viernes, 30 de mayo de 2008

Surrealismo: Salvador Dalí

El surrealismo es un movimiento de carácter pictórico perteneciente al s.XX definido por plasmar en los cuadros imagenes aparentemente reales pero extrañamente relacionadas y dando lugar a escenas oníricas, es decir, como si en una obra reflejásemos nuestros sueños. Aunque Salvador Dalí cultivó el surrealismo no fue el único, a pesar de ser el más representativo.
Para Dalí, la aparición de Gala (mujer del poeta Paul Eluard), marca un antes y un después en la vida del artista. La presencia de su padre y sus temores ante el sexo dejan paso a un artista de éxito en París (capital de arte mundial), que ingresa en el grupo surrealista y dado que su amante, Gala, le dará confianza en si mismo.


Algunas de las obras más representativas e importantes de Dalí serían las siguientes:


PREMONICIÓN DE LA GUERRA CIVIL


La guerra civil estalló en España en 1936 y Dalí y Gala abandonaron el pais. El pintor terminó Construcción blanda con albaricoques hervidos ese año, y añadió a la obra el substítulo de Premonición de la guerra civíl. Sin embargo no lo hizo para resaltar sus dotes adivinatorias, sino probablemente para añadir valor e interés al cuadro valiéndose de la actualidad política internacional.Esta obra es de las pocas que relacionó con conflictos bélicos o políticos.


LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA

Dalí concibió una de sus obras más célebres tras merendar unos trozos de queso camembert en Pot Lligat. La escena está dominada por un crepúsculo en el que se ven unas formas rocosas de la costa catalana y un olivo sin hojas. El azul cielo y el color arena de las rocas crean una sensación escenográfica. Al recordar el queso, Dalí dió con la idea que estaba buscando y que se materializó en los relojes blandos o derretidos. Estos 3 relojes derretidos están acompañados por un reloj duro y de otro color, cubierto de hormigas. La contraposición de lo duro frente a lo blando adquiere una connotación muy sexual en la obra.



Para ver otras obras características del pintor, observar con atención el siguiente vídeo:


martes, 27 de mayo de 2008

Jackson Pollock

Pollock llevó el expresionismo abstracto hasta sus últimas consecuencias y, con su técnica de dripping, el goteo de pintura utilizando bastones y botes con agujeros, le abrió nuevos horizontes al arte pictórica.
También cambió radicalmente la relación del artista con el cuadro: lo colocaba en el suelo para poder tratarlo desde todos sus ángulos.
Pero no se puede entender el lenguaje pictórico de Pollock y su salvaje expresión sin concoer al artista: al parecer fue un rebelde empeñado en triunfar con la abstracción pura, pero también un neurótico que sufrió importantes depresiones, un mujeriego y un alcohólico violento, grosero e irreverente...A pesar de todo y dando una visión totalmente subjetiva, es un pintor fabuloso y todo un artista que descubrió otra manera diferente de representación.
Veamos ahora algunas de sus obras:


Y para finalizar observar el siguiente vídeo con atención, a mi me parece fantástico porque podemos ver al propio Jackson Pollock en acción!!!





(Por cierto el color de la letra no es mera coincidencia...)

domingo, 25 de mayo de 2008

Pintura abstracta del s.XX

La pintura abstracta prescindió de los elementos figurativos y rompió radicalmente con la realidad sensorial para concentrar la fuerza expresiva en las formas y colores. Algunos de sus miembros se dejaron guiar por la inspiración y otros prefirieron centrarse en las relaciones matemáticas.
A continuación voy a citar a mis 2 pintores favoritos que se encuadran perfectamente en este tipo de pintura abstracta:

KANDINSKY
Kandinsky tuvo un importante papel como formador de futuros pintores en la Bauhaus (podeis ver una buena información sobre la Bauhaus en el siguiente enlace de iniciarte) y como teórico del arte.
Los cuadros de Kandinsky pueden ser leídos desde diferentes aproximaciones: en un primer momento el espectador se ve sacudido por la violenta expresividad de las formas y colores, y los percibe emocionalmente; a continuación, puede empezar a descodificar los diferentes elementos y permitir, de este modo, que entre en juego el intelecto.
Esta obra de Kandinsky llamada Composición IV representa una batalla entre caballeros en un país de hadas y, al mismo tiempo, una lucha entre elementos pictóricos.
La pintura está dividida abruptamente, en el centro, por dos gruesas líneas verticales negras. En la parte izquierda vemos la expresión de violentas emociones a través de líneas enredadas, afiladas y desiguales. En la derecha, todo está en calma y las formas y colores se distribuyen en armonía.
Una primera lectura introduce una escena inspirada en un cuento fantástico en la que 2 líneas divisorias son 2 lanzas sostenidas por dos cosacos con sombreros rojos (las siluetas de los cuales se adivinan con dificultad).Junto a ellos, a la izquierda, se encuentra un cosaco de barba blanca con una espada violeta. Las 3 figuras están de pie frente a una montaña azul coronada por un castillo.
En la mitad derecha se distinguen dos amantes que se reclinan entregados a su amor y son observados desde la ladera de la montaña amarilla por dos figuras envueltas en túnicas.
............................................¿Ahora lo ves?......................................


