Fachada norte de la Catedral de Santiago

La fachada norte también conocida como azabacherías era de estilo románico, pero en 1757 se decidió sustituirla por otra que llenase los gustos de la época, debido a un incendio. Algunas de las figuras que se encontraban en esta fachada y que fueron rescatadas, se encuentran hoy en Platerías. El incendio que se originó en el siglo XVII provocó la sustitución de la fachada románica por otra que se adaptase a los gustos neoclásicos de la época (aunque hoy en dia tenemos una mezcla de estilos en esta propia fachada): -1º cuerpo de altura: es de estilo barroco. Tenemos unos podiums donde se apoyan las columnas, y en estos podiums cabe mencionar las placas. -2º cuerpo de altura: en este cuerpo la decoración queda reducida a una temática propia del mundo neoclásico: los medallones. Es cierto que volvemos a tener unos podiums donde se apoyan las columnas, pero esta vez son lisos. -3º cuerpo de altura: lo verdaderamente neoclásico es este cuerpo de altura, es decir, el "ático". Nos encontramos acróteras que terminan este cuerpo final. La fachada de azabacherías constituye uno de los primeros ejemplos de arte clásico de Galicia (aunque elementos neoclásicos y barrocos conviven bajo la misma fachada). *Sobre los principios teóricos del neoclasicismo: -Es un arte basado en reglas -Arte con una función edificante y moral (estoicismo, sacrificio y patriotismo). -Tiene que tener una finalidad didáctica (no tiene ninguna finalidad religiosa, sino ética). *En cuanto al lenguaje plástico: -Defesensa de la línea recta frente a la curva (la curva predominaba en el mundo del barroco). -La proporción y simetría son los principios que dominan el mundo del neoclasicismo. P.D: seguro que muchos de los que han leído este post, no sabían que esta fachada era neoclásica... P.D2: FELIZ AÑO A TODO EL MUNDO!!!

Vidrieras de la Catedral de León

El pasado viernes 18 de diciembre, tuve la oportunidad de realizar una mini-excursión con la gente de mi clase para visitar mi humilde tierra Leonesa (no era la primera vez que iba). De todas formas, cuanta más experiencia y conocimientos tengas sobre el tema, más disfrutas de la estancia. Y esto fue lo que me pasó al entrar por 2º vez en la catedral, pues me quedé atontada con tanta belleza. No paraba de mirar los 3 cuerpos de altura: arcada, triforio y claristorio. ......................................................................................................... Ahora hablemos de las vidrieras de dicha catedral: -El desarrollo técnico de las vidrieras, proceso que conlleva un nuevo concepto simbólico de la luz y una nueva valoración e interpretación de los programas iconográficos, corre paralelo a la evolución de la arquitectura gótica. -El origen de las vidrieras de la catedral de León, al igual que ocurría con la arquitectura y la escultura, debe rastrearse en la vidriera francesa, pues nos remite a los modelos de las catedrales de Reims o Amiens. -Las treinta y una ventanas que componen el claristorio crean la mayor superficie traslúcida de la catedral, cerrada con vidrieras de los siglos XIII y XV de variada temática. Aunque es cierto que algunas de estas vidrieras fueron restauradas en el s. XIX -Nos encontramos con distintos temas: bíblicos, heráldicos, vegetales. A continuación unas imágenes para ilustraros: -DETALLE DE LOS 3 CUERPOS DE ALTURA: ARCADA, TRIFORIO Y CLARISTORIO -DETALLE DE UNO DE LOS ROSETONES + VIDRIERAS (formadas por 2 lancetas y un mini rosetón) -DETALLE DE VIDRIERAS DE UNA CAPILLA DE LA CABECERA -DETALLE DE UNA VIDRIERA -SUPER DETALLE DE UNA VIDRIERA P.D: preciosa catedral, preciosísima!!

Caspar David Friedrich

Caspar David Friedrich (1774-1840) fue el principal representante de la pintura romántica alemana. Fue educado según la confesión protestante de su familia. Varios fallecimientos ocurridos en su familia a lo largo de su infancia-juventud le indujeron a que se ocupase intensamente en el tema de la muerte. En cuanto a su temática, hay que destacar que "la pintura es un instrumento para hablar con Dios": -gusto por el paisaje, donde tenemos la nimiedad del hombre frente a la naturaleza. -la iluminación es iridiscente, crepuscular. -presencia de pocas figuras, y situadas de espaldas. .................................................................................................................................. Ahora hablemos de algunas de sus obras: -MONJE A LA ORILLA DEL MAR- (1808-1810) Se rompen las líneas de la composición. Destaca lo infinito, lo sublime. Nos ofrece la "nada", el vacío (que sin embargo todo lo llena). Tenemos un cielo que abarca toda la obra, asi como el mar negro. Tenemos la insignificancia del hombre frente a la naturaleza (tema que repetirá constantemente). Esta obra está inspirada en la obra Vista de Delf de Vermeer (barroco holandés). Volviendo a la obra de Friedrich, decir que en un primer plano tenemos una figura que por sus vestiduras deducimos que se trata de un monje. Se dice que pertenece a la orden de los capuchinos. Aparece como pensativo. -ABADÍA EN EL ROBLEDAL- (1808-1810) Aqui se nos representa la fugacidad de la vida y la presencia de la muerte (encontramos el paso a otra vida, por eso no nos muestra esta obra de manera aterradora, pues la muerte sólo es un paso y no el fin). Es una composición donde TODO está perfectamente ordenado. La formación académica es el principio de dicha obra. Por otra parte tenemos la presencia de una luz crepuscular, que habla de la esperanza. -OCÉANO GLACIAR- (1823) Debe considerarse una obra programática. Es la cumbre de todas las preocupaciones del pintor. Es una pintura un tanto compleja, sobre todo por su composición. En esta obra vemos la belleza de un océano glaciar. Destaca un gran dramatismo en la obra, que entra en contacto directo con el espectador. El centro del cuadro está presidido por grandes bloques de hielo que sepultan parte del barco. Tenemos la celebración del eterno poderío de la naturaleza (dentro del estilo sublime). Por otra parte, hay que mencionar la importancia de los colores, que tienen un cierto carácter divino (sobre todo los blancos). P.D: espero que os haya gustado este post, la verdad es que Friedrich fue un gran artista!! Adoro su pintura (es cierto que no he comentado algunas de sus obras más conocidas, pero de esta manera también conoceis otras).

Sobre el Romanticismo

Hoy vamos a hablar sobre el movimiento romanticista con respecto a la pintura. Pero empecemos con una breve introducción sobre el romanticismo: -Neoclasicismo y Romanticismo van a ser 2 corrientes que se desarrollen al mismo tiempo. -El Romanticismo es un movimiento artístico que surge como reacción al Neoclasicismo. A pesar de ello, va a vivir del pasado (pero no del mundo antiguo como hacían los neoclasicistas, sino del mundo MEDIEVAL). Por tanto tenemos una mirada hacia la baja Edad Media (subrayando la herencia cristiana). -Otra característica del movimiento romanticista es que no se va a desarrollar de la misma manera en todos los lugares. -Más que un movimiento pictórico, estamos hablando de un modo de vida (pues también afectó al mundo literario y al musical). Hablando de los principios de la pintura romántica, hay que mencionar: -Pincelada suelta, libre, expresiva, de tonalidades cálidas y luminosas con toques de vivacidad. Pintura extravagante, llamativa. -Predominio del COLOR sobre la LÍNEA. -Composición libre, es decir, ruptura con el orden y equilibrio. -Perspectiva enfática: aquella que busca confundir al espectador (normalmente actúa con varios puntos de vista). -Temática: pasión por los sentimientos, por el individuo y naturaleza. El PAISAJE empieza a tener valor por si mismo. Ya no será el simple fondo de la composición. -La estética del movimiento romántico tendrá como objeto artístico las experiencias del creador (ahora entendido como un sujeto activo). -NO se rige por una formulación de principios o de normas. Acude a la "introspección", a la sensibilidad del YO (no se configura como un movimiento monolítico). -Existe la búsqueda de lo onnírico, de lo espirital (FRIEDRICH en Alemania). También tenemos una búsqueda de la fantasía por parte del autor (GERICAULT en Francia), así como la búsqueda de lo literario. Por último quería comentar que según Gërard de Lairesse: "cualquier cosa que nos llame la atención, es digna de ser pintada". P.D: continuaré hablando del romanticismo con diversos pintores de esta tendencia.

"Hoja Morgan" de la biblia de Winchester

Hoy vamos a hablar sobre la miniatura inglesa. Y como ejemplo os voy a poner esta maravilla, que recibe el nombre de "Hoja Morgan" de la biblia de Winchester. Fue Enrique de Blois quien realizó esta miniatura. En 1171 muere, quedando la biblia sin terminar. Pero lo único que ha llegado hasta nuestros dias ha sido esta hoja. En esta miniatura se representa la historia del rey David. Nos encontramos con 3 registros. Cabe destacar el inferior, donde vemos el velo de timantes: el rey David se tapa con su manto rojo el rostro al recibir la noticia de que su hijo había fallecido (se habia enredado el pelo con las ramas de un árbol, y fue entonces cuando el enemigo aprovechó para clavarle una lanza...). El dolor que alcanza un padre al saber que su hijo está muerto es inexplicable, por eso se ha decidido tapar el rostro del rey David de esa manera. Por otra parte, es importante destacar en esta miniatura la importancia del color tonal: los colores se gradúan con pequeños "toques" de blanco (NO se trata de un sombreado como pasaba en épocas anteriores). Lo que importaba eran los personajes, y por esta razón el fondo y la decoración vegetal son prescindibles (a no ser que hicieran falta para narrar la hisoria, como pasa con el hijo del rey David). P.D: conclusión, ¿a quién NO le gustaría tener una hoja como ésta?

Sobre Mark Rothko

Mark Rothko (1903-1970) fue un pintor y grabador nacido en Letonia, que vivió la mayor parte de su vida en los Estados Unidos. Ha sido asociado con el movimiento contemporáneo del expresionismo abstracto. En 1925 inició su carrera como pintor en Nueva York de modo autodidacta. A partir de 1947 su estilo cambió y comenzó a pintar grandes cuadros con capas finas de color. Al pasar los años la mayoría de sus composiciones tomaron la forma de dos rectángulos confrontados y con bordes desdibujados por veladuras. Son frecuentes los grandes formatos que envuelven al espectador, con la finalidad de hacerle partícipe de una experiencia mística, ya que Rothko daba un sentido religioso a su pintura. Al final de su vida sus cuadros son de tonalidades oscuras, con abundancia de marrones, violetas, granates y, sobre todo, negros. Y ahora un vídeo sobre este fantástico artista: P.D: cada día me gustan más sus obras...(si, tengo debilidad por el movimiento abstracto!!). Sólo espero que podais apreciar estas maravillas tanto como yo.

Dánae de Tiziano

Para empezar voy a comentaros una pequeña introducción de su formación: *Tiziano llegó a Venecia cuando tenía 10 o 12 años aproximadamente. *Sus inicios están unidos al taller de Sebastiano Zuccato, pero pronto se mudó al taller de Bellini. Quedaría en deuda con él, pero finalmente tuvo un acercamiento con Giorgione (que representaba la vanguardia del arte contemporáneo veneciano). *Giorgione había combinado el poderodo colorido de Bellini con el realismo tonal de Leonardo Da Vinci para crear un mundo fugaz y menos estático. *Tiziano hizo de este estilo el suyo, pero aportando una personalidad artística más sólida, que tras la muerte de Giorgione en el 1510, le proporcionó la suficiente capacidad de liderazgo: siendo el máximo representante de la escuela veneciana (se convirtió en la sede del color frente a Roma y Florencia que fueron las sedes del dibujo). -DÁNAE- Forma parte de una serie de cuadros de tema mitológico (basados en la metamorfosis de Ovidio), encargados por el rey Felipe II, que llamó "poesias": que exige creatividad y cierta licencia al interpretar las fuentes. Los dioses representan metáforas de sumición ciega del hombre al destino y a las fuerzas fuera de su control. -PASAJE MITOLÓGICO: Dánae fue encerrada en una torre por su padre, por miedo a una terrible predicción, según la cual, su nieto le mataría. Estando Dánae en la torre, se le apareció Zeus metamorfoseado como lluvia dorada para poder llegar hasta la doncella. Fue entonces cuando concibieron a Perseo, quien mató a su abuelo (aunque fue por accidente). La obra capta un momento concreto del pasaje mitológico, y lo desarrolla con un notable dinamismo. El dios llega en forma de lluvia de oro para seducir a la hermosa dama, y la sirvienta (que es la que está a su lado) se inclina rapidamente para recoger las monedas de oro (Zeus metamorfoseado), dejando claro que Dánae va a aceptar la proposición de éste. Ya que el cuerpo de Dánae simboliza la acptación del destino implacable. Podemos trazar una diagonal de la cabeza a los pies de Dánae, y en donde podemos señalar la pierna que abre y estira, adquiriendo un movimiento sensual que nos remite a una mejor acomodación para la visita de Zeus. La Dánae es la protagonista indiscutible de la obra, iluminada por una luz sobrenatural, que contrasta con la sirvienta y el resto de la composición. Ya que esta obra no destacan los trazos ni el dibujo, sino la luz y el tratamiento del color. Su habitación es un espacio oscuro, con cortinajes rojos haciendo de dosel del lecho. P.D: esta va a ser mi parte del trabajo de arte moderna, para la exposición del 2 de diciembre.

Jacques Louis David: La muerte de Marat

Jacques-Louis David fue un pintor francés de bastante influencia en el estilo neoclásico. Buscó la inspiración en los modelos escultóricos y mitológicos griegos , basándose en su austeridad y severidad, algo que cuadraba con el clima moral de los últimos años del antiguo régimen. Su formación la adquiere fundamentalmente en Roma, donde aprende de los modelos clásicos. Una de sus obras culminantes es "LA MUERTE DE MARAT": Un horrible crimen se convierte en arte para siempre!! Marat era hijo de una suiza y padre español. Este hombre fue un gran médico (aunque compró el título....) y físico. Desempeñó cargos importantes dentro del partido Jacovino. De aquella se pensaba que matando a Marat, conseguirían tener el poder. El artista representó a Marat en una bañera, porque éste tenía una enfermedad en la piel, y el único sitio donde se encontraba mejor era dentro de la bañera (con agua). Marat era un hombre de gran humildad, y esto se refleja en el cajón de madera que utilizaba como escritorio). La obra está realizada a partir de un boceto y tiene sus influencias como por ejemplo: -Piedad vaticano- Miguel Ángel -Entierro de Cristo- Caravaggio Y esto se explica, teniendo en cuenta que el artista trata de identificar la figura de Marat con la de Cristo. Esto sólo es una teoría más, pero si nos fijamos en la figura de Marat, vemos como está envuelto en una sábana blanca tras su muerte, como aparecen los Cristos de las otras obras. Por otra parte no existe ningún motivo religioso: tras la muerte queda el vacío (vemos como en la parte superior del cuadro de la obra se refleja la nada). Y por último destacar el dibujo sobre el color. *Flecha amarilla: sábana blanca donde se encuentra el cuerpo inerte de Marat. *Flecha rosa: señala la puñalada en el cuerpo de Marat, y el cuchillo que le dió muerte (por asesinato). *Franja roja: señala una nota que sostiene Marat en su mano, y que dice asi: '13 de Julio de 1793: Marie-Anne-Charlotte Corday a la ciudadana Marat: "Suficiente es para mi ser realmente desgraciada de tener un derecho a tu amabilidad". *Franja naranja: tenemos una pluma con un tintero, y otros papeles encima del cajón que le servía de escritorio. *Franja azul: tenemos el nombre del muerte y la propia firma del artista. Nos puede recordar a una esquela.

Evolución: columnas adosadas

He de admitir mi pasión por la arquitectura medieval, y por eso hoy os traigo un post que marca la evolución de uno de los elementos que caracterizan dicha arquitectura: las columnas. En este caso me gustaría centrarme en las adosadas (pegadas al muro), y compararlas en los períodos románico y gótico. Pero empecemos por la definición de columna: pieza arquitectónica vertical y de forma alargada que sirve, en general, para sostener el peso de la estructura, aunque también puede tener fines decorativos. -ROMÁNICO-En este período todavía se estaban descubriendo nuevas formas y funciones en la arquitectura. Podemos decir que todavía estan experimentando con la arquitectura. Las columnas adosadas de este período se caracterizan por colocarse en el mismo sentido de como sacaban las piedras de la cantera, es decir, en sentido horizontal. Las columnas adosadas del románico están "pegadas" literalmente al muro, de hecho es como si el muro tuviera un gran relieve circular en forma de columna, pero esto cambiará con el tiempo. -GÓTICO-En el período gótico, lograron adquirir una gran experiencia arquitectónica con respecto al período anterior (teniendo en cuenta que siempre se empieza por un aprendizaje). Es en estos momentos cuando se dan cuenta que pueden jugar con las columnas adosadas, sobre todo las que están situadas en los puntos débiles, pues en realidad no llevan a cabo ninguna función (aunque parezca que ayudan a sujetar mejor las presiones de las bóvedas). Por otra parte, esa especie de anillo que teneis subrayado de amarillo en la imagen, es un elemento que permite unir el fuste de las columnas, mientras que esa especie de cuña estaría por dentro del muro. A continuación podeir ver los ejemplos citados con imágenes: -Ejemplo de columna adosada en el románico. -Ejemplo de columna adosada en lo que sería el "punto débil" de la arquitectura gótica. P.D: espero que a pesar de las 2 primeras imágenes (como no encontré ninguna en internet, decidí hacerlas yo misma...) podais entender lo que pretendía explicar!!

