jueves, 8 de marzo de 2018

Poemas visuales de Joan Brossa

Hoy me gustaría hablar sobre uno de los vanguardistas más importantes del s.XX, su nombre es Joan Brossa. Se trata de un poeta, dramaturgo y artista plástico español nacido en Barcelona en el año 1919. Fue uno de los principales introductores de la poesía visual en la literatura catalana. Joan Brossa era un artista que no hacía distinciones de género (literario, visual, escénico, etc).
Su obra gana en profundidad política y asume un compromiso social que nunca abandonará. La lectura de filosofía y religiones orientales, en especial sobre el zen le reafirman en su vivencia de la importancia de la sencillez de las cosas y la búsqueda del equilibrio, que se traduce en miles de poemas libres, directos y sin retórica alguna. 
Su poesía visual y sus carteles constituyen la parte de su obra más conocida, hasta el punto que en este terreno Brossa llega a ser un referente mundial. 
Para Brossa, los poemas visuales tratan de descubrir la magia en el objeto más vulgar, pero dando un claro mensaje detrás de cada producción. A partir de los años 70 manipula los objetos para profundizar en su sentido o bien para representar el concepto desnudo. Ciertos objetos y poemas son muy cotidianos. 
Su interés radica frecuentemente en el contraste entre el título y el objeto insólito que nos presenta.
Algunos de sus poemas visuales son los siguientes:










lunes, 8 de enero de 2018

Cómics con mucho arte

Hoy me gustaría tratar el tema del cómic y su repercusión en el mundo del arte. 
Pero no podemos empezar sin hablar de los antecesores del cómic:

          *Egipciosrepresentaban muchos de sus mitos en dibujos y jeroglíficos que realizaban sobre hojas de papiro, y también hacían murales en forma de tira, que incluían imagen y texto.

          *Retablos medievalesmediante imágenes, se explicaban al pueblo historias, crímenes y sucesos en general.

El cómic (que nace casi al mismo tiempo que el cine) pronto desarrolló su particular lenguaje icónico, y las primitivas viñetas,que eran todas del mismo tamaño y con los textos al pie o tímidamente incluidos en el dibujo fueron sustituidas por viñetas de diferentes tamaños y situación y, sobre todo, evolucionarán rápidamente los modos y alcances de los textos. Éstos se incluirán, casi desde el principio, en globos o bocadillos; su particular forma, así como el tamaño y dibujo de las letras, constituyen, por sí solos, todo un modo de expresión independiente.
La auténtica edad de oro del cómic tuvo lugar a mediados del s.XX, cuando abundaban las tiras diarias en la prensa. Además también fue surgiendo la idea de los super héroes y es en este momento cuando el cómic experimenta una rápida expansión internacional, diversificándose el género de los cómics.

Una muestra de los primeros cómics pueden ser los siguientes ejemplos:



Ahora que sabemos lo que es el cómic y cuáles fueron sus orígenes, me gustaría hablar del noveno arte. En las últimas décadas el cómic se ha relacionado con los centros de arte, el museo del Louvre (París) promovió esta iniciativa en el 2005, creando una serie de cómics que toman como referencia los fondos de arte del museo.
La idea de poder expresar los contenidos de los grandes centros de arte de un modo diferente e inédito tuvo mucho éxito. Fue algo totalmente innovador.
El cómic y la pintura son disciplinas que van unidas. El noveno arte es conocido por homenajear a las obras de los artistas famosos mediante viñetas e ilustraciones.
Estas alusiones a las obras más famosas pueden realizarse de diversas formas. Algunos dibujantes prefieren reproducir la obra lo más fiel posible a la obra original, otros sin embargo imitan la composición pero añaden elementos y personajes propios.
Se trata de un acercamiento novedoso al mundo de la pintura, una mirada personal y un homenaje de los ilustradores que, conscientes de la capacidad narrativa del noveno arte, utilizan sus recursos para mostrarnos el mundo de la pintura de un modo distinto.
Hay imágenes icónicas del arte que se repiten en muchos de los dibujantes e ilustradores: es el caso de «La Gioconda» (Leonardo Da vinci); «El Grito» (Munch), o «El beso» (Klimt).
Hay dibujantes que se acercan a estas obras maestras desde el humor, mientras otros se decantan por la crítica social o política. Pero todos mantienen un respeto reverencial por los grandes maestros.
Os presento algunos ejemplos muy interesantes:








lunes, 4 de diciembre de 2017

Sobre el Anhk Egipcio

Estoy segura que la mayoría conocéis el siguiente símbolo egipcio llamado Ankh o Anj:

   Resultado de imagen de ankh egipcio muro

Se trata de un símbolo muy utilizado en la cultura egipcia, aparece representado numerosas veces a lo largo de la iconografía. Significa "VIDA". Suele atribuirse a los dioses inmortales.
Según las creencias y simbolismo del antiguo Egipto, se confiaba en el Ankh o Anj para traer longevidad y salud eterna. 
Con respecto al mundo de los muertos, era la llave para abrir las puertas del paraíso, así como los dioses amigables que traían una vida eterna y feliz.
El Ankh o Anj aparece representado en las manos de los dioses como un símbolo de vida eterna. Pero además también sería la llave de los misterios de la naturaleza (la humanidad, el microcosmos, etc).
Como amuleto, al Ankh, se le atribuiría la capacidad de atraer y conservar el aliento de la vida y las fuerzas vitales. Son muy numerosos los grabados y las esculturas en los que aparece un dios o diosa con la cruz en la mano, acercándosela a la nariz de algún otro dios o protegido. Con este gesto, el portador de la llave en forma de cruz, insuflaba aliento de vida al otro, quien a su vez, lo recibía a través de su nariz. 

Imagen relacionada


Los egiptólogos nos dicen que el ankh simbolizaba para los egipcios la vida, el aire y por extensión el agua (la fuente de vida). Explican también que el Ankh debe interpretarse como el aliento vital que facilitaba la respiración a los difuntos en el Más Allá. De esto se deduce que el Ankh es vida para los residentes de ambos mundos. El Ankh beneficia tanto a los vivos como a los muertos, porque para los egipcios, la muerte no era el fin, sino una transición hacia la vida eterna y por ello, cuando una persona moría se realizaban una serie de complejos rituales funerarios y se colocaban también amuletos que ayudaban al difunto a tener un buen camino hacia la vida eterna.

P.D: A partir de la llegada del cristianismo, alrededor del siglo II d.C., los primeros cristianos egipcios (conocidos como coptos) adoptaron el Anj como una variante de la cruz que todos conocemos hoy en día.



miércoles, 29 de noviembre de 2017

Mundo abstracto de Mark Rothko

Antes de que alguno suelte la frase "a mi no me dice nada", os pediría que leyeseis primero este manual de instrucciones para comprobar si realmente habéis contemplado sus lienzos como es debido:
  1. No se puede opinar sobre este artista si solamente se han visto sus cuadros en foto. Las obras de Rothko son lienzos enormes que hay que ver al natural.
  2. Tampoco deberían contemplarse en una exposición o museo que esté lleno hasta las patas. Hace falta silencio, poca gente y un ambiente recogido (mejor entre semana, a una hora en que no haya mucho lío).
  3. No se puede ir con prisas. Estos cuadros requieren su tiempo y merece la pena dedicárselo.
  4. Hay que colocarse frente a la obra, lo más cerca que se pueda sin que te riña el vigilante de la sala, y dejar que la mirada se pierda libremente en los colores, sin pensar en nada más. Al cabo de un rato, mayor o menor dependiendo de la concentración de cada uno, se producirá el milagro.


