Mundo abstracto de Mark Rothko

Antes de que alguno suelte la frase "a mi no me dice nada", os pediría que leyeseis primero este manual de instrucciones para comprobar si realmente habéis contemplado sus lienzos como es debido:

1. No se puede opinar sobre este artista si solamente se han visto sus cuadros en foto. Las obras de Rothko son lienzos enormes que hay que ver al natural.
2. Tampoco deberían contemplarse en una exposición o museo que esté lleno hasta las patas. Hace falta silencio, poca gente y un ambiente recogido (mejor entre semana, a una hora en que no haya mucho lío).
3. No se puede ir con prisas. Estos cuadros requieren su tiempo y merece la pena dedicárselo.
4. Hay que colocarse frente a la obra, lo más cerca que se pueda sin que te riña el vigilante de la sala, y dejar que la mirada se pierda libremente en los colores, sin pensar en nada más. Al cabo de un rato, mayor o menor dependiendo de la concentración de cada uno, se producirá el milagro.

Mark Rothko fue uno de los máximos representantes de la abstracción americana. A través de su personal lenguaje pictórico, que enlazaba con la tradición europea de lo sublime, el artista quería expresar las más básicas emociones universales, como la tragedia o el éxtasis. 

Los campos de color son aquí el vehículo que emplea Rothko para simbolizar la necesidad de que el espectador indague en sus propias emociones. La obra de arte tiene entonces un sentido de búsqueda del propio yo, de invitar a la reflexión y a la introspección. El abstracto, en este caso, busca el alma de quien contempla el cuadro.

La sociedad siempre ha marcado a los artistas, en el caso de Rothko estuvo marcada por  la ciudad de Nueva York, que se ha convertido en la auténtica capital del mundo capitalista, no sólo a nivel financiero y empresarial, sino también en lo que respecta a las cuestiones culturales y, más concretamente, a las artísticas.

A finales de los años 40, Rothko elimina de su pintura cualquier elemento figurativo dando paso a su enfoque basado en los colores puros en el espacio.

A finales de los años sesenta, en medio de una crisis depresiva, pintó una serie de obras con pintura acrílica negra que evocaban su profunda melancolía. Incapaz de superar este estado de ánimo, terminaría suicidándose en 1970.

Sobre Victor Vasarely

Hola a todos!!! Puede que os sorprenda mi nueva entrada ya que la última tuvo lugar hace varios años...

Pero he vuelto con muchas ganas de seguir compartiendo con vosotros mi pasión por el arte.

Quisiera hablar del artista llamado Victor Vasarely, de origen Húngaro, a quien se le conoce como el padre del Op art. Aunque pasaría primero por las vanguardias y el cubismo constructivista hasta llegar a la Bauhaus. 

En 1930 se trasladó a París, donde trabajó como grafista. En esta ciudad es donde desarrolla la que se considera la primera obra del Op art, llamada Zebra: 

Durante los próximos años, Vasarely desarrolló un estilo propio del arte abstracto geométrico. Destacan en la mayoría de sus obras efectos de movimiento óptico, así como la complejidad de las formas representadas en sus obras, con imágenes inestables. Esto se conoce como arte cinético, con efectos que engañan nuestra visión, jugando con esos movimientos ópticos.

El teórico y líder del arte cinético recoge el mensaje de los grandes precursores constructivistas y de los maestros de la Bauhaus.

Anuncia y domina practicamente la totalidad de los movimientos que a partir de 1950 animarán el movimiento óptico-cinético en el mundo entero.

Es en estos momentos cuando creó un arte disponible para toda la sociedad y lo consiguió a través de la creación de obras de gran tamaño, integradas en la arquitectura y en el entorno urbano, utilizando procedimientos mecánicos como la serigrafía.

Casa Sarabhai

Después de tanto tiempo, hoy me animo con esta entrada.

Quería hacer una mención especial a esta casa, construída en 1954 por el arquitecto Le Corbusier. Se encuentra en la India y es importante comentar que debido al clima de esta región, el arquitecto decidió orientar la vivienda a favor del viento, para así controlar y mejorar la ventilación.

La casa Sarabhai tiene 2 pisos y tiene una planta fluída, debido a sus tabiques, que le confieren una gran libertad en el espacio.

Esta casa se estructura en un sistema de bóvedas, algunas de estas galerías están totalmente abiertas, permitiendo el paso del aire, mientras que la gran mayoría no, permitiendo de esta manera diversas estancias interiores. Se trata fundamentalmente de un conjunto de espacios habitables unidos entre sí que desembocan en el exterior.

Cabe destacar el tejado cubierto de césped y que tiene un tobogán que llega hasta la piscina del jardín (es genial).

P.D: ¿Quien no quisiera una casa con un tobogán que va desde el tejado hasta su piscina? (^_^)

Bibliografía: http://albaramirezarteaga.blogspot.com.es/

Sobre Paul Kuczynski

Hoy quiero dedicar la entrada a Paul Kuczynski, un artista que en sus obras plasma el arte satírico.

Este artista tiene una manera muy especial de criticar la sociedad a través de sus obras:

Panteón de San Isidoro de León

El Panteón de la Colegiata de San Isidoro de León se encuentra a los pies de la actual basílica, y era el lugar en el que se enterraron la mayoría de los reyes y reinas del reino de León (hubo hasta 33 miembros de la corte).

El hecho de que se encuentre fuera de la iglesia, es porque en el momento estaba prohibido enterrarse dentro de las iglesias (será hacia el 1100 cuando los sepulcros se pueden situar dentro de las basílicas).

Actualmente se encuentra desplazado, y esto se debe a que la basílica que tenemos hoy en día es fruto de varias construcciones posteriores. Pero el Panteón no se modificó como la basílica, sino que se dejó como en su consagración entre el 1063-1100.

El Panteón es un espacio rectangular que presenta 2 columnas robustas que dividen el espacio en 3 naves. Es como si se tratase de un del pórtico-galilea carolingio que aparece por ejemplo en las iglesias de Saint Riquier o Saint Benoit-sur-Loire.

Dicho Panteón presenta una espléndida decoración mural en todas sus bóvedas e intradós de los arcos, de hecho se dice que es la "capilla sixtina" de las pinturas románicas.

Tenemos escenas del Antiguo y Nuevo Testamento, como por ejemplo la matanza de los inocentes (zona amarilla), el pantocrátor (zona roja), o el famoso calendario agrícola (zona gris). También cabe destacar la temática que presentan los capiteles del Panteón, que llaman la atención por ser los primeros ejemplos del arte románico español que representan escenas evangélicas. Tenemos capiteles vegetales, otros con figuras zoomórficas o con temática historiada.

(Capitel Vegetal)

(Capitel historiado: curación del leproso)

En cuanto al contexto del Panteón, decir que Doña Sancha, esposa del rey Fernando I el Magno, persuadió a su esposos para que fuesen enterrados en el Monasterio de San Juan Bautista de León, que cambió el nombre por el de San Isidoro cuando se trasladaron los restos del Santo Sevillano al monasterio en el 1063.

Aunque años antes, el padre de Sancha (Alfonso V de León) ordenó trasladar los cuerpos de varios reyes y reinas que se encontraban por todo el territorio leonés con el fin de que yaciesen todos juntos en San Isidoro.

BIBLIOGRAFÍA:

*CONANT, KENNETH JOHN; Arquitectura carolingia y románica 800-1200, Ed. Cátedra, Madrid 1995

*ENCINA, MARÍA: Estudio antropológico del Panteón Real de San Isidoro de León, Vól. II, ProMonumenta, 1998

*PIJOÁN, J: Summa Artis, Vol.IX, Ed. Espasa Calpe, Madrid, 1944.

*http://www.sanisidorodeleon.net/

Sobre las Korai

El término Koré, plural Korai (griego, Κόρη "mujer joven"), es una tipología escultórica de la época Arcaica de la Antigua Grecia, que consiste en una estatua femenina en posición de pie, cuya versión masculina del mismo tipo se designa Kourós.

La koré denota una profunda influencia de la estatuaria egipcia.

La koré se esculpía en mármol, se representaba siempre de pie, vestida (con un peplospor ejemplo) y podía tener los dos brazos erguidos a partir del codo, portando en una o en ambas manos un objeto votivo. El rostro, estereotipado, cuyo objetivo no era ser el retrato de una persona real, estaba envuelto en cabello de una volumetría poco natural, como si tratara de una peluca. La estatua se pintaba, pero al contrario que el kurós ,que era pintado de color marrón, la piel femenina era coloreada de blanco.

Igual que los kuroí, las korai experimentaron una evolución formal a lo largo del tiempo, tornándose, en épocas posteriores, en una figura de formas más suaves y redondeadas, en las que el tejido de la ropa se ajustaba con mayor naturalidad al cuerpo. A partir de ese momento el cuerpo deja de tener el aspecto de haber sido tallado a partir de un bloque de contornos agudos, para parecerse más a una columna, donde las líneas eran más fluidas. Pero, al contrario que el kurós, que presenta siempre la misma tipología (hombre desnudo de pie), la koré se esculpía de variadas formas, sobre todo en lo que concierne a la indumentaria y al peinado, que reflejan la moda de las diferentes localidades donde se esculpía.

Las korai se empleaban como ofrenda votiva a los dioses o para ser colocada sobre un túmulo.

DIOSA DE BERLÍN (580-570 a.C)

HERA DE SAMOS (ca 570 a.C)

KORÉ 675 (510 a.C)

KORÉ 674 (decenio posterior a la anterior Koré)

Sobre la Sainte Chapelle

La Sainte Chapelle (ca 1245) ya pertenece al estilo de gótico radiante. Y es en estos momentos cuando ya no se llevan a cabo experimentaciones arquitectónicas, pues estas investigaciones se realizaron en otros momentos del gótico (primer gótico e incluso en el gótico clásico).

En este edificio se llevó al máximo la desmaterialización del muro, donde tenemos un amplio desarrollo del muro cortina (muro de vidrieras). Y es precisamente ésto lo que quisieron conseguir años atrás, en los inicios y desarrollo del gótico.

El nuevo estilo arquitectónico, quería construcciones altas pero también quería desmaterializar los muros cada vez más (y todo esto está relacionado con la búsqueda la catedral ideal, simbolizando también la Jerusalén Celeste).

Los edificios góticos pudieron crecer en altura gracias al muro botarell, que en un principio se encontraba debajo del tejado, a la altura del claristorio (tercer cuerpo de altura) y que permitía contrarrestar el peso de las bóvedas. Con el tiempo dejaron este muro botarell a la vista, porque sólo tenían que quitar el tejado. Y este muro botarell es lo que conocemos como ARBOTANTE, el elemento más característico del período gótico. Gracias al desarrollo de estos arbotantes, el edificio pudo crecer el altura, pero también desarrollar el muro cortina (las vidrieras), que también se fue ampliando.

En la Sainte Chapelle todas estas experimentaciones llegaron a su fin.

De hecho, si observais una fotografía de la Sainte Chapelle, vereis que NO tiene arbotantes...

Y os preguntareis por qué!!! Pues porque en esta capilla se llevó a cabo un sistema de TIRANTES, colocados entre la cubierta superior y el tejado, que proporcionaban los contrarrestos necesarios y la estabilidad del edificio sin la necesidad de colocar arbotantes. Estos tirantes realizados de hierro, se sustituyeron por unos de acero en la restauración del siglo XIX, momento en el que se dieron cuenta de como se sujetaba el edificio.

En esta fotografía de la planta de la Sainte Chapelle, vereis el ejemplo del sistema de tirantes, que iban de un contrafuerte a otro (es una perfecta obra de ingeniería, para que luego digan de los medievales...):

Y para finalizar os dejo este vídeo sobre la Sainte Chapelle, para que sigais disfrutando de este sueño...