MONDRIAN
Este pintor holandés teció una leyenda sobre su vida: contaba unicamente los hechos que creia oportunos y destruyó toda la correspondencia recibida y muchos documentos de su juventud. Fue llamado con frecuencia "sacerdote al servicio de la superficie blanca", el cual no le desagradaba.
El tema de esta obra llamada Tableau II de Mondrian representa cuadrados y rectángulos de diversas medidas que acogen masas de color blanco, negro o de algunas de las colores primarias, separados por gruesas líneas negras.
Los cuadros y composiciones del artista holandés no tomaban como punto de partida el objeto (el referente extraído de la realidad), sino el elemento surgido de las propias leyes plásticas.
El principio compositivo de esta obra reside en la subdivisión calculada del plano a partir de líneas horizontales y verticales, esto es, un ángulo recto.
La ausencia de una forma central en la que el espectador pueda fijar la vista, permite que cada elemento cobre protagonismo: vistos por separado son puramente estáticos, pero al observarlos en conjunto la composición se vuelve dinámica.
Los recuadros de color se juntan, pero son redistribuídos opticamente por los rectángulos blancos estratégicamente colocados, que sugieren una estructura helicoidal y un movimiento circular. El delgado rectángulo amarillo de la forma inferior alarga visualmente la composición y acentúa la sensación de movimiento centrífugo.

sábado, 24 de mayo de 2008

Escultores contemporáneos

A continuación voy a nombrar una serie de escultores contemporáneos que son dignos de mención: Juan Muñoz, Paco Leiro y Jorge Oteiza entre otros.



JUAN MUÑOZ

Nació en Madrid en el año 1953 y murió en Ibiza del año 2001, y fue un famoso escultor español.
A comienzos de los años noventa, comenzó a producir obras de carácter narrativo. Sus instalaciones invitan constantemente al espectador a relacionarse con ellas ( y como no, sacarse alguna que otra foto). Las figuras ganan discreción con colores como gris plomo, o color cera.
Como materiales utilizó fundalmentalmente resina, bronce y papel maché.



















JORGE OTEIZA

Nació en Guipúzcua en el 1908 y murió en el mismo lugar en el 2003, fue un escultor español de origen vasco.
En sus obras se combinan elementos arcaicos con otros vanguardistas, y como materiales emplea tanto la piedra como el hierro.
Sus primeras obras son de tipo figurativo, aunque finalmente evoluciona hasta la abstracción. Para Jorge Oteiza el cuadrado y la esfera son las figuras básicas de su reflexión sobre la relación entre volumen y espacio.
Considerado como uno de los pioneros de la escultura de tipo abstracto en España.
















PACO LEIRO

Nació en Cambados (Pontevedra, Galicia) en el año 1957. Proviene de familia de artesanos y es cuando inicia el oficio de cantero de la mano de su padre. Conoce la madera y el hierro, asi como el granito del país.
Sus obras aparecen en lugares públicos: estación de RENFE en Vigo, Institutos de Enseñanza.....Aunque también tiene algunas obras en museos de arte moderno de todo el mundo, puesto que las grandes instituciones y colecciones públicas disputan por ellas.
Todas las materias son válidas para sus formas, algunas veces indefinibles, pero la madera es sin duda el material donde mejor se expresa.























((Este post fue realizado bajo las sugerencias del blog iniciarte. Espero que le gusten los resultados.))

miércoles, 21 de mayo de 2008

Esculturas del s.XX

La escultura de esta etapa se caracteriza por la ruptura de los artistas con los valores tradicionales del s.XX

Aunque no solo afectaron los valores, sino que también cambiaron las formas, las técnicas y los propios principios de la escultura tradicional.
Por otro lado aparecen nuevos materiales, como pueden ser plásticos o metálicos, lo que lleva a utilizar nuevas técnicas.
Las formas de representación ya no tienen que ser figurativas, puesto que se crean esculturas abstractas.
Otro elemento importante a destacas será la plasmación del propio movimiento real en la escultura.



