Poemas visuales de Joan Brossa

Hoy me gustaría hablar sobre uno de los vanguardistas más importantes del s.XX, su nombre es Joan Brossa. Se trata de un poeta, dramaturgo y artista plástico español nacido en Barcelona en el año 1919. Fue uno de los principales introductores de la poesía visual en la literatura catalana. Joan Brossa era un artista que no hacía distinciones de género (literario, visual, escénico, etc).

Su obra gana en profundidad política y asume un compromiso social que nunca abandonará. La lectura de filosofía y religiones orientales, en especial sobre el zen le reafirman en su vivencia de la importancia de la sencillez de las cosas y la búsqueda del equilibrio, que se traduce en miles de poemas libres, directos y sin retórica alguna. 

Su poesía visual y sus carteles constituyen la parte de su obra más conocida, hasta el punto que en este terreno Brossa llega a ser un referente mundial. 

Para Brossa, los poemas visuales tratan de descubrir la magia en el objeto más vulgar, pero dando un claro mensaje detrás de cada producción. A partir de los años 70 manipula los objetos para profundizar en su sentido o bien para representar el concepto desnudo. Ciertos objetos y poemas son muy cotidianos. 

Su interés radica frecuentemente en el contraste entre el título y el objeto insólito que nos presenta.

Algunos de sus poemas visuales son los siguientes:

Cómics con mucho arte

Hoy me gustaría tratar el tema del cómic y su repercusión en el mundo del arte. 

Pero no podemos empezar sin hablar de los antecesores del cómic:

          *Egipcios: representaban muchos de sus mitos en dibujos y jeroglíficos que realizaban sobre hojas de papiro, y también hacían murales en forma de tira, que incluían imagen y texto.

          *Retablos medievales: mediante imágenes, se explicaban al pueblo historias, crímenes y sucesos en general.

El cómic (que nace casi al mismo tiempo que el cine) pronto desarrolló su particular lenguaje icónico, y las primitivas viñetas,que eran todas del mismo tamaño y con los textos al pie o tímidamente incluidos en el dibujo fueron sustituidas por viñetas de diferentes tamaños y situación y, sobre todo, evolucionarán rápidamente los modos y alcances de los textos. Éstos se incluirán, casi desde el principio, en globos o bocadillos; su particular forma, así como el tamaño y dibujo de las letras, constituyen, por sí solos, todo un modo de expresión independiente.

La auténtica edad de oro del cómic tuvo lugar a mediados del s.XX, cuando abundaban las tiras diarias en la prensa. Además también fue surgiendo la idea de los super héroes y es en este momento cuando el cómic experimenta una rápida expansión internacional, diversificándose el género de los cómics.

Una muestra de los primeros cómics pueden ser los siguientes ejemplos:

Ahora que sabemos lo que es el cómic y cuáles fueron sus orígenes, me gustaría hablar del noveno arte. En las últimas décadas el cómic se ha relacionado con los centros de arte, el museo del Louvre (París) promovió esta iniciativa en el 2005, creando una serie de cómics que toman como referencia los fondos de arte del museo.

La idea de poder expresar los contenidos de los grandes centros de arte de un modo diferente e inédito tuvo mucho éxito. Fue algo totalmente innovador.
El cómic y la pintura son disciplinas que van unidas. El noveno arte es conocido por homenajear a las obras de los artistas famosos mediante viñetas e ilustraciones.

Estas alusiones a las obras más famosas pueden realizarse de diversas formas. Algunos dibujantes prefieren reproducir la obra lo más fiel posible a la obra original, otros sin embargo imitan la composición pero añaden elementos y personajes propios.

Se trata de un acercamiento novedoso al mundo de la pintura, una mirada personal y un homenaje de los ilustradores que, conscientes de la capacidad narrativa del noveno arte, utilizan sus recursos para mostrarnos el mundo de la pintura de un modo distinto.

Hay imágenes icónicas del arte que se repiten en muchos de los dibujantes e ilustradores: es el caso de «La Gioconda» (Leonardo Da vinci); «El Grito» (Munch), o «El beso» (Klimt).

Hay dibujantes que se acercan a estas obras maestras desde el humor, mientras otros se decantan por la crítica social o política. Pero todos mantienen un respeto reverencial por los grandes maestros.

Os presento algunos ejemplos muy interesantes:

Sobre el Anhk Egipcio

Estoy segura que la mayoría conocéis el siguiente símbolo egipcio llamado Ankh o Anj:

   

Se trata de un símbolo muy utilizado en la cultura egipcia, aparece representado numerosas veces a lo largo de la iconografía. Significa "VIDA". Suele atribuirse a los dioses inmortales.

Según las creencias y simbolismo del antiguo Egipto, se confiaba en el Ankh o Anj para traer longevidad y salud eterna. 

Con respecto al mundo de los muertos, era la llave para abrir las puertas del paraíso, así como los dioses amigables que traían una vida eterna y feliz.

El Ankh o Anj aparece representado en las manos de los dioses como un símbolo de vida eterna. Pero además también sería la llave de los misterios de la naturaleza (la humanidad, el microcosmos, etc).

Como amuleto, al Ankh, se le atribuiría la capacidad de atraer y conservar el aliento de la vida y las fuerzas vitales. Son muy numerosos los grabados y las esculturas en los que aparece un dios o diosa con la cruz en la mano, acercándosela a la nariz de algún otro dios o protegido. Con este gesto, el portador de la llave en forma de cruz, insuflaba aliento de vida al otro, quien a su vez, lo recibía a través de su nariz. 

Los egiptólogos nos dicen que el ankh simbolizaba para los egipcios la vida, el aire y por extensión el agua (la fuente de vida). Explican también que el Ankh debe interpretarse como el aliento vital que facilitaba la respiración a los difuntos en el Más Allá. De esto se deduce que el Ankh es vida para los residentes de ambos mundos. El Ankh beneficia tanto a los vivos como a los muertos, porque para los egipcios, la muerte no era el fin, sino una transición hacia la vida eterna y por ello, cuando una persona moría se realizaban una serie de complejos rituales funerarios y se colocaban también amuletos que ayudaban al difunto a tener un buen camino hacia la vida eterna.

P.D: A partir de la llegada del cristianismo, alrededor del siglo II d.C., los primeros cristianos egipcios (conocidos como coptos) adoptaron el Anj como una variante de la cruz que todos conocemos hoy en día.

Mundo abstracto de Mark Rothko

Antes de que alguno suelte la frase "a mi no me dice nada", os pediría que leyeseis primero este manual de instrucciones para comprobar si realmente habéis contemplado sus lienzos como es debido:

1. No se puede opinar sobre este artista si solamente se han visto sus cuadros en foto. Las obras de Rothko son lienzos enormes que hay que ver al natural.
2. Tampoco deberían contemplarse en una exposición o museo que esté lleno hasta las patas. Hace falta silencio, poca gente y un ambiente recogido (mejor entre semana, a una hora en que no haya mucho lío).
3. No se puede ir con prisas. Estos cuadros requieren su tiempo y merece la pena dedicárselo.
4. Hay que colocarse frente a la obra, lo más cerca que se pueda sin que te riña el vigilante de la sala, y dejar que la mirada se pierda libremente en los colores, sin pensar en nada más. Al cabo de un rato, mayor o menor dependiendo de la concentración de cada uno, se producirá el milagro.

Mark Rothko fue uno de los máximos representantes de la abstracción americana. A través de su personal lenguaje pictórico, que enlazaba con la tradición europea de lo sublime, el artista quería expresar las más básicas emociones universales, como la tragedia o el éxtasis. 

Los campos de color son aquí el vehículo que emplea Rothko para simbolizar la necesidad de que el espectador indague en sus propias emociones. La obra de arte tiene entonces un sentido de búsqueda del propio yo, de invitar a la reflexión y a la introspección. El abstracto, en este caso, busca el alma de quien contempla el cuadro.

La sociedad siempre ha marcado a los artistas, en el caso de Rothko estuvo marcada por  la ciudad de Nueva York, que se ha convertido en la auténtica capital del mundo capitalista, no sólo a nivel financiero y empresarial, sino también en lo que respecta a las cuestiones culturales y, más concretamente, a las artísticas.

A finales de los años 40, Rothko elimina de su pintura cualquier elemento figurativo dando paso a su enfoque basado en los colores puros en el espacio.

A finales de los años sesenta, en medio de una crisis depresiva, pintó una serie de obras con pintura acrílica negra que evocaban su profunda melancolía. Incapaz de superar este estado de ánimo, terminaría suicidándose en 1970.

Sobre Victor Vasarely

Hola a todos!!! Puede que os sorprenda mi nueva entrada ya que la última tuvo lugar hace varios años...

Pero he vuelto con muchas ganas de seguir compartiendo con vosotros mi pasión por el arte.

