS TÚMULOS- Están constituídos por sedimentos y piedras, presentando en ocasiones un anillo de piedras que rodea su perímetro basal, aunque también se conocen anillos alrededor de la cámara. Con cierta frecuencia la masa tumular está recubierta de un enlosado a modo de coraza pétrea que sólo deja al descubierto la gran piedra de cubierta de la cámara. La función de la coraza y de los anillos ha sido objeto de varias interpretaciones. A la coraza se le atribuye una finalidad protectora. Cumple varias funciones al servicio de la monumentalidad, tales como preservar la forma y dimensiones primitivas del monumento y, por la naturaleza de la piedra, marcar el contraste entre éste y su entorno de un modo rotundo. A continuación comentar las diferentes partes: *Anillo basal: en algunos monumentos se aprecia un anillo de piedras que delimita todo el perímetro de un túmulo hecho de sedimento. A este tipo de anillos basales se le atribuyen 2 funciones (una protectora del túmulo, para que éste no pierda la forma y dimensiones por la parte inferior; otra sería de carácter ritual delimitando la arquitectura con respecto al entorno-el mundo de los vivos-). *Anillo central: hasta ahora son pocos conocidos, puesto que para localizarlos es necesaria una cuidadosa excavación en el túmulo. Pero realmente su escasez y su desarrollo permiten considerar que su presencia no es necesaria desde el punto de vista estrictamente funcional. *Anillo interior: se encuentra apoyado en las caras externas de las piedras de la cámara, por lo que su aparente funcionalidad parece evidente. *Cámara: una parte importante de los túmulos alberga en su interior, en posición central, una cámara compuesta por piedras de tamaño regular o grande. A menudo presenta un hueco o puerta de acceso unido a un corredor que comunica con la parte externa del túmulo. La cármara es el área donde se concentran los hallazgos del ajuar, suele estar situada en la zona central del monumento y en algunos casos la pintura y el grabado se limitan a este recóndito espacio interior. *Corredor: por lo general es corto hasta el punto de que en ocasiones puede plantear dudas sobre su funión. En pocos casos alcanza gran desarrollo y contiene alguna manifestación artística como grabado o pinturas. En la siguiente fotografía nos encontramos con diferentes tipos de túmulos:

El "santo dos croques"

Por muchos es conocido el "Santo dos croques", la estatua situada en el conjunto escultórico del Pórtico de la Gloria (en el interior de la catedral de Santiago de Compostela). La estatua aparece arrodillada tras el basamento del parteluz del pórtico, en el eje de la nave central de la catedral, que se prosterna ante el altar mayor de la basílica. Se considera que representa al maestro Mateo. Por esta creencia surgió la excepcional liturgia de golpearse (ligeramente) la frente contra su cabeza para adquirir, en una suerte de magia, parte de su sabiduría y habilidad. Esta escultura tiene cabellera rizada con los mismos caracolillos de algunas estatuas del Pórtico de la Gloria (como el profeta Daniel). Dicha estatua mira al altar mayor de la catedral de Santiago. Viste una túnica delgada que en parte ciñe su cuerpo, encima lleva un manto abrochado sobre el hombro. Con su mano derecha se golpea el pecho y con la otra sujeta una larga cartela en la que , según escritores de mediados del s.XX, estaba grabada la palabra: "ARCHITECTVS" (hoy borrada) que se complementaba con las todavia visibles letras incisas en el basamento del parteluz: "FEC" abreviatura de fecit, es decir, que identificaba a este personaje con el arquitecto de la obra. Se trataría pues del propio maestro Mateo que, devotamente, se arrodilla ante el apóstol Santiago para ofrecerle su obra. De ser cierta esta interpretación el "Santo dos croques" sería una nueva anticipación de tan genial maestro que, quizá por vez primera y solemne, introduce en el arte hispano la presencia del donante que no es quien encarga la obra, sino el artista que asume el protagonismo en su obra.

Crónica de una visita a Paris

-23 de septiembre: cogimos el avión (con retraso) destino a París. Después de dar unas cuantas vueltas para salir del aeropuerto, conseguimos coger el tren que nos acercó a la ciudad. Una vez que conseguimos llegar a la ciudad, nos preparamos para coger el metro que nos llevó a nuestro hotel (no fue nada fácil...) -24 de septiembre: despues del madrugón nos atrevimos a coger el metro de nuevo (!!) llegando a nuestro primer destino: MUSEO DEL LOUVRE. Pasamos 6 horas alli dentro, paramos unas cuantas veces a descansar pero el resto las disfrutamos contemplando las maravillas que alli se exponen (sobre todo las salas dedicadas al arte antiguo). Al terminar de ver semejante museo-palacio, nos quedaron fuerzas para descansar en el parque que estaba al lado del Louvre, observando el arco del carrusel. De vuelta a casa, decidimos hacer un pequeño desvío para ver la iglesia de Notre-Dame, porque aunque sea todo restaurado merece la pena verla. -25 de septiembre: de nuevo madrugón. Volvimos a coger otro metro que nos acercó hasta el MUSEO DE ORSAY. Esta vez no estuvimos tanto tiempo dentro del museo, pero disfrutamos tanto como en el museo del Louvre. Una vez visto el museo, nos dirigimos hacia la iglesia de la Madeleine (mucho más bonita por fuera en mi opinión) y tras quedar horrorizados por las tiendas de souvenirs que hay en su interior, salimos. -26 de septiembre: madrugón como hasta ahora. Metro como todos los dias (esto empieza a ser rutinario jaja). Pero para variar nos alejamos del centro de París para visitar una "pequeña" iglesia desconocida por muchos y que tiene una gran importancia. Estamos hablando de la iglesia de SAINT-DENIS (donde se dice que empezó el gótico). Tuvimos que esperar a que terminase el acto litúrgico para poder acceder a los lugares donde antes no se podia estar (cripta y cabecera). Después de estar media hora observando las preciosas vidrieras de su cabecera, decidimos bajar hasta la cripta, donde nos encontramos con numerosos sepulcros (algunos de ellos vinculados con monarcas franceses). Cabe destacar el sepulcro de Clovis en la cabecera de la iglesia (fundador de la misma). Por la tarde de ese mismo dia, regresamos al centro de París para visitar el POMPIDOU (museo de arte contemporáneo), donde pudimos ver a un artista llamado Arman que exponía algunas de sus obras relacionadas con el arte de la postguerra (2º mitad del 1950). Pero lo más interesante se reservaba para el final, una inmensa sala dedicada a las numerosas vanguardias del s.XX. Yo no podía contener la emoción de estar delante de varias obras del mismisimo WASSILY KANDINSKY (!!!!!!!!!) -27 de septiembre: madrugón. Metro al centro de París. Esta vez tuvimos la ocasión de presenciar una exposición única en el PALAIS ROYAL sobre el pintor impresionista Claude Monet, ya que trajeron obras que normalmente no facilitan. Después de esperar una cola de casi 2 horas, conseguimos ver esas obras que se encuentran dispersadas por todo el mundo. Más tarde, a la salida de la exposición nos dirijimos hacia una pequeña capilla situada en el corazón de París, estamos hablando de la SAINTE CHAPELLE (desgraciadamente su cabecera se encuentra en obras hasta el 2013). Lo mejor es subir y encontrarse con esa explosión de colores provocada por las numerosas vidrieras que presenta dicha capilla. -28 de septiembre: madrugón. Metro al centro de París. No podíamos marchar de París sin visitar la TORRE EIFFEL (como es tradición en todo turista), asi que cumplimos con el reglamento. También decidimos acercarnos a la iglesia de SAINT GERMAIN DES PRES, bastante señalizada y conocida en la zona. Por la tarde regresamos a españa, a nuestra querida ciudad SANTIAGO DE COMPOSTELA. Sin duda un viaje inolvidable. Le mando saludos a mi acompañante en este viaje. P.D: hogar dulce hogar (con precios normales jajaja)