CONTINUIDAD EN EL ESPACIO


Esta escultura fue realizada por Umberto Boccioni, perteneciente a los s.XIX-XX. De estilo futurista, cuya técnica es el bronce. Boccioni fue escultor, pintor y el principal teórico y líder del futurismo. Está considerado como uno de los máximos innovadores de la escultura de las primeras décadas del s.XX por su aplicación a este arte de los principios distintivos del futurismo plástico: la expresión del dinamismo, la expansión de los cuerpos en el espacio y la síntesis de distintos planos. La utilización y combinación de distintos materiales para sus obras fue seguida por artistas como Picasso, Duchamp y gran parte de la escultura posterior. Esta es la escultura más significativa de toda la escultura futurista. No es la simple representación de un cuerpo antropomorfo y marcial, sino la acción de ese cuerpo dinámico en el espacio.


PÁJARO EN EL ESPACIO

Esta escultura fue realizada por Constantin Brancusi, perteneciente a los s.XIX-XX. El material utilizado es el bronce. Brancusi aprendió en su tierra natal los oficios de ebanista y forjador de metal que le permitieron un buen dominio técnico en el tratamiento de los materiales. Brancusi aspira a captar la esencialidad, las formas primordiales que encarnan lo universal, a través de formas estilizadas y elementales. Los soportes escultóricos no cumplen la simple función de pedestales, sino que forman una unidad indisociable con las esculturas: modifican la percepción, integrándose en ellas.

(( Interesantes esculturas, verdad?))

domingo, 18 de mayo de 2008

Casa Kaufmann

Desde 1928 hasta 1935, Wright atravesó un mal momento en su carrera profesional. Con casi 70 años de edad, llegaría a la Casa de la cascada o Casa Kaufmann y el inicio de su segundo y prolífico renacimiento, el reconocimiento internacional y su éxito. Esta etapa culminaría con otra obra de excepción, producto de su procura de un espacio continuo, el museo Guggenheim de Nueva York.



La Casa Kaufmann o Casa de la cascada fue diseñada en un solo dia, que fue un encargo de la familia Kaufmann a Wright para construir su segunda residencia; Edgar Kaufmann deseaba construirla cerca de la cascada, donde, sobre sus rocas, acostumbraba tomar el sol. ¿Por que no situar el edificio sobre la misma cascada? La original propuesta fue adoptada practicamente sin cambios. En el futuro, esta casa simbolizaría el ideal de Wright de fusión entre arquitectura y naturaleza.

EXTERIOR
La casa consta de 3 plantas, dispuestas de forma graduada para salvar los desniveles de las terrazas de roca que flanquean el salto de agua y que ejercen de cimientos del edificio.
La planta baja se asienta directamente sobre la roca natural que forma la base de la chimenea, y se prolonga con una impresionante terraza suspendida horizontalmente sobre la cascada; crea así la ilusión de que el salto de agua surje de las entrañas del edificio.
El exterior brinda la integración con la redonda: la naturaleza que rodea la vivienda invade la construcción, mismo la piedra natural de las paredes recuerda las rocas del río.
Los grandes ventanales de carpintería de aluminio y cristal que se abren a las terrazas prolongan el espacio interior en una comunicación interrumpida con el paisaje circundante.

INTERIOR

La chimenea excavada en la roca y también el punto principal de articulación del espacio interior.
El andar de abajo tiene una gran sala de estar y la cocina; arriba se encuentran los dormitorios.La disposición interna de cada andar queda absolutamente libre sin ninguna estructura reguladora predeterminada.
El concepto de espacio es centrífugo: en vez de trazar el espacio exterior directamente, el arquitecto diseña primero el espacio interior, y es esto lo que se expande hacia el exterior definiéndolo, siempre en estrecha relación.

Sin duda es lo mejor que he visto en arquitectura del s. XX
Me parece una vivienda ideal, me encantaría poder visitarla en Pensilvania(EUA)
¡Es preciosaaaaa!




jueves, 15 de mayo de 2008

La Villa Saboya

La Villa Saboya es la plasmación de lo que Le Corbusier (Corbu para los amigos) entendía por arquitectura: una técnica al servicio del ser humano, el cual debe disponer de un espacio donde desenvolver dignamente su existencia. Para esto, el arquitecto debe aplicar los preceptos básicos del racionalismo y combinarlos con los logros de la sociedad industrial.