Quisiera hablar del artista llamado Victor Vasarely, de origen Húngaro, a quien se le conoce como el padre del Op art. Aunque pasaría primero por las vanguardias y el cubismo constructivista hasta llegar a la Bauhaus. 

En 1930 se trasladó a París, donde trabajó como grafista. En esta ciudad es donde desarrolla la que se considera la primera obra del Op art, llamada Zebra: 

Durante los próximos años, Vasarely desarrolló un estilo propio del arte abstracto geométrico. Destacan en la mayoría de sus obras efectos de movimiento óptico, así como la complejidad de las formas representadas en sus obras, con imágenes inestables. Esto se conoce como arte cinético, con efectos que engañan nuestra visión, jugando con esos movimientos ópticos.

El teórico y líder del arte cinético recoge el mensaje de los grandes precursores constructivistas y de los maestros de la Bauhaus.

Anuncia y domina practicamente la totalidad de los movimientos que a partir de 1950 animarán el movimiento óptico-cinético en el mundo entero.

Es en estos momentos cuando creó un arte disponible para toda la sociedad y lo consiguió a través de la creación de obras de gran tamaño, integradas en la arquitectura y en el entorno urbano, utilizando procedimientos mecánicos como la serigrafía.

Casa Sarabhai

Después de tanto tiempo, hoy me animo con esta entrada.

Quería hacer una mención especial a esta casa, construída en 1954 por el arquitecto Le Corbusier. Se encuentra en la India y es importante comentar que debido al clima de esta región, el arquitecto decidió orientar la vivienda a favor del viento, para así controlar y mejorar la ventilación.

La casa Sarabhai tiene 2 pisos y tiene una planta fluída, debido a sus tabiques, que le confieren una gran libertad en el espacio.

Esta casa se estructura en un sistema de bóvedas, algunas de estas galerías están totalmente abiertas, permitiendo el paso del aire, mientras que la gran mayoría no, permitiendo de esta manera diversas estancias interiores. Se trata fundamentalmente de un conjunto de espacios habitables unidos entre sí que desembocan en el exterior.

Cabe destacar el tejado cubierto de césped y que tiene un tobogán que llega hasta la piscina del jardín (es genial).

P.D: ¿Quien no quisiera una casa con un tobogán que va desde el tejado hasta su piscina? (^_^)

Bibliografía: http://albaramirezarteaga.blogspot.com.es/

Sobre Paul Kuczynski

Hoy quiero dedicar la entrada a Paul Kuczynski, un artista que en sus obras plasma el arte satírico.

Este artista tiene una manera muy especial de criticar la sociedad a través de sus obras:

Panteón de San Isidoro de León

El Panteón de la Colegiata de San Isidoro de León se encuentra a los pies de la actual basílica, y era el lugar en el que se enterraron la mayoría de los reyes y reinas del reino de León (hubo hasta 33 miembros de la corte).

El hecho de que se encuentre fuera de la iglesia, es porque en el momento estaba prohibido enterrarse dentro de las iglesias (será hacia el 1100 cuando los sepulcros se pueden situar dentro de las basílicas).

Actualmente se encuentra desplazado, y esto se debe a que la basílica que tenemos hoy en día es fruto de varias construcciones posteriores. Pero el Panteón no se modificó como la basílica, sino que se dejó como en su consagración entre el 1063-1100.

El Panteón es un espacio rectangular que presenta 2 columnas robustas que dividen el espacio en 3 naves. Es como si se tratase de un del pórtico-galilea carolingio que aparece por ejemplo en las iglesias de Saint Riquier o Saint Benoit-sur-Loire.

Dicho Panteón presenta una espléndida decoración mural en todas sus bóvedas e intradós de los arcos, de hecho se dice que es la "capilla sixtina" de las pinturas románicas.

Tenemos escenas del Antiguo y Nuevo Testamento, como por ejemplo la matanza de los inocentes (zona amarilla), el pantocrátor (zona roja), o el famoso calendario agrícola (zona gris). También cabe destacar la temática que presentan los capiteles del Panteón, que llaman la atención por ser los primeros ejemplos del arte románico español que representan escenas evangélicas. Tenemos capiteles vegetales, otros con figuras zoomórficas o con temática historiada.

(Capitel Vegetal)

(Capitel historiado: curación del leproso)

En cuanto al contexto del Panteón, decir que Doña Sancha, esposa del rey Fernando I el Magno, persuadió a su esposos para que fuesen enterrados en el Monasterio de San Juan Bautista de León, que cambió el nombre por el de San Isidoro cuando se trasladaron los restos del Santo Sevillano al monasterio en el 1063.

Aunque años antes, el padre de Sancha (Alfonso V de León) ordenó trasladar los cuerpos de varios reyes y reinas que se encontraban por todo el territorio leonés con el fin de que yaciesen todos juntos en San Isidoro.

BIBLIOGRAFÍA:

*CONANT, KENNETH JOHN; Arquitectura carolingia y románica 800-1200, Ed. Cátedra, Madrid 1995

*ENCINA, MARÍA: Estudio antropológico del Panteón Real de San Isidoro de León, Vól. II, ProMonumenta, 1998

*PIJOÁN, J: Summa Artis, Vol.IX, Ed. Espasa Calpe, Madrid, 1944.

*http://www.sanisidorodeleon.net/

Sobre las Korai

El término Koré, plural Korai (griego, Κόρη "mujer joven"), es una tipología escultórica de la época Arcaica de la Antigua Grecia, que consiste en una estatua femenina en posición de pie, cuya versión masculina del mismo tipo se designa Kourós.

La koré denota una profunda influencia de la estatuaria egipcia.

La koré se esculpía en mármol, se representaba siempre de pie, vestida (con un peplospor ejemplo) y podía tener los dos brazos erguidos a partir del codo, portando en una o en ambas manos un objeto votivo. El rostro, estereotipado, cuyo objetivo no era ser el retrato de una persona real, estaba envuelto en cabello de una volumetría poco natural, como si tratara de una peluca. La estatua se pintaba, pero al contrario que el kurós ,que era pintado de color marrón, la piel femenina era coloreada de blanco.

Igual que los kuroí, las korai experimentaron una evolución formal a lo largo del tiempo, tornándose, en épocas posteriores, en una figura de formas más suaves y redondeadas, en las que el tejido de la ropa se ajustaba con mayor naturalidad al cuerpo. A partir de ese momento el cuerpo deja de tener el aspecto de haber sido tallado a partir de un bloque de contornos agudos, para parecerse más a una columna, donde las líneas eran más fluidas. Pero, al contrario que el kurós, que presenta siempre la misma tipología (hombre desnudo de pie), la koré se esculpía de variadas formas, sobre todo en lo que concierne a la indumentaria y al peinado, que reflejan la moda de las diferentes localidades donde se esculpía.

Las korai se empleaban como ofrenda votiva a los dioses o para ser colocada sobre un túmulo.

DIOSA DE BERLÍN (580-570 a.C)

HERA DE SAMOS (ca 570 a.C)

KORÉ 675 (510 a.C)

KORÉ 674 (decenio posterior a la anterior Koré)

Sobre la Sainte Chapelle

La Sainte Chapelle (ca 1245) ya pertenece al estilo de gótico radiante. Y es en estos momentos cuando ya no se llevan a cabo experimentaciones arquitectónicas, pues estas investigaciones se realizaron en otros momentos del gótico (primer gótico e incluso en el gótico clásico).

En este edificio se llevó al máximo la desmaterialización del muro, donde tenemos un amplio desarrollo del muro cortina (muro de vidrieras). Y es precisamente ésto lo que quisieron conseguir años atrás, en los inicios y desarrollo del gótico.

El nuevo estilo arquitectónico, quería construcciones altas pero también quería desmaterializar los muros cada vez más (y todo esto está relacionado con la búsqueda la catedral ideal, simbolizando también la Jerusalén Celeste).

Los edificios góticos pudieron crecer en altura gracias al muro botarell, que en un principio se encontraba debajo del tejado, a la altura del claristorio (tercer cuerpo de altura) y que permitía contrarrestar el peso de las bóvedas. Con el tiempo dejaron este muro botarell a la vista, porque sólo tenían que quitar el tejado. Y este muro botarell es lo que conocemos como ARBOTANTE, el elemento más característico del período gótico. Gracias al desarrollo de estos arbotantes, el edificio pudo crecer el altura, pero también desarrollar el muro cortina (las vidrieras), que también se fue ampliando.

En la Sainte Chapelle todas estas experimentaciones llegaron a su fin.

De hecho, si observais una fotografía de la Sainte Chapelle, vereis que NO tiene arbotantes...

Y os preguntareis por qué!!! Pues porque en esta capilla se llevó a cabo un sistema de TIRANTES, colocados entre la cubierta superior y el tejado, que proporcionaban los contrarrestos necesarios y la estabilidad del edificio sin la necesidad de colocar arbotantes. Estos tirantes realizados de hierro, se sustituyeron por unos de acero en la restauración del siglo XIX, momento en el que se dieron cuenta de como se sujetaba el edificio.

En esta fotografía de la planta de la Sainte Chapelle, vereis el ejemplo del sistema de tirantes, que iban de un contrafuerte a otro (es una perfecta obra de ingeniería, para que luego digan de los medievales...):

Y para finalizar os dejo este vídeo sobre la Sainte Chapelle, para que sigais disfrutando de este sueño...

Dioses y demonios en Oriente Medio

En la antiguedad, en Oriente Medio se adoraban cientos de dioses: cada grupo étnico e incluso cada ciudad tenía sus propios dioses. En general había una gran tolerancia religiosa y los dioses de una región se asimilaban a los de otra. Los panteones sumerio y acadio se fusionaron en épocas antiguas y ya no es posible distinguir sus divinidades. A menudo el prestigio de los dioses dependía de la mayor o menor fortuna de su ciudad de origen; Mardul y Ashur, por ejmplo, llegaron a ser muy importantes debido a la creciente prosperidad de Babilonia y Asiria. Los dioses tomaban con frecuencia forma humana, y se creía que se comportaban como humanos, con las mismas emociones y las mismas necesidades, aunque poseyeran poderes sobrenaturales. Al lado de los dioses había numerosos seres sobrenaturales, buenos y malos: demonios, espíritus, espectros, etc., que tomaban distintas formas y solían combinar características humanas y animales. Se creía que algunos demonios eran responsables de las enfermedades y otras desgracias, lo que daba lugar a complicados rituales destinados a alejar el mal.

Veamos algunos ejemplos de divinidades y demonios: En este ornamento de arreos, de marfil de estilo fenicio, hallado en Kalhu, una mujer desnuda sostiene unos leones y flores de loto. Las diosas desnudas suelen identificarse con la diosa del amor y de la guerra, que los sumerios llamaban Inanna, los acadios Ishtar y en el Levante Astarté. Quizás este ejemplo fue usado en desfiles, ya que parece un material demasiado costoso como para utilizarlo durante una batalla. Figura de bronce que representa el demonio del viento Pazuzu, que solía aparecer con una cara grotesca, cuatro alas, patas de ave, patas delanteras de animal y cola de escorpión. Lleva la inscripción: "Soy Pazuzu, hijo de Hanbi, rey de los demonios del viento del mal". Aunque rey de los demonios del mal, Pazuzu se consideraba benévolo. Los amuletos de bronce con la cabeza de este demonio, usados por las mujeres en el parto para protegerse contra los ataques del demonio femenino Lamashtu, tuvieron gran éxito durante los períodos Asirio tardio y Neobabilónico.

Sobre Piet Mondrian

En primer lugar, pedir perdón por mi ausencia en la red durante tanto tiempo...por problemas de tiempo, trabajos y falta de creatividad no he podido actualizar el blog. Pero hoy os traigo un tema que a mi me fascina, y que está relacionado con el artista Piet Mondrian.

........................................................................................................................................................... Voy a empezar comentando brevemente los inicios de este artista: Piet Mondrian (1872-1944) fue un artista que inició sus pinturas con figuración.

En 1911 se introdujo en la concepción cubista.

En 1917 entró a formar parte del movimiento neoplasticista, que trataba de conseguir la verdadera visión de la realidad, es decir, lo esencial. Y para conseguir lo esencial, Mondrian escapa de la "visión trágica" que no era otra cosa que la figuración. De hecho, desde 1914 quiso demostrar que en la pintura abstracta se captaba mejor la esencia del mundo que en una representación naturalista.

