DIOSA DE BERLÍN (580-570 a.C)


HERA DE SAMOS (ca 570 a.C)




En este edificio se llevó al máximo la desmaterialización del muro, donde tenemos un amplio desarrollo del muro cortina (muro de vidrieras). Y es precisamente ésto lo que quisieron conseguir años atrás, en los inicios y desarrollo del gótico.
El nuevo estilo arquitectónico, quería construcciones altas pero también quería desmaterializar los muros cada vez más (y todo esto está relacionado con la búsqueda la catedral ideal, simbolizando también la Jerusalén Celeste).
Los edificios góticos pudieron crecer en altura gracias al muro botarell, que en un principio se encontraba debajo del tejado, a la altura del claristorio (tercer cuerpo de altura) y que permitía contrarrestar el peso de las bóvedas. Con el tiempo dejaron este muro botarell a la vista, porque sólo tenían que quitar el tejado. Y este muro botarell es lo que conocemos como ARBOTANTE, el elemento más característico del período gótico. Gracias al desarrollo de estos arbotantes, el edificio pudo crecer el altura, pero también desarrollar el muro cortina (las vidrieras), que también se fue ampliando.
En la Sainte Chapelle todas estas experimentaciones llegaron a su fin.
De hecho, si observais una fotografía de la Sainte Chapelle, vereis que NO tiene arbotantes...
Y os preguntareis por qué!!! Pues porque en esta capilla se llevó a cabo un sistema de TIRANTES, colocados entre la cubierta superior y el tejado, que proporcionaban los contrarrestos necesarios y la estabilidad del edificio sin la necesidad de colocar arbotantes. Estos tirantes realizados de hierro, se sustituyeron por unos de acero en la restauración del siglo XIX, momento en el que se dieron cuenta de como se sujetaba el edificio.
En esta fotografía de la planta de la Sainte Chapelle, vereis el ejemplo del sistema de tirantes, que iban de un contrafuerte a otro (es una perfecta obra de ingeniería, para que luego digan de los medievales...):
Y para finalizar os dejo este vídeo sobre la Sainte Chapelle, para que sigais disfrutando de este sueño...
En este ornamento de arreos, de marfil de estilo fenicio, hallado en Kalhu, una mujer desnuda sostiene unos leones y flores de loto. Las diosas desnudas suelen identificarse con la diosa del amor y de la guerra, que los sumerios llamaban Inanna, los acadios Ishtar y en el Levante Astarté. Quizás este ejemplo fue usado en desfiles, ya que parece un material demasiado costoso como para utilizarlo durante una batalla.
Figura de bronce que representa el demonio del viento Pazuzu, que solía aparecer con una cara grotesca, cuatro alas, patas de ave, patas delanteras de animal y cola de escorpión. Lleva la inscripción: "Soy Pazuzu, hijo de Hanbi, rey de los demonios del viento del mal". Aunque rey de los demonios del mal, Pazuzu se consideraba benévolo. Los amuletos de bronce con la cabeza de este demonio, usados por las mujeres en el parto para protegerse contra los ataques del demonio femenino Lamashtu, tuvieron gran éxito durante los períodos Asirio tardio y Neobabilónico.
........................................................................................................................................................... Voy a empezar comentando brevemente los inicios de este artista: Piet Mondrian (1872-1944) fue un artista que inició sus pinturas con figuración.
En 1911 se introdujo en la concepción cubista.
En 1917 entró a formar parte del movimiento neoplasticista, que trataba de conseguir la verdadera visión de la realidad, es decir, lo esencial. Y para conseguir lo esencial, Mondrian escapa de la "visión trágica" que no era otra cosa que la figuración. De hecho, desde 1914 quiso demostrar que en la pintura abstracta se captaba mejor la esencia del mundo que en una representación naturalista.
Ahora damos un gran salto en el tiempo situándonos en el año 1940, cuando Mondrian decide irse a vivir a Nueva York. A partir de entonces, vemos un cabio en la pintura que realizó en américa, pues parece haber participado de una sensación de libertad al huir del ambiente bélico que se respiraba en Europa debido a la 2º guerra mundial.
La pintura de estos momentos sufre un cambio, donde podemos observar un nuevo estilo que Mondrian lleva a cabo en sus últimos años. En este nuevo estilo, elimina las lineas negras que habia utilizado en sus obras realizadas en los años 20, las reemplaza por un secuencia rítmica de trazos de colores, dándole a la composición un movimiento rápido y más dinámico.
En la obra Broadway Boggie Woggie, manifiesta el dinamismo de la ciudad de Nueva York, pero no sólo refleja la ciudad neoyorkina, ya que también refleja la música que tanto le gustaba: el jazz.
Mondrian se siente fascinado por su nueva ciudad, ya que se encuentra ante unas tipologías diferentes a las de Europa (novedad de los rascacielos entre otras tipologías). Y esta fascinación se aprecia en estas obras de sus últimos años en la ciudad de Nueva York, marcadas por ese nuevo estilo que desarrolló.
Pero en las obras americanas, la relación con el entorno va más allá de la mera evocación de las luces neoyorkinas, pues también quería plasmar los ritmos de estilos musicales como el jazz o el blues. De hecho Boggie Woggie es un estilo de blues basado en el piano rápido.
Por tanto tenemos esa mezcla de las 2 ideas en la obra: la de la ciudad y la de la música.
Pero interpretar esas últimas pinturas como paisajes urbanos abstractos, sería equivocarse en el significado que les daba Mondrian. Pues es más bien como si el pintor impusiera al interminable caos de la metrópoli moderna, su propio diagrana de la armonía universal, y esta armonía universal es lo que siempre buscó en sus obras.