EXTERIOREn su aspecto exterior el edificio se parece a una gran caja elevada sobre el terreno mediante una serie de pilotes (pilares de hierro cilíndricos). Tales pilares forman una estructura reticular que permite el movimiento de un vehículo entre ellos, de modo que sus pasajeros pueden acceder directamente a la puerta de la casa.
La construcción, enteramente pintada de blanco, se encuentra situada en el centro de un amplio jardín, la belleza del cual puede ser admirada desde la ventana horizontal que se desplaza y que rodea todo el edificio en la primera planta.


PLANTA e INTERIOR

La forma casi cuadrada de plana tiene un aprovechamiento diferente segundo los distintos niveles. En la planta baja, el espacio interior se ve reducido a un "U" que contiene el garaje, vestíbulo y zona de servicio. Una rampla, verdadera columna vertebral de todo el edificio, conduce a la primera planta destinada a la vivienda. En ella se encuentra el comedor, sala de estar, dormitorios, cocina, baños y una terraza-jardín. Por último, siguiendo el recorrido de la rampa, se sube a la azotea, concebida como un solar y como continuación del jardín de la primera planta. Las paredes de formas arredondadas recuerdan a las chimeneas de un gran trasatlántico.

CONTENIDO

La Villa Saboya aplica los 5 principios fundamentales que Le Corbusier enunció en un intento por definir la nueva arquitectura:
*Planta libre
*Pilotes
*Libre formación de la fachada
*Ventanas continuas
*Terrazas ajardinadas


Ahora adentraros en esta fantástica casa mediante el siguiente vídeo, espero que os guste:



martes, 13 de mayo de 2008

Antoni Gaudí

Antoni Gaudí nació en el año 1852 y es el máximo representante de la arquitectura modernista catalana. Se formó como arquitecto, en pleno historicismo, durante el auge de los revivals históricos, especialmente el neogoticismo del arquitecto francés Viollet-Le-Duc, quien recuperó la lógica constructiva del gótico. La otra gran tendencia que marcó su contexto histórico fue el Art Nouveau, modernismo en Cataluña, que coincidió con la emergencia de la conciencia nacionalista.
Gaudí intentó superar las limitaciones de lo gótico estructural recurriendo a la naturaleza (no solo por su potencial ornamental, sino por su capacidad creadora de estructuras). Gracias a la geometria, configuró una nueva arquitectura a base de sinusoides, paraboloides, hiperboloides...



A continuación podremos ver algunas de sus obras:


*CASA BATLLO
















*LA SAGRADA FAMILIA






















*CASA MILÀ o LA PEDRERA














Ahora observar este vídeo con más detalle:


sábado, 10 de mayo de 2008

Pintura del s.XX

En la pintura del s.XX destacan la aparición de los "ismos": expresionismo, cubismo, surrealismo, dadaísmo, futurismo...

Podemos enumerar una serie de características de las diferentes tendencias de la pintura del s.XX:

EXPRESIONISMO

Influenciados por la obra de Munch, en vez de querer reflejar el aspecto, la anatomia...de los individuos prefirieron centrarse en la expresión de los sentimientos y las emociones humanas. Su técnica pictórica es semejante a la de los fauvistas.



SURREALISMO

Los pintores surrealistas, muy influenciados por las teorías psicanalíticas, se propusieron plasmar los fenómenos subconscientes (como en los sueños) enterrados por la consciencia.

CUBISMO

Los cubistas buscaron la percepción total de los objetos, y para conseguirlo tuvieron que romper con las leyes de la perspectiva vigentes en la pintu.a desde el Renacimiento. Tampoco quisieron respetar los colores reales de los objetos.

FAUVISMO

Su nombre proviene de la violencia de sus colores. El cromatismo de las obras de Gauguin y Van Gogh influenciaron considerablemente a los pintores de esta etapa. Para ellos el uso del color no dependia de la forma ni tenia por que adecuarse a los objetos reales.

HIPERREALISMO


El hiperrealismo quiere captar la realidad con la máxima fidelidad, como si se tratara de una fotografía.

PINTURA ABSTRACTA


La pintura abstracta prescindió de los elementos figurativos y rompió radicalmente con la realidad sensorial para concentrar la fuerza expresiva en las formas y colores. Algunos de sus miembros se dejaron guiar por la inspiración y otros prefirieron centrarse en las relaciones matemáticas.

(( La pintura de esta etapa es interesante, verdad?¿ ))

martes, 6 de mayo de 2008

Arte del s.XX

El arte del s.XX viene profundamente marcada por un agitado contexto histórico: las 2 guerras mundiales(precedida de la guerra civíl española) que hacen realidad los horrores más inimaginables; la revolución Rusa, que preconiza un nuevo sistema de organización política y social.Al final del s. XX vive la incerteza económica internacional y la incerteza política, con una recomposición de la orden mundial en favor de los EE.UU

ARQUITECTURA

La arquitectura de este siglo se caracteriza porque tiene sus raíces en los siglos anteriores, de los cuales recoge los nuevos materiales y también algunas técnicas de las cuales podemos decir que existe la arquitectura contemporánea.Sin embargo el tipo de construcción que se desarrolla en este período no es una simple continuación del s. XIX sino que se tienen en cuenta caminos innovadores.

ESCULTURA

La escultura de esta etapa se caracteriza por la ruptura con los valores tradicionales, y no solo los valores, sino las formas, las técnicas asi como los propios principios de la escultura tradicional.
Aparecen nuevos materiales plásticos o metálicos. Las esculturas ya no tienen porque representar a figuras, sino que se empiezan a desenvolver esculturas abstractas.
(( el arte de este siglo me encanta...diría que el que más!!))

viernes, 2 de mayo de 2008

Goya: 2 y 3 de Mayo

Francisco de Goya y Lucientes nace en 1748 en un pueblo de Zaragoza .Hasta los 40 años se limita poco más que a pintar escenas costumbristas.
Posteriormente sería elegido como pintor del rey Carlos III, y después del rey Carlos IV.
Pero sobre 1790 contrae una enfermedad que le deja sordo, devido a esto la pintura de Goya ya no volverá a ser la que era, ya que en las obras en donde predominaban las representaciones de una visión optimista y agradable de la vida, cambiarán a una visión pesimista en donde predomina el dolor y la angustia.
Su biografía está situada entre 2 épocas históricas: el Antiguo Régimen con sus monarquías absolutas y el Régimen liberal, nacido de los principios revolucionarios franceses.

OBRAS DE TEMA PATRIÓTICO
Hoy haré alusión a este tema en concreto ya que se trata de un dia señalado a lo largo de la Historia.

((La lucha contra los mamelucos o 2 de Mayo))

La guerra de la Independencia supone para Goya un aterrador dilema. En el centro de la composición, un mameluco, soldado egipcio bajo las órdenes francesas, cae muerto del caballo mientras un madrileño continúa apuñalándole y otro hiere mortalmente al caballo. Al fondo, las figuras de los madrileños acuchillan con sus armas blancas a jinetes y caballos mientras los franceses rechazan el ataque e intentan huir. Es significativo el valor expresivo de sus rostros y el de los caballos, cuyo deseo de abandonar el lugar se pone de manifiesto en sus miradas.

((Los fusilamientos de la Moncloa o 3 de Mayo))

Esta obra representa los fusilamientos del dia siguiente, cuando en plena noche los soldados franceses ejecutaron a los civiles sublevados. La composición se organiza a partir de la iluminación con una función obviamente dramática. El modo de componer la escena determina las características de los 2 grupos protagonistas: por un lado los que van a ser ejecutados, ofreciendo su cara al espectador y al grupo de verdugos; y por otro lado se encuentran los soldados franceses apuntando con sus armas.

Quería hacer un pequeño homenaje a este artista para estos 2 dias tan señalados, y aunque Goya no me agrade demasiado, hay que admitir que fue todo un pintor!!

jueves, 1 de mayo de 2008

Dia del trabajador

En primer lugar quiero aclarar que el dia del trabajo o trabajador es la fiesta del movimiento obrero mundial.Tiene sus orígenes devido al Congreso Obrero Socialista de la Segunda Internacional, que se celebró en París en el año 1889 y que fue una lucha reivindicativa.A partir de entonces quedó oficialmente el 1 de Mayo como dia del trabajo o trabajador.

A lo largo de la Historia del Arte, el tema de los trabajadores no tuvo importancia.Pero a partir de mediados del s.XIX empezó a tener un gran protagonismo. Es en esta etapa cuando el mundo del arte empieza a interesarse por los temas más cercanos al pueblo.Es entonces cuando una seria de pintores(fundalmentalmente franceses) empezaron a reflejar en sus obras la dureza y el cansancio del trabajo de los obreros y demás trabajadores. Como ejemplo tenemos a un cuadro del pintor Millet llamado "Las espigadoras", en el cual tres campesinas se encuentran recogiendo trigo agotadas y fatigadas bajo el sol. En mi opinión esta obra de Millet refleja perfectamente las condiciones del duro trabajo de las clases campesinas, a las que le concede un fuerte protagonismo en sus obras.

Por último quiero mencionar que me inspiré en la última entrada del blog ¡que de arte! para recopilar alguna información que me serviría de ayuda con mi entrada,gracias.

.....FELIZ DIA DEL TRABAJADOR.....