Ahora damos un gran salto en el tiempo situándonos en el año 1940, cuando Mondrian decide irse a vivir a Nueva York. A partir de entonces, vemos un cabio en la pintura que realizó en américa, pues parece haber participado de una sensación de libertad al huir del ambiente bélico que se respiraba en Europa debido a la 2º guerra mundial. La pintura de estos momentos sufre un cambio, donde podemos observar un nuevo estilo que Mondrian lleva a cabo en sus últimos años. En este nuevo estilo, elimina las lineas negras que habia utilizado en sus obras realizadas en los años 20, las reemplaza por un secuencia rítmica de trazos de colores, dándole a la composición un movimiento rápido y más dinámico. En la obra Broadway Boggie Woggie, manifiesta el dinamismo de la ciudad de Nueva York, pero no sólo refleja la ciudad neoyorkina, ya que también refleja la música que tanto le gustaba: el jazz. Mondrian se siente fascinado por su nueva ciudad, ya que se encuentra ante unas tipologías diferentes a las de Europa (novedad de los rascacielos entre otras tipologías). Y esta fascinación se aprecia en estas obras de sus últimos años en la ciudad de Nueva York, marcadas por ese nuevo estilo que desarrolló. Pero en las obras americanas, la relación con el entorno va más allá de la mera evocación de las luces neoyorkinas, pues también quería plasmar los ritmos de estilos musicales como el jazz o el blues. De hecho Boggie Woggie es un estilo de blues basado en el piano rápido. Por tanto tenemos esa mezcla de las 2 ideas en la obra: la de la ciudad y la de la música.

Pero interpretar esas últimas pinturas como paisajes urbanos abstractos, sería equivocarse en el significado que les daba Mondrian. Pues es más bien como si el pintor impusiera al interminable caos de la metrópoli moderna, su propio diagrana de la armonía universal, y esta armonía universal es lo que siempre buscó en sus obras.

Introducción al lenguaje cinematográfico (1)

Hoy hablaremos sobre la industria del cine, también considerado arte. Lo que voy a explicar a partir de las siguientes 3 entradas va a ser el proceso de realización de una película desde su punto de vista técnico. ..................................................................................................................... 1º FASE DE PREPARACIÓN (no se graba todavía).................................... Hay que empezar diciendo que el cine es una industria donde se realizan películas con la finalidad de ser exhibidas, y por tanto de conseguir un beneficio económico. Antes de empezar a grabar, se tienen que llevar a cabo una serie de procesos: ..................................................................................................................... -PROCESO DE PRODUCCIÓN- En cuanto a la producción de la película, decir que se intenta cubrir un presupuesto para poder llevar a cabo el proyecto fílmico. El productor ejecutivo es el responsable de la financiación de este proyecto y se tiene que ajustar al presupuesto. La producción de una película también se puede conseguir mediante subvenciones, empresas, bancos... Por otra parte cabe mencionar la importancia de las productoras (que también ayudan con la producción de la película): Twenty Century Fox, Paramount, Metro Golding Meyer...entre muchas otras. También tenemos la coproducción: se trata del reconocimiento por parte de una empresa de no poder llevar a cabo el proyecto fílmico. Por tanto se firman acuerdos con otras compañías, así se asumen los costes de producción y también de lanzamiento. No hay que olvidarse de las cooperativas: se trata de un serie de personas que colaboran aportando su dinero a la producción de la película y luego se benefician de la explotación de la misma. ................................................................................................................... -ELABORACIÓN DEL GUIÓN- Una vez conseguida la financiación de la película, se tiene que desarrollar el guión (la base literaria de la película). Poe se prodemos distinguir las siguientes fases que tiene el guión: *La idea: es el punto de partida sobre el que iniciamos una reflexión sobre algo. *El argumento: se trata de concretar la idea. *Guión literario: se trata de un desarrollo amplio del argumento. Se comentan los personajes y sus respectivas situaciones. También es importante la coherencia en los diálogos, y que haya una continuidad narrativa. *Guión técnico: aqui se incorporan todos los elementos que sean necesarios para el rodaje. Tenemos todo tipo de anotaciones, desde la iluminación, los movimientos de cámara... ................................................................................................................. -CONTRATACIÓN DE LOS EQUIPOS- En este proceso se contratan los equipos (tanto técnicos como artísticos) y también se contrata el estudio donde se grabará la película, o se consiguen los permisos si se graba en el exterior. En cuanto a los equipos técnicos (cada uno cuenta con un responsable máximo): *Equipo de dirección (director, ayudante de dirección, Script) *Equipo de cámaras (operador jefe, ayudantes, foquistas) *Equipo de producción (jefe de producción) *Equipo de montaje (montador jefe) *Equipo de decoración (decorador jefe, es decir, director artístico) *Equipo de sonido (ingeniero de sonido, quien dirige la grabación) *Equipo de maquillaje *Equipo de vestuario En cuanto a los equipos artísticos: *Equipo de actores (actores profesionales, extras, especialistas) *Equipo de música (compositor, director musical, intérpretes) *Equipo de coreografía (coreógrafo, bailarines) ..................................................................................................................... P.D: en la próxima entrada hablaré sobre el rodaje.