Nuevo blog de arte

Hoy me gustaría anunciaros la creación de un nuevo blog relacionado con el arte. Y digo relacionado con el arte, porque depende de nuestros gustos y puntos de vista que sea o no objeto de ser elevado a categoría artística. Viene a ser un blog que critica numerosas "obras" del arte conceptual. Lo que pretendemos, un buen amigo mio y yo con la creación de este blog, es crear un amplio campo de debate, donde cada uno puede exponer su opinión libremente (faltaría más...) ante las numerosas imágenes que se irán colocando en el blog. Esperamos que participeis, ya que podría ser divertido. Para entrar en el blog pinchar AQUI. P.D: "Modelo de caucho" obra de Richard Serra P.D2: "Botellero" obra de Marcel Duchamp P.D3: "Azul III" obra de Joan Miró

Mi primera obra

- "Texturas" - Óleo sobre lienzo - 18x14 cm ........................................................................................................................................ Después de tanto tiempo, me he animado a realizar mi primera obra artística. Y a pesar de todo, no me he basado en ningna obra en particular. Simplemente dejé salir el lado creativo, y ahi teneis el resultado. ¿Qué es? ¿Qué quiere transmitir? la respuesta es...NADA!! Hay muchos cuadros abstractos que si pretenden reflejar un significado, pero en mi caso no pretendía enseñaros ninguno. Si ahora alguien me dice que ve un marco de una ventana en primer plano, con 2 gotas gigantes en uno de los cristales, es pura casualidad!! A veces se le da un significado a las obras sin saber si de verdad lo tiene (no tiene porque haber significado). Puedo decir que me he basado en Pollock o en Mark Rothko, pero no en sus respectivas obras, si no en su idea de arte como proceso creativo (y punto final). ......................................................................................................................................

Sobre el antiguo egipto

-VIDEO SOBRE LAS PIRÁMIDES- -VIDEO SOBRE LAS TUMBAS EGIPCIAS- P.D: todo viene perfectamente explicado en los videos, por tanto sobran las palabras. Espero que disfruteis del contenido tanto como yo.

Sobre la Catedral de Zamora

La construcción de esta catedral se remonta al año 1151, pero fue consagrada en el 1174 aunque sus obras continuaron hasta bien entrado el s. XIII. Su planta es de 3 naves de 4 tramos cada una, tiene un crucero ligeramente marcado en planta y una cabecera tardo gótica (ca 1500) que sustituyó a la original, que era triabsidial. Con respecto al transepto, decir que se cubre con bóvedas de cañón apuntado, las naves laterales con bóvedas de arista, y la nave central con bóveda de crucería tardorrománica o protogótica. Otro de los elementos más característicos es el cimborrio, que pertenece al último cuarto del s. XII. Presenta decoración a base de gallones y escamas. Sin paralelo en la arquitectura medieval, tiene influencias francesa, bizantina, cruzada y musulmana: De las torres previstas, sólo se llegó a levantar la septentrional, a los pies del templo, de porte robusto y ciertamente poco esbelta: Por otra parte también debemos comentar la importancia de la puerta del Obispo (la puerta Sur), ya que es la única puerta original que se conserva. Observamos equilibrio y sobriedad. Tenemos la confluencia de elementos de procedencia clásica, francesa, oriental e hispanomusulmana: Y para terminar, os facilito este fantástico vídeo que nos adentra en la propia catedral:

Orígenes San Pedro del Vaticano I

La primera basílica de San Pedro del Vaticano, se construyó hacia el año 320 por el emperador Constantino. Fue la mayor iglesia de etapa constantiniana en Occidente. Estaba situada donde se suponía que estaban enterrados los restos del apóstol y se convirtió en el paradigma de basílica primitiva hasta muy entrada la Edad Media. Tomaron como referencia la basilica romana (destinadas a impartir justicia), por sus amplias dimensiones, y porque nunca fue recinto de culto de otras religiones. Su estructura alargada, rectangular y dividida en naves, les hacía muy adecuadas para las necesidades del culto cristiano. El exterior de la basilica paleocristiana es muy sobrio, con muros lisos y sin ornamentos. Tenía un atrio con pórtico. Por otra parte sus cubiertas eran de madera y el tejado caía a 2 aguas. La gran diferencia con respecto a las basilicas romanas es que aqui han eliminado las bóvedas. En el interior la nave central era el doble de ancha que las laterales y más alta. Precisamente esta mayor altura, permitía situar en la parte alta una hilera de ventanas que permitía la iluminación interior. La cubierta era de madera. Por otra parte cabe destacar una el transepto, o nave que cruza transversalmente las naves longitudinales, y que dará lugar a la aparición de la característica planta de cruz latina. Ahora os dejo un vídeo que resume todo lo escrito anteriormente: Derribada a fines del siglo XV, por su estado ruinoso, en el solar que ocupaba se construyó a partir del siglo XVI (se inició con Bramante) la gigantesca basílica que actualmente constituye la mayor expresión del poder de la Iglesia romana. Pero de esto hablaremos en la próxima entrada.

Las termas en la antigua roma

La aportación fundamental de la arquitectura romana son las termas (verdadera construcción romana), aunque también tenemos la utilización del arco de medio punto, que es otra característica fundamental de su arquitectura. Las termas romanas son recintos públicos destinados a baños para la civilización romana. En las antiguas villas romanas los baños se llamaban balnea o balneum y si eran públicos thermae o therma. Las termas eran un sitio para bañarse, pero también para pasar el tiempo (lugar para pasear, hablar con los amigos o realizar ejercicios físicos). Todos podían acceder a las termas pagando un módico precio. Se cuidaba el ambiente con una delicada decoración en donde no se escatimaban medios, llenando las estancias de maravillosos frescos, mosaicos y estatuas. Tenemos distintas estancias dentro de las termas romanas, como pueden ser: *Apodyterium: vestuario-guardaropa // *Palestra: patio central al que se abrían todas la demás estancias y se podían prácticar ejercicios físicos // *Frigidarium: sala de agua fria // *Tepidarium: sala de agua templada // *Destrictarium: lugar donde se limpia la piel (alrededor de un estanque) // *Laconicum: lugar donde se realizaban baños de vapor // *Caldarium: sala de agua caliente // *Unctorium: sala accesa que se encuentra al lado de los baños // *Natatio: piscina de agua fria, puede estar dentro del frigidarium o en el exterior // Hacía falta mucho combustible y mucha agua para desarrollar este sistema de baños. Los recursos hidráulicos eran traídos mediante la red de acueductos que toda ciudad romana tenía. El interior de las estancias y las piscinas de agua caliente se realizaba mediante el sistema de hypocaustum. El sistema está basado en la distribución mediante túneles y tubos de agua caliente y vapor que se extendía por debajo de los suelos de las estancias y piscinas y era alimentado por una serie de hornos que se hallaban en los sótanos. Y ahora un vídeo para aclarar mejor todos estos conceptos:

Sobre las vanguardias históricas

Se conoce como vanguardias históricas a los estilos artísticos que aparecieron en la primera mitad del siglo XX Durante la época de las grandes vanguardias históricas se produce en el arte una auténtica revolución de las artes plásticas. Veamos algunas de sus características comunes: *Rebeldía frente a lo existente. Alternativas rebeldes // *Culto a lo nuevo y rechazo al pasado // *El arte puede transformar la sociedad // *Profunda reflexión sobre el lenguaje artístico // *Ideario difundido a través de manifiestos // *No existen nexos de unión entre las vanguardias, pero no son compartimentos estancos // *Estética de la provocación // *Rechazo absoluto a la pintuea burguesa anterior // *Los artistas son conscientes de estar creando un arte de los nuevos tiempos (posturas innovadoras) // ...................................................................................................................................... En las distintas vanguardias tenemos una permanente información entre ellas, de hecho, muchas de ellas se inspiran las unas de las otras. Aunque las vanguardias surgen en diferentes paises, existe un interés por conocer una de las otras. Muchas veces, el fin de una vanguardia supone el principio de otra. Es importante decir también, que en la mayoría de los casos nos encontramos con coincidencias ideológicas. Surgen como grupos insignificantes y al margen del mercado, pero en poco tiempo se convierten en paradigma estético de la nueva sociedad. ..................................................................................................................................... Podemos destacar 4 vanguardias: *VANGUARDIAS EXPRESIVAS: Fauvismo, Expresionismo // *VANGUARDIAS ANALÍTICAS: Cubismo, Futurismo // *VANGUARDIAS CONSTRUCTIVAS: Constructivismo, Neoplasticismo, Bauhaus // *VANDUARDIAS PSIQUICAS: Dadaismo, Surrealismo // Hagamos una pequeña explicación de cada vanguardia: -VANGUARDIAS EXPRESIVAS- Derivadas de artistas postimpresionistas. Tenemos una transmisión de emociones. Por otra parte nos encontramos con una ruptura en la representación tradicional y en la narración. También tenemos una deformación de los objetos, con un predominio del color libre. La representación está en función de los estados de ánimo del propio autor. -VANGUARDIAS ANALÍTICAS- En este tipo de vanguardias nos encontramos con un análisis de las formas. Tenemos una modificación de los códigos de representación establecidos, además de la creación de otros nuevos. Destaca la intensa investigación analítica de las formas. -VANGUARDIAS CONSTRUCTIVAS- Desestiman la figuración, centrándose en una nueva construcción útil (que el arte sea útil). Tenemos la utilización de nuevos materiales, y un trabajo que debe ser útil para la sociedad. También se pretendía hacerparticipativa a la sociedad del arte. -VANGUARDIAS PSIQUICAS- En estas vanguardias nos encontramos con una alteración semántica y formas de la creación (cambian el significado de las formas). Tenemos actitudes contrarias a las convenciones sociales. Se consideran las vanguardias antecedentes del arte conceptual.

Sobre la Victoria de Samotracia

-VICTORIA DE SAMOTRACIA-

-ca 190 a.C

-Material: mármol de Paros // -Dimensiones: 328 cm (con las alas incluídas) // -Procedencia: Samotracia (una isla del mar Egeo)

..................................................................................................................................... Se trata de una escultura que representa una Niké o Victoria, que se acaba de apoyar sobre la proa de un barco, y ésto está relacionado con su función (que comentaré más tarde): Vemos como sus ropas se arremolinan por el viento marino.Viste un fino jitón atado con un nudo bajo el pecho, que presiona la tela. Los infinitos pliegues del ligero vestido fluyen alrededor del cuerpo, se pegan al pecho y vientre, insinúan y realzan las bellas formas femeninas. La composición es abierta, observamos en la escultura las diagonales y curvas, que producen desequilibrio. De frente, la figura se retuerce y se abre en las dos largas curvas de las alas. Vista lateralmente, se observa una gran línea diagonal que enlazaría desde la pierna hasta la perdida cabeza. El dinamismo de la composición se completa con las múltiples y delicadas curvas del vestido. El movimiento impetuoso de la niké se expresa en los paños que se agitan y vuelan y en las alas desplegadas hacia los lados y atrás. El escultor ha querido captar el instante en que se posa en la proa de un barco: El modelado de las formas está conseguido con gran expresividad. El artista ha sabido expresar a la perfección los efectos del azote del viento sobre el cuerpo de la diosa, con un estudio anatómico de gran habilidad técnica. El ligero ropaje, de "paños mojados" adheridos al cuerpo, vela las formas y las carga de sensualidad y misterio, volviendo más hermoso el cuerpo de la Niké. El juego de la luz se acentúa en los plegados, creando violentos contrastes de luz y sombra. En cuanto a su función: destinada a conmemorar la victoria naval de los rodenses sobre la flota de Antíoco III de Siria. Se dice que su escultor fue Pithócritos, escultor poco conocido de la Escuela de Rodas. No podemos afirmar su autoría, pero si sabemos que esta escultura fue realizada en la escuela de Rodas. En estas escuelas se realizaban obras en torno a una ciudad. P.D: post realizado con la ayuda de ESTA página web!!