Sobre Juan Muñoz

Hoy quiero dedicarle el post a un gran escultor español: Juan Muñoz (1953-2001). El otro dia, unas compañeras de clase hicieron un trabajo sobre dicho escultor, y la verdad es que me encantó la exposición. Por eso he decidido compartir esta información con vosotr@s: -Juan Muñoz se caracteriza fundamentalmente por su producción de obras de carácter "narrativo" -rompiendo los límites de la escultura tradicional. Sus instalaciones a menudo invitan al espectador a relacionarse con ellas, dejando de sentirse espectador para discretamente formar parte de ellas. Lo que él pretendía era intimidar con sus esculturas. Éstas al ser monocromáticas, gris plomo o color cera, ganan en discreción, pero esa ausencia de individualidad nos incomoda muchas veces. Para sus esculturas, Juan Muñoz utilizó principalmente papel maché, resina y bronce. Sus influencias proceden del cine, literatura... Y tras esta breve explicación del autor, pasamos a la galería de imágenes:

P.D: espectacular!!

Piedad del Vaticano & Piedad Rondanini

Miguel Ángel (Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni 1475-1564), fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. En el 1489, Lorenzo el Magnífico le autoriza a estudiar en el palacio de los Médici. Lorenzo fue su primer mecenas. Entra en contacto con el mundo de la filosofía neoplatónica (será neoplatónico hasta el final de su vida). Miguel Ángel en esta academia de la corte de Lorenzo entra en contacto con modelos clásicos que intenta superar. Veamos 2 obras escultóricas: 1-PIEDAD DEL VATICANO (1498-1499) Esta obra fue encargada con un sentido funerario. Y esto explica la adopción de este tema insólito para el arte italiano del momento (puesto que era característico más bien de la zona de florencia). Este tema permitía plasmar el sentido realista y expresionista que encajaba con la religiosidad del norte de ese gótico final del s.XV Pero Miguel Ángel le va a dar un tratamiento distinto: no va a presentar una muerte real, ya que a él le interesaba representar la prefiguración que tiene María de la futura muerte de Cristo (caracter divino de la muerte de cristo). Para ello nos presenta a una virgen jóven y a un cristo representado como un héroe dormido: refuerzan ese contenido divino de la obra. Por otra parte, su suma la ausencia de rasgos y huellas de la mortificación. Son 2 figuras que se alejan de esa realidad. Los rostros de las figuras están dulcificados. Y hay un tratamiento suave en la figura del héroe dormido. También cabe destacar el esquema piramidal (triángulo): símbolo de la TRINIDAD. Por último decir que esta escultura está perfectamente acabada (incluso las rocas donde se encuentran sentadas las figuras). 2-PIEDAD RONDANINI Parece que empezó esta escultura hacia 1552 y estuvo trabajando en ella hasta la víspera de su muerte en 1564. En realidad no se sabe con exactitud si está acabada o no, pero nos muestra la fusión de madre e hijo: lo divino. Expresa un sentimiento religioso. Domina el espíritu y desprecia la materia. La virgen lucha por sostener el cuerpo de cristo. El sufrimiento de María, que se transforma en una visión de la suprema unión entre la madre y el hijo. Por otro lado destaca la técnica del "non finito", expresa la materialidad de la muerte de cristo. Tenemos a una madre cargada de dolor, lejos de la virgen eternamente jóven del Vaticano. P.D: La verdad es que no se podría escoger entre ellas, pues son fantásticas las 2!!