Mark Rothko fue uno de los máximos representantes de la abstracción americana. A través de su personal lenguaje pictórico, que enlazaba con la tradición europea de lo sublime, el artista quería expresar las más básicas emociones universales, como la tragedia o el éxtasis. 
Los campos de color son aquí el vehículo que emplea Rothko para simbolizar la necesidad de que el espectador indague en sus propias emociones. La obra de arte tiene entonces un sentido de búsqueda del propio yo, de invitar a la reflexión y a la introspección. El abstracto, en este caso, busca el alma de quien contempla el cuadro.
La sociedad siempre ha marcado a los artistas, en el caso de Rothko estuvo marcada por  la ciudad de Nueva York, que se ha convertido en la auténtica capital del mundo capitalista, no sólo a nivel financiero y empresarial, sino también en lo que respecta a las cuestiones culturales y, más concretamente, a las artísticas.
A finales de los años 40, Rothko elimina de su pintura cualquier elemento figurativo dando paso a su enfoque basado en los colores puros en el espacio.

A finales de los años sesenta, en medio de una crisis depresiva, pintó una serie de obras con pintura acrílica negra que evocaban su profunda melancolía. Incapaz de superar este estado de ánimo, terminaría suicidándose en 1970.

Resultado de imagen de mark rothko 1970



martes, 3 de octubre de 2017

Sobre Victor Vasarely

Hola a todos!!! Puede que os sorprenda mi nueva entrada ya que la última tuvo lugar hace varios años...
Pero he vuelto con muchas ganas de seguir compartiendo con vosotros mi pasión por el arte.

Quisiera hablar del artista llamado Victor Vasarely, de origen Húngaro, a quien se le conoce como el padre del Op art. Aunque pasaría primero por las vanguardias y el cubismo constructivista hasta llegar a la Bauhaus. 
En 1930 se trasladó a París, donde trabajó como grafista. En esta ciudad es donde desarrolla la que se considera la primera obra del Op art, llamada Zebra: 



Durante los próximos años, Vasarely desarrolló un estilo propio del arte abstracto geométrico. Destacan en la mayoría de sus obras efectos de movimiento óptico, así como la complejidad de las formas representadas en sus obras, con imágenes inestables. Esto se conoce como arte cinético, con efectos que engañan nuestra visión, jugando con esos movimientos ópticos.





El teórico y líder del arte cinético recoge el mensaje de los grandes precursores constructivistas y de los maestros de la Bauhaus.
Anuncia y domina practicamente la totalidad de los movimientos que a partir de 1950 animarán el movimiento óptico-cinético en el mundo entero.
Es en estos momentos cuando creó un arte disponible para toda la sociedad y lo consiguió a través de la creación de obras de gran tamaño, integradas en la arquitectura y en el entorno urbano, utilizando procedimientos mecánicos como la serigrafía.





lunes, 3 de febrero de 2014

Casa Sarabhai


Después de tanto tiempo, hoy me animo con esta entrada.
Quería hacer una mención especial a esta casa, construída en 1954 por el arquitecto Le Corbusier. Se encuentra en la India y es importante comentar que debido al clima de esta región, el arquitecto decidió orientar la vivienda a favor del viento, para así controlar y mejorar la ventilación.
La casa Sarabhai tiene 2 pisos y tiene una planta fluída, debido a sus tabiques, que le confieren una gran libertad en el espacio.
Esta casa se estructura en un sistema de bóvedas, algunas de estas galerías están totalmente abiertas, permitiendo el paso del aire, mientras que la gran mayoría no, permitiendo de esta manera diversas estancias interiores. Se trata fundamentalmente de un conjunto de espacios habitables unidos entre sí que desembocan en el exterior.
Cabe destacar el tejado cubierto de césped y que tiene un tobogán que llega hasta la piscina del jardín (es genial).

P.D: ¿Quien no quisiera una casa con un tobogán que va desde el tejado hasta su piscina? (^_^)
Bibliografía: http://albaramirezarteaga.blogspot.com.es/

domingo, 25 de noviembre de 2012

Sobre Paul Kuczynski

Hoy quiero dedicar la entrada a Paul Kuczynski, un artista que en sus obras plasma el arte satírico.
Este artista tiene una manera muy especial de criticar la sociedad a través de sus obras: